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The Remix: ropa para divertirse

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Uno de los mayores desafíos de las marcas de moda de autor es lograr el equilibrio entre una interesante propuesta de diseño y un atractivo producto en términos comerciales. Si bien, hay muchos que están alcanzando esta ansiada armonía, existe una etiqueta que se destacada entre ellas. Me refiero a The Remix creada por el diseñador Matías Hernán junto al diseñador gráfico multimedia Carlos Palma. En sus colecciones, el athleisure se convierte en la guía, y los relatos son materializados gracias a la sublimación digital. Hoy, sus creativos, nos contarán más detalles de su historia y proyecciones, de la mano de su verano 2018.


Motivos para crear The Remix


"Nos motivó llenar un vacío en la industria local. Partió de la necesidad de querer vestir ciertos tipos de prendas que no estábamos encontrando en en el mercado.Vimos la oportunidad de crear una marca que cumpliera nuestras expectativas de manera global, tanto en la propuesta de las prendas como en la forma de presentar la imagen de marca".



La propuesta de The Remix


"Es ropa para divertirse. Vestuario todo terreno, te puede acompañar durante el día y adaptarse perfectamente para salir de fiesta. También nos enfocamos en crear prendas sin género, algunas de ellas unitalla/oversized y también desmontables".



Los factores que influyen en el proceso creativo de The Remix


"Es una mezcla de factores. Desde las películas que estamos viendo, la música con la que estamos pegados, frases o imaginería que hemos visto en las calles o internet, hasta experiencias en fiestas. Todo eso de alguna u otra forma afecta el mood que armamos para crear cada temporada".


La importancia del relato de marca para The Remix


"Es demasiado importante, desde que creamos el universo de cada colección nos preocupamos que todo este conectado. Siempre nos imaginamos todo como si fuese una película, quiénes serían los personajes, cuál sería la locación, qué estarían haciendo, la música que escucharían, etc. El cómo, cuándo y dónde".



El principal desafío al que se enfrenta The Remix


"Hasta el momento lidiar con las limitaciones de materiales/procesos existentes en el país. Hemos comprado algunas telas en Brasil que nos permiten algún nivel de diferenciación, pero lo que estamos trabajando es que nuestro proceso de producción genere por sí solo el factor de diferenciación y de paso sea una solución a nuestra dificultad de encontrar materiales exclusivos".



Imaginando el futuro de The Remix


"En el corto plazo aumentar los puntos de venta a nivel nacional y después de eso, Latinoamérica".


¿Dónde comprarla? En ModaCL Tienda en E.N.D en el GAM (Av. Libertador Bernardo O'higgins 227, Santiago) y en las redes sociales de la marca.


(Fotos gentileza The Remix)

Nezdumal: indumentaria cómoda y consciente

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La afición, casi compulsiva, a la ropa usada de la diseñadora Karina Henríquez, no sólo le afinó el ojo, sino también le permitió experimentar en el arte de mezclar y modificar los originales. Este proceso de ensayo-error, la motivó a transformar este ejercicio de upcycling personal en una marca de indumentaria de autor que llamó Nezdumal, donde el vestuario desde lo nuevo y lo antiguo se funden en una misma mirada. A propósito de su participación como marca invitada de enero en ModaCL Tienda, hoy nos contará más detalles sobre su apuesta creativa.

La propuesta de Nezdumal


"Estoy definiéndola todavía. Se puede decir que la marca aún está en un estado embrionario. Eso sí, puedo decir a grandes rasgos que lo que me interesa es hacer un énfasis en las siluetas amplias, las telas planas, los cortes irregulares. He trabajado harto en ropa femenina, y en adelante me gustaría también hacerlo en cierta ambigüedad. También, y esto me parece importante, Nezdumal algunas veces consiste en una reinterpretación de prendas usadas. Quiero que la marca sea también consciente y sustentable. Y claro, quiero hacer prendas que sean cómodas".



Los factores que influyen en el proceso creativo de Nezdumal


"Me condicionan hartas cosas, y me dejo condicionar por ellas. Por ejemplo, en Santiago no hay telas bellas y asequibles para nada. Es un mercado súper chico, el de la calle Independencia y el de las otras tiendas, y ya con ese punto en contra he tenido, a veces, que ir modificando una idea de la prenda, y eso la transforma en otra. Eso también es bien entretenido. Y por otra parte, está lo de la ropa usada, que debería ser importante para nosotros, por lo común que es".


Crear moda con identidad local para Nezdumal


"Creo que todavía no he expresado esa llamada identidad local. En mi ropa no he trabajado con un concepto de lo 'chileno' o lo 'autóctono'. Sin embargo, quienes más han comprado mis prendas han sido extranjeros. La verdad, no he querido trabajar con esos tópicos porque se me hacen un poquito predecibles. Por otra parte, sí quiero más adelante expresar una identidad local. Camino mucho, recorro hartas partes de Santiago, y siempre he vivido en la periferia. Creo que eso de a poco va dando un recorrido, una cierta identidad, pero también creo que es un trabajo lento de búsqueda, y estoy en eso".


El principal desafío al que se enfrenta Nezdumal


"Son varios, entre ellos el de la difusión de mi marca y especialmente el de hacer un trabajo visual más personal con mis propuestas. Necesito con urgencia hacer producciones propias. O no totalmente propias, sino más independientes, sin depender tanto de otros fotógrafos o productoras. Y así –ojalá– darles un sello más propio".



El futuro de Nezdumal


"Me interesa establecerla, que sea autosustentable y perdure en el tiempo. Que llegue a ser vieja".

¿Dónde comprarla? En enero 2018 en ModaCL Tienda en E.N.D en el GAM (Av. Libertador Bernardo O'higgins 227, Santiago) y en las redes sociales de la marca.


(Fotos gentileza de Nezdumal)

Ente: vestuario atemporal, upcycling y unisex

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La moda incomoda debido a sus altas tasas de contaminación y trabajo esclavo. De hecho, su desconexión con el entorno no sólo ha activado las alarmas de los activistas a lo largo del mundo, sino también de diseñadores, que quieren aprovechar el poder comunicacional del vestuario para transmitir un mensaje positivo y contra la "antigua corriente". Así es el caso del diseñador Sebastián Román y su marca de indumentaria, Ente upcycling, quien busca "reparar el daño hecho por la industria y crear un nuevo modo de consumir vestuario, con procesos justos y transparentes, libre de la esclavitud moderna y por sobre todo consciente del impacto medioambiental". Hoy nos contará cómo espera lograr aquello.

La propuesta de Ente upcycling


"Somos una marca de vestuario atemporal, upcycling y unisex. Que busca generar conciencia
del cuidado del entorno, practicando procesos éticos, justos y ecológicos. Y, por otro lado, diluir las diferencias de género entre hombres y mujeres en materia de apariencia, vestimenta y comportamiento, para así el Ente que nos habita pueda explorar todo el espectro de la sexualidad libremente.

Para nuestra última colección 'Terrestre' reutilizamos prendas y textiles en desuso con más de 50 años de antigüedad, para darle un nuevo ciclo de vida y de este modo contribuir a reducir la vasta
cantidad de desechos textiles en Chile".



La influencia del upcycling en el proceso creativo de Ente


"Creo que el upcycling llegó a potenciar mi proceso creativo, enamorándome de las gráficas y texturas olvidadas con el transcurso del tiempo. Principalmente, mi proceso creativo se liga a la técnica del patchwork, que se acomoda mucho a la reutilización, pero vuelve más compleja la confección de la prenda. Así que ha sido un proceso de aprendizaje, a través del hacer, donde interiorizando los procesos hasta sentir que transfiero una estampa al vestuario Ente".



La importancia del relato de marca para Ente


"Creo que lo más importante en una marca es el relato, es poder comunicar opiniones y posturas. En mi caso, lo más importante es comunicar que se puede hacer moda ética, consciente y ecológica. La comunico a través de redes sociales mostrando los procesos, información, detalles, editoriales, etc".




El principal desafío al que se enfrenta Ente



"El principal desafío es agilizar ciertos procesos, que toman tiempo desarrollar, como el almacenamiento, clasificación, desarmado y lavado de las prendas y textiles en desuso, ya que aún no cuento con un lugar propio donde poder trabajar . Por el momento, lo sorteo con la ayuda y paciencia de mi entorno que empatiza y cree en el proyecto".



Imaginando el futuro de Ente


"Me imagino a Ente posicionado en el mercado e incorporando más tecnología en todos sus procesos para optimizar los recursos, para tener producciones eficientes sin desperdicios, utilizando nuevas técnicas de reutilización y lograr una innovación disruptiva".



¿Dónde comprarla? En12na store en Urriola #598 Cerro Alegre, Valparaíso y Macadelia dn Av. Carlos Alessandri 1363, Algarrobo.


Créditos producción
Fotografía: Fabrizzio Valenzuela / Director Creativo: Sebastián Román / Estilismo: Sebastián Román & Lily Sáez / Modelo: Constanza Mancilla


La ropa como vehículo para la “desobediencia”

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La ropa comunica, incluso sin que queramos hacerlo. Dice mucho de quienes somos, lo que creemos  y/o de cómo queremos ser vistos por los “otros”. Por este motivo, escoger el vestuario como herramienta comunicacional en un mundo dominado por las imágenes, no sólo ratifica este valor simbólico sino también lo explicita para quienes aún dudan de él. La “black carpet” de los Globos del Oro fueron un ejemplo de aquello, sin embargo, la desobediencia puede ser menos estridente o evidente. Hoy le doy una vuelta.

El poder activista de la ropa


La indumentaria es un excelente medio para reafirmar  y visibilizar nuestros intereses, elecciones y estilos de vida. De hecho, cuando vestimos, le entregamos a los demás de un mecanismo silencioso para leernos.

Si bien muchos argumentarán, que ello sólo es posible cuando hay conciencia de lo que se lleva puesto y no se viste lo que se tiene o puede; el crecimiento explosivo del consumo de ropa (400% más que en los 90s) demuestra que si es un ítem de importancia para las personas, independiente que no entiendan su carga simbólica o su posible trascendencia.

Por lo mismo, históricamente la indumentaria ha sido utilizada por diversos grupos sociales como una herramienta de autoafirmación o visibilización de realidades desiguales.

Un ejemplo de ello, se evidencia en la exposición “Disobedient Objects” (26 de julio 2014 a 1 de febrero 2015) del Victoria and Albert Museum de UK, cuya curadora participó en la 1º versión de Moda Desobediente (2017). Allí se examinaba el fuerte rol de los objetos en los movimientos por el cambio social y cómo sus usos tradicionales podían verse transformados a propósito de ello.

Cómo hacer un "objeto desobediente" por el VAM

En esta línea, estamos percibiendo hoy, aún con mayor fuerza, como la “desobediencia” al estatus quo puede ser expresada a través del vestir -a la inversa de lo que se muestra en El Cuento de la Criada-, y expresada con acciones tan sutiles como lograr que todas las actrices (o el 99% de ellas) usaran negro en una de las premiaciones más importantes de la industria como los  Globos de Oro, en repudio a los casos de abuso sexual destapados el 2017.

I shot quite a few files tonight at the 75th Golden Globes, but the image that I am the most proud of is this portrait of eight women activists who attended the Globes as the guests of actresses inspired by the Time’s Up movement. Tarana Burke, Marai Larasi, Rosa Clemente, Ai-jen Poo, Mónica Ramírez, Calina Lawrence, Saru Jayaraman and Billie Jean King who are activists for gender and racial justice, joined Michelle Williams, Emma Watson, Susan Sarandon, Meryl Streep, Laura Dern, Shailene Woodley and Emma Stone as they walked the “black is the new red” carpet and were seated at the ceremony with the actresses. The group was joined by Kerry Washington, Tracee Elis Ross Lena Waithe and America Ferrera. Ace assistant @nicolbieskphoto held a c-stand (with no legs) at the top of which was an @profotusa B1 and a large Photek Umbrella. The file was masterfully finished within minutes by @johnnytalay. Thank you @marabuxbaum and @teamid for the honor. @timesupnow #timesup #goldenglobes @goldenglobes @beverlyhilton @susansarandon #susansarandon @lauradern #lauradern @amypoehlersmartgirls #amypoehler @merylstreep #merylstreep #michellewilliams @nportmanofficial #natalieportman #emmastone @emmastone_official_ @shailenewoodley #shailenewoodley @traceeellisross #traceeellisross @americaferrara #americaferrera @kerrywashington #kerrywashington @lenawaithe @taranajaneen @jusmarai @blackpuertoricanphd @aijenp @calinalawrence @saru_jayaraman @billiejeanking @campesinasunite
Una publicación compartida por Art Streiber (@aspictures) el

De la misma manera, lo evidenciamos, en este lado del continente, en las marchas de #Niunamenos en octubre de 2016, donde se llamaba a vestir de negro, y en los gorros rosados de la Marcha de las Mujeres a principios de 2017, lo que derivó en el Pussyhat Project.

En 2018 se hará una nueva versión de la Marcha de las Mujeres con los gorros rosados como medios de adhesión y expresión

Lo anterior, me lleva a pensar en cómo en nuestro cotidiano, a través de nuestra ropa, estamos “desobedeciendo la norma” o los “hábitos de consumo tradicionales” (neoliberales) y de qué manera podemos hacernos parte de ésta u otras causas actuando desde el vestir.

La respuesta más sencilla la observamos a quienes optan, por ejemplo, en usar indumentaria que se relaciona con cuestionamientos a la industria de la modacomo lo son la ropa vegana, de comercio justo y/o sustentable, y cómo ese gesto podría amplificarse en la medida, que aprendiéramos a comunicarlo como lo hicieron en la “black carpet”. Es allí, donde las redes sociales  adquieren un rol fundamental dada su capacidad de influencia, tanto a nivel micro como macro, y que me parece estamos desaprovechando (o subutilizando).

En ese sentido, el llamado es a entender que hoy nuestra ropa no solo puede ser el espejo de quienes somos, sino de lo que creemos, creando realidad desde el acto más básico de la cotidianidad: vestirse.

(Foto principal: Peta UK)

Vicio Vintage: el primer mercado itinerante de lo vintage

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El amor por lo vintage motivó a María Paz de Guaira, Rigo de Jaguarhouse y Pepa de VintageCorner Santiago a desarrollar el primer mercado itinerante de lo vintage y lo retro: Vicio Vintage. Este proyecto busca proyectarse, además, como plataforma para emprendimientos, y quiere aportar a la práctica de la reutilización y el reciclaje de recursos y estética. Ad portas de realizar su primera versión, el 13 y 14 de enero en Hot Rod en el Barrio Italia, nos contarán más detalles de este interesante espacio para los fanáticos del vintage, que incluye también una line up de artistas.


La propuesta de Vicio Vintage


"Esta feria, en su composición inicial, busca diferenciarse en lo conceptual a través de expositores cuyo foco es lo vintage y lo retro. Además busca utilizar espacios urbanos atractivos. Tenemos varios planes para las siguientes versiones, pero la primera se realizará en un lugar de tatuajes, el Hot Rod, que tiene una estética rockabilly entretenidísima.



Y por supuesto la música en vivo, con el planteamiento de un "line up" de varias bandas. El fin es dar un espacio familiar a las bandas chilenas. Dos de los socios de este proyecto son músicos, por lo que no tenía cabida sin la música en vivo. En esta versión estarán Fakuta, Corderolobo, Le Fruto, Martín Pescador y Sweet Pomelo.



Acompañados de 15 marcas y emprendimientos de productos de vestuario, accesorios, música y
decoración de época, así como también food trucks".

Las proyecciones 2018 de Vicio Vintage


"Vicio Vintage se viene con todo. La idea es poder generar una periodicidad alta para que este proyecto se transforme en un panorama habitual de fines de semana, cambiando de espacios y de expositores. Creciendo cada vez más".



¿Cuándo? 13 y 14 de enero.

¿Horarios? 11:00 a 20:00 hrs.

¿Dónde? Hot Rod en Av. Italia 686, Providencia.


(Fotos gentileza de Vicio Vintage)

Se abrió convocatoria de Pasarela Valparaíso 2018: plataforma de la moda de autor local

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La plataforma regional de promoción y posicionamiento de la moda de autor, Pasarela Valparaíso, abre la convocatoria para su 8º versión con un nuevo eje: la escalibilidad productiva, que se suma a la sustentabilidad e identidad local. En esta línea, sus organizadores -la carrera de diseño de vestuario de DUOC-UC sede Viña del Mar- invitan a las marcas de diseño de autor a participar de su programa gratuito y sin fines de lucro, que por primera vez se realizará en mayo con tres desfiles y una nueva ambientación. ¿Te gustaría conocer los detalles de esta versión y ser parte de ella? Acá te los presento.

8º versión de Pasarela Valparaíso en mayo


La octava versión de Pasarela Valparaíso busca fortalecer el concepto de industria local. En esa línea se busca ampliar los horizontes de este sector de las Economías Creativas, potenciando la escalabilidad, entendida como "la habilidad para reaccionar y adaptarse para crecer productivamente sin perder calidad, de manejar el crecimiento de manera fluida".

"El principal desafío es aportar al desarrollo de la industria textil-indumentaria regional propiciando la colaboración asociativa y la innovación, potenciando el emprendimiento y valorizando el trabajo de diseñadores bajo un estándar global", explican sus organizadores.


En este contexto, se decidió desarrollar tres desfiles, dos de los cuales incorporarán el trabajo de los alumnos de la carrera de diseño de vestuario de DUOC-UC sede Viña del Mar junto a las colaboraciones que han desarrollado con marcas de tamaño medio regional.

Colaboración de alumnas Nicol Cisternas y Andrea Rojas con la marca de la docente, Carola Villanueva, Jo Roller - Pasarela Valparaíso 2017

Mientras el último segmento llamado Proyecta, considerará a los profesionales y marcas establecidas. Es justamente en él, que Pasarela Valparaíso abrió su convocatoria.

↠¿Cuándo se realizará la 8º de Pasarela Valparaíso? El 12 de mayo de 2018.

↠¿Cuáles son los requisitos de postulación? Tener, al menos, 2 colecciones anteriores. Se privilegiará la selección de marcas de vestimenta que trabajen en conjunto con marcas de calzado y/o accesorios, para potenciar una colaboración creativa y/o productiva; las que tendrán asignadas 7 pasadas en el desfile.

Las propuestas postulantes no deben haber sido presentadas en pasarelas anteriores.  

↠¿Cómo postular? Para hacerlo hay que llenar la ficha de postulación (descárgala acá) y enviarla hasta el viernes 9 de marzo 2018 al correo pasarelavalparaiso@gmail.com Sólo se considerarán fichas completas.

↠¿Cuáles serán los criterios de selección? Los postulantes serán seleccionados por la Comisión Editorial de Pasarela Valparaíso bajo los criterios de diseño de los productos; identidad y diferenciación; calidad y consistencia productiva; e imagen visual y proyección de la marca.

Chantal Bernsau en Pasarela Valparaíso 2017

Cronograma de selección

23 de marzoResultado de postulaciones. Se informará por e-mail el resultado de la postulación a cada marca. La participación en Pasarela Valparaíso es gratuita para las marcas seleccionadas.
Se solicitará a los representantes de cada marca firmar una carta compromiso, en la que se exponen y aceptan, respectivamente, las condiciones de participación.

Abril 2018

  • Reunión de coordinación con las marcas seleccionadas, en la que se informarán las condiciones de participación, cronograma y plan de difusión del evento. En esta reunión, cada marca seleccionada debe presentar un mínimo de 5 productos que den cuenta de las características de su propuesta.

  • Entrega de fotografías colección: a más tardar la última semana de abril, cada marca debe comprometerse a entregar imágenes en alta calidad y formato look book de las 7 propuestas de vestuario de la colección a presentar en pasarela , a más tardar la última semana de abril, con el fin de potenciar difusión previa y posterior al evento.

Ignacio Lechuga en Pasarela Valparaíso 2017


+ información puedes escribir a mfernandezb@duoc.cl hasta el 26 de enero, y a vurmeneta@duoc.cl a partir del 26 de febrero.

¿Te gustaría participar?


(Fotos ediciones anteriores de Pasarela Valparaíso por Lontano - Foto principal: Sr. Gonzalez)

Yo lo probé: Neotone radiance spf 50+ de Isis Pharma

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La temporada estival puede convertirse en una pesadilla para la piel de la cara, si no la protegemos. De hecho, el sol es causante de odiosas manchas, que luego no sabemos como borrar. Pensando en ese problema, Isis Pharma desarrolló una crema aclaradora de machas pigmentarias y protectora llamada Neotone radiance sfp 50+, que me enviaron para probarla. Después de un tiempo de uso, les cuento mi experiencia con ella.

Neotone radiance spf 50+ de Isis Pharma


Mi piel es blanca con tendencia a la rosácea, por lo tanto, el sol es un compañero poco deseado en mi cuerpo y rostro. Además si lo tomo exceso me salen pecas y manchas. De hecho, en mi último embarazo sufrí de ello. 

Por lo mismo, los 365 días del año me embetuno cuan Cleopatra, para evitar las externalidades antes descritas. En ese contexto, acepté feliz probar la Neotone radiance spf 50+ de Isis Pharma, ya que prometía ser un "eficaz anti-manchas gracias a su protección SPF 50+ y su asociación de poderosos activos que reducen la intensidad de las manchas pigmentarias y favorecen su eliminación".

Si bien, no he notado grandes alteraciones respecto a posibles manchas en mi rostro -las que tuve desaparecieron hace tiempo gracias a otra crema-, si me ha parecido que su textura no muy ligera, pero de rápida absorción, me hidrata la piel y la protege del sol

Además está pensada para pieles sensibles, viene un formato que es fácil de transportar (sobre todo para quienes se van de vacaciones) y no deja sensación de "pegoteo" luego de aplicarla. Es no comedogénico y no tiene parabenos.

Su precio es de $17.990 (US$29,7), pero en Dermostore la vi a $15.990 (US$26,4) los 30 ml

Según leí en su sitio contiene ácido ascórbico, que realza el resplandor de la piel y la renueva; diacetil boldina, que reduce la producción de melanina, dejando la tirosinasa en su forma inactiva; péptido biomimético, que disminuye las proteínas implicadas en el proceso de la pigmentación y entonces la síntesis de la tirosinasa y de la melanina; y filtros solares UVB/UVA químicos y minerales 
de amplio espectro, que protegen la piel contra los daños del sol.

A mí me pareció un buen producto, pero me gustaría saber con mayor certeza cómo les ha ido a quienes la han usado teniendo manchas pigmentarias, para comprobar si es realmente efectiva en ello.

Y tú ¿la probarías?

Reencuéntrate con los oficios con No des puntá sin hilos: cursos personalizados de costura

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Reencontrarse con los oficios no sólo puede ser una buena manera de emprender, sino también de relajarse, "sanar" y/o entretenerse. Estos factores hacen tan atractivos los cursos de costura y moldería, que ofrecen las diseñadoras Patricia Ovalle y Paulina Serrano a través de "No des puntá sin hilo". Para 2018 han preparado un interesante cronograma de talleres para principiantes y avanzados, cuyo principal característica es que son personalizados de acuerdo al interés de la persona o grupo que los tome. En las próximas líneas nos contarán sobre ellos, y nos explicarán más detalles de su metodología de enseñanza.


Cursos 2018 de "No des puntá sin hilo"


"Tenemos cursos disponibles durante todo el año, donde la gente puede escoger entre dos modalidades, 6 o 10 clases según su objetivo.

Los horarios disponibles para enero son el miércoles 17 de 10 a 13 hrs, viernes 26 de 10 a 13 hrs y martes 30 de 19 a 21:30 hrs.

Además para los que aún siguen trabajando en este mes tenemos workshops los días sábado: 1 clase intensiva de costura básica donde haremos 3 proyectos. Tenemos 2 sábados disponibles, el 20 y 27 de enero. Luego en febrero, las 3 últimas semanas nos tomaremos un receso para seguir en marzo con  con nuestros cursos normales, todo el año".


La metodología de enseñanza personalizada de "No des puntá sin hilo"


"Desde un inicio, cuando las personas nos contactan les preguntamos qué desean aprender o si tienen algún conocimiento de costura.

Posterior a esto, dependiendo de las respuestas anteriores, les ofrecemos costura básica para soltar la mano y aprender a coser/confeccionar, enseñamos diferentes técnicas a través de proyectos: tote bag con fuelle, o estuche con cierre, collet con elástico, delantal con sesgo, y aquí les preguntamos si quieren hacer prendas, desde lo más básico calzas para luego pasar a moldería básica con falda o polera. Es aquí donde las alumnas deciden su camino si quieren seguir con accesorios (bolsos y mochilas) o prendas (vestido, pantalón, chaqueta). Así es como orientamos a cada alumno para que en el camino no se frustren, y disfruten crear".


Los principales aprendizaje del 1º año de "No des puntá sin hilo"


"El primer aprendizaje ha sido aprender a enseñar a otro. Respetando los tiempos de aprendizaje de cada persona. El segundo ha sido aprender a administrar nuestro taller, cláusulas de los cursos, valores, poner sanas reglas de convivencia, nuestros tiempos y los horarios de clase. También hemos aprendido a manejar bien las redes (publicidad) de nuestra marca. Y por último aprendimos a orientar a cada alumna al llegar al taller, para que se inicien con una buena base sobre lo que es confección (costura básica) y así iniciarse en el proyecto que deseen emprender".


Las proyecciones 2018 de "Nos des puntá sin hilo"


"Nos proyectamos con alegría y determinación para continuar cada mes con nuevos cursos y alumnos. Además con muchas ganas de armar workshops de verano o invierno, y los fin de semana. Todo lo anterior a pedido del público. Abiertas a la posibilidad de nuevos cursos cómo vestuario infantil".

(Fotos gentileza de No des puntá sin hilo) 

Paula Matthei: un vestido de novia un árbol

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Casi terminando la carrera de diseño gráfico, Paula Matthei recibió de regalo una máquina de coser, que cambió para siempre su futuro. Fue en ese momento que se dio cuenta que quería estudiar moda. Paralelo a ello, mientras terminaba la universidad realizó algunos vestidos por encargo, y posteriormente el vestido de novia de su prima Laura. Fue esta última prenda la que la llevó a especializarse en los vestidos de novia bajo su marca homónima. Hoy nos contará cómo su etiqueta no sólo quiere entregar un diseño personalizado, sino también hacerse cargo de la huella de carbono que genera, gracias a la ecuación: un vestido - un árbol.


La propuesta de Paula Matthei


"​En este momento no cuento con colecciones, porque los vestidos que tengo toman demasiado tiempo. Lo que intento lograr, cada vez, es leer a la novia y realizar un vestido que tenga en cuenta una gran variedad de factores que la caracterizan, entre ellos, personalidad, gustos​ ​y naturalmente su cuerpo, ya que no todos los vestidos sirven para todas las novias. Se podría decir que mi objetivo es que ese día la novia no esté 'disfrazada' de otra persona, sino que brille con naturalidad de luz propia, sino que la belleza se encuentre en la naturalidad que desprende".



Cómo la vocación sustentable de Paula Matthei influye en su proceso creativo


"No es sencillo encontrar el propio equilibrio entre los criterios de la estética y la sustentabilidad. En mi caso me apoyé en los estudios de una consultora de sustentabilidad (Proyectos Globales SA), y me impactó que más del 70% del CO2 emitido por una prenda sea debido exclusivamente al petróleo del transporte.

En Chile no existe producción de telas de novia, es decir, que importar de proveedores extranjeros, ya sean sustentables o no, deja una importante huella de carbono de la que hay que hacerse cargo. De ahí que decidiera enfocar mis esfuerzos en neutralizar en un 100% la inevitable huella de la prendaque por excelencia más contamina, si tenemos en consideración transporte, trabajo, electricidad, insumos y las menos de 24 horas de vida útil que tiene. ​

Por eso, cada vez que sale un vestido de mi taller, un árbol se planta en la región de Los Ríos​,​ donde nací​​. Al mismo tiempo, los novios reciben un acta certificada por una empresa medioambiental externa que respalda que el CO2 generado, tanto en la fabricación de las telas, su transporte, diseño y confección del vestido será compensado y neutralizado en una determinada cantidad de tiempo. No soy ciega, sé que se puede hacer más al respecto, pero ​con las herramientas que tengo a disposición en este momento lo veo como un buen punto de partida".



La importancia de desarrollar marcas que tengan un relato sustentable 


"Creo que para desarrollar una marca de moda en 2018 la pregunta no es si hacerlo de manera sustentable o no, mas bien qué tan sustentable se puede llegar a ser.Lo que fue un plus, hoy es el desde, y mañana posiblemente ya no sea suficiente. Mentiría si dijera que la mayoría de mis novias llegan por el relato sustentable, pero si vives de la industria de la moda hay ciertas responsabilidades que no se pueden eludir".



El principal desafío al que se enfrentas Paula Matthei


"Estamos expuestos constantemente a cánones de belleza irreales, y parte importante de mi trabajo consiste en lidiar con las inseguridades que crean en las mujeres. Esto implica enseñarles a apreciar sus mejores características porque no siempre lo que buscamos nos queda como nos imaginamos. Es un proceso delicado teniendo en cuenta la presión a la que está sometida toda novia.

Por un lado, siempre me han interesado las formas de los cuerpos, las líneas, las caídas, y por otro en la universidad aprendí a dar forma a mis ideas. Eso me da la seguridad de poder explicar con claridad (y sutileza, naturalmente) las opciones reales en cada caso, sin perder tiempo en pruebas adicionales.

Otro gran desafío fue, en un comienzo, llevar adelante todas las áreas de una marca, desde el logo a la imagen corporativa, elección de proveedores, contabilidad, producciones de moda, instagram​, actualizar la web y, al mismo tiempo, estar involucrada al 100% con todas mis novias en el proceso de diseño y confección de sus vestidos. Para eso no hay más consejo que caerse y volver a levantarse, como todos los demás que han pasado por ahí".





​El futuro de Paula Matthei


"​En el cortísimo plazo estoy viendo si este año puedo repetir en el Festival de Viña. No lo tengo claro porque falta poco y estoy con muchos vestidos, pero me encantó la experiencia el año pasado con Javiera Acevedo.


Mas importante aún, tengo previsto mudarme a vivir a Madrid a mediados de este año, por lo que tengo mucha curiosidad por ver de qué manera evolucionarán mis diseños, ya que los gustos son muy distintos. De cierta forma será un nuevo comienzo, pero me ilusiona el hecho de que al ser un mercado mas grande -de cierta forma más conservador y de otra más atrevido- pueda encontrar un nicho donde desarrollar un estilo más unitario que dé paso a una colección verdadera".

¿Dónde comprarlos? Para citas y consultas escribir a contacto@paulamatthei.com


(Fotos gentileza de Paula Matthei)

Perinola HG: vestimental versátil y divertida de Venezuela al mundo

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Desde niña, la diseñadora venezolana,  Helena Gil, demostró un fuerte espíritu creativo y emprendedor, que volcaba en diversos proyectos. No obstante, fue hace un poco más de 6 años, que fruto de los comentarios que recibía por la ropa que le mandaba a hacer a una modelista, decidió canalizar esa energía en la creación de una marca de indumentaria que llamó Perinola HG, donde combina la versatilidad, la talla única y el comercio justo. A propósito de su comercialización en Chile, a través, de Eucryphia, hoy nos contara cómo ha logrado desarrollar un sello identitario, que hoy traspasa fronteras.

La propuesta de Perinola


"Perinola  HG® es una marca venezolana creada  en octubre de 2011. Se he enfocado desde entonces en crear piezas versátiles, talla única, frescas y divertidas.  Perinola  HG® se ha dedicado fundamentalmente a la creación de piezas de vestir femeninas, de alta  calidad, dirigida  tanto para el mercado venezolano como para el internacional. Actualmente tiene presencia en tiendas boutique en Miami, Panamá, Chile y España. Sus colecciones las inspira en viajes recogiendo  tendencias de todas partes del mundo para crear piezas más exclusivas y diferentes.

Desde su nacimiento se ha desarrollado con un fuerte compromiso social,  bajo un modelo de producción cuyo objetivo ha sido beneficiar a los núcleos de trabajadoras, fortaleciendo su calidad de vida y evitando en lo posible que se vean afectadas por la inflación e incentivándolas a crecer por sus capacidades y esfuerzo.

Perinola  es  el  nombre  criollo  que  se  le  da  a  un  juego universal bastante antiguo. Se escogió ese nombre ya que la  marca,  por ser diseño venezolano, quería un nombre propio del  país de origen.  Sin embargo su estilo se caracteriza por su eclecticismo que recoge tendencias de todas partes del  mundo, he ahí la referencia a lo universal. Por último, el hecho que haga referencia a un juego,  es  una  analogía a la mujer que viste de Perinola HG, de espíritu joven, auténtica y divertida. Las siglas HG hace referencia a Helena Gil".



La influencia del one size y  la multifuncionalidad de las prendas de Perinola en su proceso creativo


"Al  momento de diseñar busco crear piezas que sea versátiles que puedan utilizar para diferentes  tipo  de ocasiones porque conozco a mis clientas y sé que les gusta invertir en una pieza que disfruten usar tanto para una  salida elegante,  para llevar a un viaje o para un día que se quieran arreglar y  enfrentar el mundo.

También por mi personalidad e historia busco utilidad en las  piezas,  ser práctica pero arreglada  a la vez, por ello una pieza que sea one size (solemos hacer o S-M y M-L o talla única) y la multifuncionalidad son tan importantes.


El  vestido de pompones se me  ocurrió hace unos tres años cuando uno de mis diseños los adapté  para ir a la boda de mi prima y debía ir más elegante. Al ver el éxito que  había causado, el lunes  estaba en el taller haciendo los  cambios y  estudiando bien las medidas para  hacerlo talla única.  El  cuento corto es que hoy es una pieza considerada como  una Obra de Arte Visual con una patente a nivel mundial por el Convenio de Berna y de París. Con este vestido hemos vestido a  mujeres de todas partes del mundo ofreciéndoles una pieza única, divertida y capaz de adaptarse a sus lindos y diferentes cuerpos y permitirles sacar el potencial de su personalidad y estilo".

El principal desafío al que se enfrenta Perinola


"El principal desafío como empresa es afrontar los retos que acarrea afrontar una situación país  como la que implica producir en Venezuela, y  aunque estamos muy comprometidos con seguir acá, también hemos ampliado nuestras  oportunidades y hoy tenemos una línea de producción en México y muchos proyectos en España. Ser empresario no es fácil, creo que  ser  emprendedor requiere de mucha determinación, enfoque y saber que se tiene que enfrentar a una serie de trabajo  que quizás al principio no se sabe ni por donde comenzar, pero la magia, la sonrisa y el empuje te impulsan a seguir adelante.

Hoy contamos con una tropa, las Perinolatroopers que nos apoyan y sienten la ilusión de querer participar en una marca que cree en las  personas y su potencial y que a través del  diseño  y  propagación de nuestros diseños se pueden hacer grandes cosas. Desde llevar una empresa  más  humana que beneficia a  todos los involucrados, llevar a cabo proyectos sociales que ayuden al entorno y muy importante, sacarle una sonrisa a nuestras PerinolaLovers que, a través de una pieza, decoran su existencia y afrontan la vida".



¿El futuro de Perinola?


"Estoy trabajando 'el presente' de disfrutar del momento presente. Si bien  tengo muchos proyectos para Perinola, me he dado cuenta,  que el rumbo de la vida cambia constantemente.  Si  bien debe haber una planificación -como el sitio web, los proyectos en México, España y los que  puedan surgir con Chile-, estoy montada en este barco que me ha llevado a lugares y me ha presentado gente maravillosa que no planifiqué hacer desde un principio. Esta es la mejor aventura!".

¿Dónde comprarla? En Chile a través de Eucryphia, también tienen puntos de ventas en Venezuela, México, Estados Unidos, España y Panamá. Más detalles escribir a ventasperinola@gmail.com


(Fotos y videos gentileza de Perinola HG)

Lindas y Pequeñas: vestuario sustentable para niñas

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La práctica profesional, que hizo en una marca de novias, donde se le encomendó hacer moldes para pajes fue el gatillante que llevó a la diseñadora Johana Viera Bernal, a crear la marca de indumentaria infantil, Lindas y Pequeñas. “Al comenzar ese desafío empecé a practicar haciéndole vestidos a mi hija de 4 años. Ahí descubrí que podía combinar diferentes factores para vestir a una niña”, explica. Hoy, años después de ese hito, nos cuenta cómo su etiqueta busca mezclar la sustentabilidad, el reciclaje y el buen vestir desde la mirada del vestuario infantil.


La propuesta de Lindas y Pequeñas


“La propuesta de Lindas y Pequeñas es fuerte y clara; combinar conciencia y upcycling para romper estereotipos infantiles femeninos y demostrar que no existen colores ni formas predefinidas para una niña.

A través de la transformación de las prendas, se valoriza la calidad de las telas, creando productos con identidad para cada niña. Se trabaja con siluetas simples realzando la prenda con diferentes materiales tales como perlas, moños, tachas, estrás, etc. Cada prenda es única y es trabajada como una obra de arte, dedicándole el tiempo necesario para construir una propuesta para cada cliente”.




La influencia de su opción por el reciclaje en el  proceso creativo de Lindas y Pequeñas


El reciclaje es el pilar fundamental de la marca y el puntapié del proceso creativo. Todo parte afinando el ojo para poder decidir qué prendas se pueden transformar y cuáles no. Primero, se determina la cualidad de la prenda, observando si es apta o no para la piel de las niñas. Luego, se evalúa el color o estampado. Si la prenda es escogida se le realizar un proceso de test de calidad y lavado (para ver si destiñe o no). Pasando esa prueba, se comienza a transformar, eliminando pinzas y costuras para que la tela quede lo más pulcra posible, de modo de cortar y coser una nueva prenda pensada en nuestras clientas.

Por otra parte, en el plano emocional el reciclaje me ha abierto los ojos y he aprendido el valor del slow fashion. No quiero que mi hija viva en un mundo lleno de basura y contaminación, por lo que el amor con el que fabrico cada prenda se intensifica e intento proyectar la importancia de un consumo sustentable, para que la gente lo valore y adopte”.



La  importancia del relato de marca para Lindas y Pequeñas


“Crear una marca es reunir las vivencias, sentimientos y aprendizajes que vas sumando en la vida. Abrir tu corazón y mente para canalizarlo en una propuesta atractiva, pero que no sea banal. Debe tener una identidad con la cual la gente te reconozca.

Para mí, poder contar una historia a través de una marca es aportar a la sociedad una nueva visión. Sin relatos, no hay identidad. Muchas veces, clientas recuerdan como sus madres las vestían, con vestidos de cuello bebé zapatitos de charol y calcetas con vuelos y al ver los productos de Lindas y Pequeñas se emocionan y quieren repetir esas experiencias con sus hijas. Esto me ayuda a fortalecer la relación con los clientes y poder compartir pequeños relatos que luego influyen en el proceso creativo”.


El principal desafío al que se enfrenta Lindas y Pequeñas


“Durante la puesta en marcha de esta propuesta, han sido varios los desafíos a los cuales me he enfrentado. Si tengo que elegir uno, diría que el más complejo ha sido enfrentar las limitaciones a la visión infantil femenina que existe en la sociedad.

Creo que tenemos un concepto restringido de lo que significa ser niña. Estamos acostumbrados a vestirlas con cosas rosadas y pomposas como una princesa o una muñeca. En mi experiencia como madre y conociendo a mis pequeñas clientas, he podido constatar que desde los primeros años se va desarrollando la personalidad. No debemos encasillar a nuestras niñas en un color o un personaje, esto eventualmente podría terminar limitándolas, por ello Lindas y Pequeñas ofrece una alternativa para chicas con carácter.

Presentar productos de color negro para niñas es casi un pecado mortal.  Hacer entender a mujeres y hombres que la infancia no se basa en un color, es lo más difícil que me ha tocado sortear.

Para ello he utilizado diferentes propuestas de diseño y marketing para ir ‘convenciendo’ a la sociedad de que nuestras niñas no van a dejar de serlo si le pones un vestido para que ande en patines, o si le pones una prenda negra y la llevas a un cumpleaños, pues nunca dejamos de lado lo más importante de esta etapa,  que es la inocencia de los ojos de niñas. Pero, además, por medio de las prendas y accesorios se les entregan herramientas para que desde pequeñas entiendan que puedan ser y hacer lo que deseen, pues el ser niña no debe ser per sé una barrera. Y, de esta manera la marca contribuye a valorar la importancia  de la equidad de género”.


 Imaginando el futuro de Lindas y Pequeñas


“Estoy convencida que Lindas y Pequeñas va a seguir creciendo ya que se preocupa de entregar buenos productos a un precio justo. Me gustaría involucrar a más trabajadoras en el proceso de creación y confección, las que su vez expandan y transmitan sus vivencias a las prendas. Asimismo, espero ampliar el mercado objetivo y poder construir piezas para mujeres que se quieran unir a este empoderamiento consciente con el planeta y vestir prendas exclusivas pensadas con amor para cada una, sumando personas a la tendencia del upcycling”.


(Fotos gentileza de Lindas y Pequeñas)

Chévere: joyería textil sustentable y transformable

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La exploración del campo de las prendas y accesorios que se transforman en otras tipologías, fue el punto de partida que motivó a las argentinas Melisa Nawodycz (arquitecto) y Silvina Sampol (licenciada en diseño de indumentaria) a desarrollar su marca de accesorios y joyería textil sustentable, Chévere. Tras ser finalistas del Concurso Nacional “Viste Rosario” (2017), nos contarán cómo han logrado desarrollar una propuesta donde la innovación en las formas y usos, junto con el reciclaje textil son el hilo conductor.

La propuesta de Chévere


“Melisa: Chévere no sólo propone sumar su granito de arena a lo estético, también a una causa noble como la sustentabilidad. Y así como los espacios pueden transformarse y adaptarse al usuario, los accesorios también. Como decía Mies Van Der Rohe: ‘Menos es más’.

Silvina: Nuestra propuesta se basa principalmente en la elaboración de joyería textil fabricada artesanalmente a mano, pieza por pieza, para crear una colección de diseño completamente sustentable, ya que sus materiales son reciclados: residuos textiles combinados con placas de madera caladas de fibrofácil (material que se fabrica con los desechos de otro tipo de maderas). A su vez, muchos collares de las colecciones que venimos haciendo son transformables. Es decir, que la pieza de joyería tiene además la condición de transformarse mediante recursos constructivos en otros accesorios o elementos para portar en el cuerpo. Por ejemplo, en la colección ‘Humahuaca’, un collar tiene la condición de transformarse en una chalina, una cartera o una bolsa ecológica. Trabajamos mucho para crear productos funcionales que otorguen soluciones a sus usuarias y confort. Nuestro punto fuerte es la innovación”.


La influencia de la sustentabilidad en el proceso creativo de Chévere


“Silvina: La sustentabilidad en nuestros productos es un punto muy importante e influye mucho en el proceso de fabricación a la hora de la elección de los materialesy también en las técnicas que utilizamos para su elaboración. Utilizamos lino, algodón orgánico, lana y también residuos textiles que conseguimos en retacerías y empresas.

Melisa: Durante la carrera de arquitectura he visto cómo se puede utilizar la sustentabilidad desde un proyecto grande hasta el más chico, y lo importante es aplicarla y brindarla desde el lugar de cada uno. Por eso su influencia en el proceso creativo es muy importante”.



Crear moda con identidad local para Chévere


“Melisa: Para mí significa plasmar la esencia de mi gente, de mis orígenes. Si bien no nacimos en el norte y el nombre de esta colección es ‘Humahuaca’, sabemos que es parte de nosotras y tratamos de expresarlo con los elementos más característicos, sin perder la esencia de la marca.

Silvina: Nosotras nos inspiramos mucho en la identidad local y en la riqueza de la naturaleza que tiene Argentina a través de nuestros viajes. Nos influye mucho la identidad regional a la hora de diseñar las colecciones, ya que la Argentina es muy cosmopolita y también tomamos las formas orgánicas de la naturaleza y aprovechamos las texturas de los materiales que elegimos”.



Chévere en el contexto de la moda de autor


“Silvina: La moda de autor se caracteriza por la exclusividad de sus productos y nosotras nos insertamos en ella a través del trabajo artesanal creando colecciones únicas e innovadoras. Cubriendo nichos y explorando nuevas estrategias para aportar algo nuevo al mercado.

Melisa: Creo que la moda de autor por suerte es muy versátil y Chévere se inserta de manera consiente debido a la sustentabilidad”.



Imaginando el futuro de Chévere


“Melisa: Me la imagino siendo fiel a sus dos principios: sustentable y transformable. Y que cuando se escuche su nombre la gente se remita a esas dos palabras.

Silvina: Nos imaginamos siguiendo el camino de lo sustentable y lo funcional. Dando a conocer nuestra marca, participando de desfiles, exposiciones y concursos y tomando las nuevas necesidades que tienen las personas acercándonos al público. Y como expresa Melisa que la gente remita estos conceptos a nuestra marca”.


(Fotos gentileza de Chévere)

Mnemòsyne: indumentaria Street style desde el slow fashion

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La posibilidad de trabajar sólo en el área retail o en una oficina no era una alternativa atractiva para los diseñadores Catalina Zuñiga y Luis Figueroa. Por lo mismo, comenzaron a darle una vuelta a la posibilidad de crear una propuesta que dejara una huella en las personas que la conocieran. Con ese objetivo en mente decidieron echar mano al ideal slow fashion de la minimización de los residuos, optando por la reutilización textil como herramienta. El resultado de esta apuesta creativa -a la que se sumó recientemente Fernanda Marín- es su marca de indumentariaMnemòsyne. En las próximas líneas nos la presentan.

La propuesta de Mnemòsyne


“Mnemòsyne fue pensada en torno al crecimiento de la tendencia street style y slow fashion. En nuestro ideal es ‘un vestuario para personas que miren la belleza de cada pequeño momento transformándolo en un recuerdo perpetuo’. Para lograrlo,  estamos en constante búsqueda del equilibrio de estilos clásicos y contemporáneos, los que están fuertemente influenciados por la fusión de culturas asiática-occidental, junto con la incorporación de técnicas que sean amigables con el ambiente:

  1. Reducción de desechos: nuestros productos son realizados produciendo una cantidad mínima de desperdicios. Los sobrantes que puedan resultar de nuestros procesos son llevados a puntos de reciclaje para reducir al máximo el impacto ambiental.
  2. Re-utilización de textiles en desuso: incorporamos productos que han sido confeccionados desde un 50% hasta un 100% con textiles reciclados, tratados previamente para recuperar su calidad.
  3. Reciclaje de plásticos y otros materiales: realizamos procesos de reciclaje a pequeña escala con plásticos trabajados para la confección de pins, straps y aros, como complemento para un look completo”.




Un proceso creativo desde lo sustentable en un contexto street style por Mnemòsyne


“La manera en la que se lleva a cabo una prenda difiere de lo tradicional, ya que a veces se puede tener ideas preconcebidas de un diseño, pero este puede ir cambiando según las características del material que se intenta reciclar. La misma materia prima te va dando pistas sobre como variar una silueta o una terminación y eso también ayuda a crear un diseño más urbano e improvisado.

Normalmente buscamos hacer una prenda que tenga carácter propio y no tanto que luzca como partes de otras cosas, aunque rescatemos algún detalle o terminación de la prenda original. Por ejemplo, para hacer una chaqueta podemos rescatar desflecados, cierres o estampados de un pantalón, pero aun así no te darás cuenta que fueron prendas reutilizadas, sino verás un producto nuevo”.



La importancia del relato de marca para Mnemòsyne


“Nuestro relato va estrechamente conectado con el cotidiano, con el diario vivir, con nuestros gustos, con la idea de presentar algo más allá que el acto de vestir nuestras prendas, con la convicción de reducir y minimizar el daño que día a día le hacemos al planeta. Escuchamos una llamada de alerta que provocó la iniciativa de crear moda de una manera más sustentable y quisimos llevar este mensaje a la calle, de qué mejor manera que con looks atemporales, que integran procesos y materiales ligados al slow fashion.

Solemos hablar con los clientes y escuchar sus opiniones. Así mismo intentamos corresponderlos creando prendas que se amolden a sus necesidades y eso es algo que  intentamos reflejar en el trabajo que hacemos día a día. Más que ser una marca, queremos que los clientes puedan ver en nosotros y en diversas propuestas chilenas, que están en lo mismo, una verdadera opción para marcar la diferencia. Para que visibilicemos juntos esta lucha contra la industria de residuos, contra esa ropa que queda guardada en el clóset y se olvida, porque queremos ser esa prenda que sale todas las temporadas sin falta”.



El principal desafío al que se enfrenta Mnemòsyne


“Sin duda, lo más difícil es hacer todas las tareas de una Pyme, ya que muchas veces nos levantamos y somos diseñadores, pero durante la tarde somos CM y llevamos nuestras redes sociales, también somos contadores, cosemos, teñimos, estampamos y un sinfín de otras tareas pequeñas que suman y siguen cada vez que crecemos como marca. Tampoco es fácil delegar todas estas tareas, porque se necesita estar presente en el proceso para llegar al producto final, que cumpla con los estándares que nos impusimos. Lo importante es disfrutar todo el trayecto y dar lo mejor de cada uno”.


¿El futuro de Mnemòsyne?


“Desde un principio nos impusimos estándares muy altos como  ideales de marca, que aún no logramos concretar al cien por ciento. Por eso, queremos seguir investigando y desarrollar nuevas ideas, técnicas y procesos que nos permitan llegar a esa meta.

Además este 2018 añadimos un integrante más a nuestro equipo de trabajo que viene a ser un aporte en el área de diseño y además de redes sociales, styling y tendencias, que para nosotros aún es un aspecto que tenemos por mejorar”.


(Fotos gentileza de Mnemòsyne)

La Horma presenta Pura: sus zapatos verano 2018

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Para quienes vivimos en la costa, no existe un sólo tipo de zapato de verano. Las oscilaciones térmicas nos obligan a pasar de las sandalias a modelos más cerrados de un día para otro o incluso de una hora a otra. Por lo mismo, la colección "Pura" de la marca de zapatos de autor, La Horma, me parece ideal para quienes nos movemos en un verano, que no siempre lo parece. A través de una línea simples, sin adornos, pero de gran elegancia, la etiqueta nos ofrece bellas alternativas para tener un caminar cómodo y distinguido donde nos lleve la ola estival. Te invito a conocerla.

Pura: verano 2018 de La Horma












¿Dónde comprarlos? En Avenida Italia 1194, segundo piso, oficina 3 (jueves y viernes de 17:00 a 19:00 hrs.) o al correo calzadoslahorma@gmail.com


Créditos producción  
Ph:@pilarcastroe en @matanga_estudio / Make Up: @maccaforteza / Model: @veinti_un0 / Styling: @lahorma / Vestuario: @puntadaaustral y @_kbittencourt

Dacal: indumentaria, reciclaje textil y educación sustentable

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El anuncio de la residencia de la marca de indumentaria argentina, Dacal, de las hermanas Lola y Flor Dacal en el espacio de 12na en Atalaya432 (Valparaíso), me motivó a conocer más de su "proyecto integral sustentable que reúne disciplinas, prendas y técnicas de reciclaje textil junto a prácticas educativas y vivencias". En él, la camisa se convierte en el punto de partida de prendas únicas y numeradas, que hoy podemos disfrutar en vivo y en directo en 12-na Store. Pero ¿qué es exactamente Dacal? ¿qué las motivó a cruzar la cordillera e intercambiar experiencias textiles con 12-na? Hoy nos lo cuentan.

Los motivos para crear Dacal


"La costura y la cámara estuvieron siempre presentes en nuestra familia, fue natural en nuestra infancia jugar a vestir y fotografiar muñecos. Ambas a desarrollamos nuestros oficios, Lola es realizadora audiovisual y Flor diseñadora. Hace 3 años comenzamos a trabajar en equipo con nuestro apellido como insignia. Desarrollamos este proyecto integral de cocreación y reciclaje textil.
Nos motiva generar acciones que puedan cambiar la forma de vestirnos hacia modos más sanos y sustentables. Revalorizamos el oficio y los materiales. Promovemos vestir la propia identidad brindando herramientas para coser uno mismo en encuentros y talleres de costura".


La propuesta de Dacal


"Dacal busca practicar una creación sostenible, más allá de las modas, por afuera de la hegemonía consumista, recorriendo la red de posibilidades paralelas ya existentes y entrelazando las suyas.

Desarmamos prendas descartadas, usadas o no, para transformarlas en otras, inéditas, a través de un proceso artesanal, respetuoso del medio ambiente, sin desperdicios, a partir de materiales de época o de producción local acorde con los mismos principios.


Un calendario artesanal, sin fechas fijas y en desarrollo continuo, rige las actividades.

El paso siguiente nos lleva al área de la educación: difundimos nuestras técnicas, conocimientos y hallazgos a través de clases, talleres y encuentros de costura y de reciclaje textil y obras en colaboración. La enseñanza incluyen técnicas simplificadas, accesibles a todos los públicos".


Los factores que influyen en el proceso creativo de Dacal


"Nos guiamos por los principios de sustentabilidad, trabajamos con el menor impacto ambiental y el mayor impacto social. Utilizamos estrategias de reciclaje, desperdicio cero, kilómetro cero, bajo consumo de agua y energía. Trabajamos de forma colaborativa y compartimos nuestra experiencia.

Al momento de crear una prenda, una pieza audiovisual o una experiencia educativa partimos pensando el mensaje que queremos transmitir y nos guía el material con el que contemos para realizarla.

En las prendas, por ejemplo, partimos por la selección de camisas eligiendo telas de fibras naturales. En las series limitadas el material aparece a partir de la búsqueda de lugares y personas que conservan esos rollos de tela antigua aún nueva, tesoros de otro tiempo, cuando se fabricaba para durar, antes de que los modos de vestir cambiaran".



Los motivos de Dacal para realizar una residencia en 12na 


"Conocimos 12na hace muchos años y hace poco supimos de su programa de residencias.
Lo que nos motivó a venir fue que tenemos muchos puntos en común entre nuestros proyectos y ellos cuentan con mas de 10 años de experiencia. Ambos trabajamos prendas desde el reciclaje, realizamos talleres y acciones de reciclaje colectivo y comunicamos con medios audiovisuales.
Planeamos realizar investigaciones y proyectos en conjunto aprendiendo mutuamente, intercambiando métodos de educación y cocreación.

Iniciamos con una venta pop up en su tienda colectiva, cocreamos un workshop de reciclaje textil 'Recreo de camisas' que es una experiencia lúdica y de creación. Será el sábado 27 de enero de 16.00 a 19.00 hs en su taller en Atalaya 432, Playa Ancha".



¿Qué acciones creen se podrían realizar para involucrar más personas en la lógica de la sustentabilidad? 


"Realizamos diversas acciones de concientización social y ambiental. Creamos dispositivos como talleres y videos. Enseñamos a través de la costura, invitando a la reflexión acerca de nuestro rol como consumidores impulsando el hacer uno mismo. Al mismo tiempo, revalorizamos el oficio y los materiales".




¿El futuro de Dacal? 


"Queremos que Dacal involucre a más personas para seguir vinculando hacedores de diversas disciplinas del arte, la cultura y la educación, para así  llegar a nuevos espacios y públicos llevando como bandera el reciclaje, fomentando nuevas formas de consumo y vinculación entre las personas y con el ambiente".

¿Dónde comprarla? En 12na Store en Urriola #598,Valparaíso (lunes a domingo de 11:00 hrs hasta 20:00 hrs) y en las redes sociales de la marca.


(Fotos gentileza de Dacal)

Urraca: indumentaria fruto de la experimentación textil

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La propuesta del diseñador Mario Vega nació a partir de su proyecto de título. Si bien allí sólo deseaba experimentar en distintos materiales y texturas, un hallazgo transformó su norte. "A lo largo del proceso descubrí una manera de teñir con un mineral que nunca se había utilizado en la industria textil y tras una serie de pruebas y errores llegué a controlar la técnica, volviéndome un seudo 'alquimista' textil", afirma. Una vez titulado y reconociendo el potencial de su descubrimiento, decidió pasar a un siguiente nivel, dando vida a su marca de indumentariaUrraca, la que hoy nos presenta.

La propuesta de Urraca


"Gracias a la mística que tiene la experimentación sobre los textiles, el proyecto tomó una identidad por sí mismo con mucha facilidad, con una gran inclinación al detalle, el trabajo manual, las texturas y la búsqueda de materiales nobles, o la entrega de 'nobleza' a los materiales a través de su transformación. Suelo iniciar muchas veces desde el material para diseñar, veo cómo se tiñen, que les pasa con el calor, los deshilados, como se comportan en el cuerpo y dejo que el material hable.

Me encanta agregar detalles únicos, como las piezas metálicas puestas en cada prenda, muchas son encontradas y oxidadas con procesos químicos para llegar a un objeto que parezca proveniente de otra época, con personalidad, tosco, pero delicado. Me gusta jugar con la atemporalidad de las piezas, modificar las siluetas, esconder y mostrar el cuerpo, crear piezas que se arman sobre el cuerpo".




La influencia del arte en la propuesta de Urraca


"Una de las cosas que más me apasiona e inspira es la historia de la indumentaria en general. Muchas veces suelo estar mirando pinturas renacentistas, litografías antiguas, tapices medievales, arte del siglo XIX, busco mucho en los detalles, la representación de los textiles y las formas de las prendas para generar mis propias propuestas.

Además suelo mirar mucho arte textil, algo que se dio por conocer el trabajo de una de mis profesoras, Paola Moreno, que me mostró esa rama del arte de la cual me enamoré y, de ahí, tomo el aprecio por el material y su trabajo como si fuera una persona, respetando sus características para ponerlas en favor de la creación y no forzarlo".



Crear moda con identidad local para Urraca


"Crear moda con identidad local para mí, es observar todo lo que nos rodea día a día, incluso las personas, y trabajarlo a tu favor para crear.

Mi proyecto en un comienzo lo formulé como una colección experimental, que más que prendas son una suerte de talismán o amuleto, objetos que nos acompañan en los momentos difíciles y que nos afligen, ya que si nos fijamos Chile es un lugar con mucha gente que no se considera completamente feliz. Muchas veces en las calles se nota esa tensión, entonces creé esta marca observando esto para desarrollar objetos significantes, que acompañan a las personas y están a su función.

Eso para mí es la identidad local, la observación de tu espacio y su gente para traducirlo en objetos portables. Y para diseñar suelo observar también prendas precolombinas, por ejemplo, piezas tan simples geométricamente hablando, pero con textiles tratados con suma belleza y un trabajo de años de práctica, que siento que es algo que siempre hemos tenido, pero muchas veces los olvidamos".



El principal desafío al que se enfrenta Urraca


"Suelo considerar mi trabajo en ocasiones demasiado experimental y libre, por lo que muchas veces verán piezas que son mucho más expresivas, con muchas horas de trabajo manual, pero que no son muy usables. Son mis piezas de inspiración las que no apuntan a lo comercial, por lo que aún trato de equilibrar la experimentación formal y material con el diseño más comercial.

Pero ya habiendo mostrado mi trabajo en una forma más artística, escénica y con mi sello personal, ahora planeo comenzar sublíneas mucho más usables, conservando el espíritu de la colección y siempre trabajando en paralelo en las piezas de inspiración que son las que mueven mi trabajo. Y, por otro lado, me encuentro frente al desafío que todo diseñador en Chile ha tenido que pasar, hacerse espacio en un mercado que no es tan sediento por la moda como en otros lugares. Un nicho de personas que gustan del diseño local que cada día crece más, pero es medianamente pequeño, y eso dificulta las cosas, sin embargo, creo que siempre habrá un espacio disponible".



Imaginando el futuro de Urraca


"Mi plan es no dejar de producir, trabajar colecciones atemporales por algún tiempo hasta consolidar bien mi espacio, dedicarme a esto la mayor parte del tiempo que sea posible hasta llegar a tener un nombre en el mercado chileno. Y en paralelo, desarrollarme como diseñador aún más, seguir aprendiendo, buscar nuevas formas de trabajar con los materiales, experimentar sin parar, aprender de otros mercados, no sólo el nacional, entender por completo el mundo del diseño y la moda. Simplemente no parar de aprender".

¿Dónde comprarla? En el instagram de la marca


(Fotos gentileza de Urraca)

Taller Baquelita: marca y plataforma para la creación de moda ética

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La necesidad de desarrollar diseños y metodologías de trabajo coherentes y consecuentes, tanto en lo público como en lo privado, motivó a la diseñadora Fernanda Montesi a crear la etiqueta y espacio de creación colaborativa, Taller Baquelita. Si bien, en su antigua marca, AdeAntonio, gozaba de cierta libertad creativa hubo un punto de quiebre que la llevó a tomar un camino propio: la invitación de Urb de Jumbo a desarrollar una colección. "No fui parte de esa decisión y me pareció antagónica al discurso que habíamos desarrollado como marca a través de los años", afirma. Hoy nos contará cómo ha logrado funcionar bajo principios éticos, que considera intransables, de manera individual y colectiva.


Sobre Taller Baquelita


"Taller Baquelita se funda sobre la reflexión de cómo afrontar éticamente el trabajo en torno a la indumentaria. Para eso creamos tres áreas distintas donde desarrollar nuestras ideas:

- colecciones propias a partir de la recuperación de piezas y telas
- el trabajo colaborativo con otros diseñadores con nuestro sello de alta calidad de manufactura
- la recuperación de piezas patrimoniales personales, trabajo que realizamos directamente con nuestro clientes".



La propuesta de Taller Baquelita como marca


"Por ahora no me interesa mucho definirla, creo que eso es mejor observado por los demás. Es un proceso muy personal que es difícil de definir sin sentir que las palabras te encasillan. Por lo que en este momento, prefiero que cada colección se defina por sí misma. Por ahora, mis definiciones tienen más que ver con los procesos de producción que con líneas de diseño".


Los criterios de selección de las marcas que trabajan en Taller Baquelita 


"Hasta el momento ha sido muy orgánico y casi casual. Hemos llevado a cabo desde proyectos más grandes como el de Gonzalo Herrera a pequeñas producciones personales. Cualquiera puede sumarse en la medida que funcionemos bajo los parámetros de producción que sentimos son los únicos sustentables a largo plazo y que, esperamos, sean un aporte".



El principal desafío al que se enfrenta taller Baquelita


"El principal desafío en este momento es hacer conocido nuestro trabajo y poder llegar a la mayor cantidad de público".




El futuro de Taller Baquelita


"Esperamos poder expandir el taller e incluir más personas en el futuro. También nos parece fundamental rescatar el trabajo de moldistas, costureras y bordadoras subpagadas en otros talleres o que simplemente no encuentran trabajo en su área. Nuestra idea es también educar a nuevas generaciones interesadas en recuperar y dignificar este oficio en un espacio colaborativo".



(Fotos gentileza de Taller Baquelita)

Verónica Piraíno: joyas de poder

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Romper con la desigualdad de los géneros, empoderar a las mujeres, dejar una huella y aportar al cambio de la sociedad son algunas de las motivaciones que llevaron a Verónica Piraíno a crear su marca homónima de joyería. En ella busca que sus piezas sean testigos del día de sus clientas, acompañándolas a cumplir sus objetivos y siendo parte de sus logros. Hoy nos contará de qué manera está cumpliendo con esa tarea.

La propuesta de Verónica Piraíno


"Materia y material, cada cosa desarrollada en nuestro taller -nuestro corazón- es un objeto precioso, cargado de espiritualidad, delicadeza y personalidad, y la razón es muy simple, todo lo que creamos, desde la joya más grande, potente y expresiva, hasta la más pequeña y fina, está diseñada con amor, ahí se esconde nuestro secreto: el amor por lo que hacemos y el amor por quién usará nuestras joyas.

La piedra es nuestra materia prima y es roca poderosa desde su centro hasta la superficie. Cada joya que integra el universo de Verónica Piraíno tiene elementos de la naturaleza, desde lo más salvaje hasta lo más sutil, porque ella es quien nos entrega las herramientas, nosotros únicamente la escuchamos y nos dejamos llevar por la intuición".


La influencia de la materialidad en el proceso creativo de Verónica Piraíno


"Nuestro valor principal es el diseño y la permanente innovación para estar a la vanguardia de la joyería que usan día a día todas nuestras clientas, teniendo un estilo propio y no influenciado por los vaivenes de la moda de cada temporada.

Cada vez que creo una nueva joya, lo primero que realizo es elegir la piedra para luego imaginar cómo podría combinarla y lo que podría transmitir, posteriormente se diseña la pieza y finalmente lo transformo en algo concreto.

Todos los materiales tienen un significado, no hay ninguna combinación aleatoria.

Cada piedra tiene una energía y propiedad que la caracteriza. Es por esto que es importante saber cómo trabajarla, incluye un  arduo esfuerzo con mucha entrega y esmero para cada pieza. Siempre buscamos que la joya sea diferente, manteniendo la elegancia, siendo notoria la mano de obra y dedicación que hay en todo el proceso detrás de su producción".



La importancia del relato de marca para Verónica Piraíno


"Una de las estrategias que utilizamos es crear constantemente piezas únicas, ya que es la mejor forma de transmitir a las clientas nuestro relato de marca.

Es sumamente importante para mí que la marca se distinga frente a la competencia, logrando tener una esencia única e inigualable donde sientan una experiencia diferente cuando compren en las  tiendas. Para generar aquello estamos continuamente mejorando nuestra atención, contando con aromas especiales y música en nuestros locales, logrando que el usuario se conecte con todos sus sentidos y logren estar en sintonía con lo que buscamos proyectar".



El principal desafío al que se enfrenta Verónica Piraíno


"Uno de los principales desafíos es estar constantemente reinventándonos e innovando en nuestros productos. Esto se hace aún más difícil cuando buscamos que la mujer logre sentirse segura y empoderada a través de lo que vendemos. Como empresa buscamos que las mujeres se sientan diferentes, convencidas de que pueden lograr todos los desafíos propuestos y que nada las detiene.

Aunque muchas veces parece complicado, creemos que nada es imposible y es por esto que nuestras piezas son únicas, tanto en su diseño como en el uso y mezcla de materiales, ofreciendo una variedad de productos para que cada cliente logre encontrar exactamente lo que la define y la hace brillar, creando su propio estilo.

 Verónica Piraíno Joyas vende identidad, poder, seguridad".



¿El futuro de Verónica Piraíno?


"Siempre he sido del lema de vivir el presente y disfrutarlo al máximo, sin proyectarnos desmesuradamente al futuro, ya que no sabemos qué nos depara. Pero te podría decir que me encantaría llevar mi esencia de marca a nivel internacional. De esta forma podría difundir en todas las mujeres del mundo que cada una puede verse bien en su propio estilo, proyectando lo que son y lo que quieren lograr y que mejor que realizarlo a través de vestir joyas únicas, que te harán ver y sentir diferente, teniendo reconocimiento, convencimiento, sintiéndose segura, saber que si se puede".

¿Dónde comprarlas? En la tienda online de la marca o en sus tiendas ubicadas en Av. Luis Pasteur 6581, piso 1, Vitacura y Av. José Alcalde Delano 10660, Local 22, Lo Barnechea.


(Fotos gentileza de Verónica Piraíno)

Aranda Indumentaria: identidad nacional y técnicas artesanales

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La pasión por la moda y las manualidades llevaron a la diseñadora Ignacia Soto Aranda a crear la marcaAranda Indumentaria. En ella busca desarrollar “prendas auténticas, diferenciadoras, con identidad nacional y valor agregado”, que se expresa en el uso de materiales no convencionales y el uso de técnicas artesanales. Luego de un largo periodo de “incubación” hoy nos presenta su primera colección inspirada en la Patagonia y nos cuenta cómo está vislumbrando el futuro de su etiqueta.

La propuesta de Aranda Indumentaria


“En esta primera colección inspirada en la Patagonia, se trabajó con el concepto Genuino, que viene de lo puro, que conserva características propias o auténticas, enfocadas en lo chileno. Buscando diferenciarse mediante la utilización de materiales poco convencionales potenciados con la técnica ancestral del crochet”.


La influencia de las tendencias en el proceso creativo de Aranda Indumentaria


“Más que seguir una tendencia en específico, se toman fragmentos como referentes para los procesos creativos, ya que el público objetivo al que está enfocado la marca, no se identifica con una tendencia, pero si tiene conocimiento de ellas”.



Crear moda con identidad para Aranda Indumentaria


“Considero que la moda con identidad es uno de los puntos principales, ya que con esto el público objetivo logra identificarse y la marca genera un sello ayudando en su proceso de consolidación. En el caso de mi marca, se refleja una identidad nacional que busca ser reconocida por el trabajo artesanal y/o manual, realizado con materiales convencionales y poco convencionales como el cable de cobre, aplicados con la técnica ancestral del crochet”.



El mayor desafío que enfrenta Aranda Indumentaria


“El mayor desafío es competir contra marcas de autor ya consolidadas, las que tienen un público fiel. En mi caso, tener una baja producción, crear cercanía con la usuaria/cliente, mostrar los procesos de fabricación de algunas prendas y la utilización de materiales convencionales y poco convencionales, le entregarán un sello propio a la marca, diferenciándola completamente de la competencia”.



Imaginando el futuro de la Aranda Indumentaria


“Imagino ser una marca reconocida a nivel nacional y poder satisfacer completamente las necesidades de nuestro público, mejorando y ampliando nuestra gama de productos”.

¿Dónde comprarla? En las redes sociales de la marca.


(Fotos gentileza Aranda Indumentaria)

Luz María Hurtado: indumentaria de exploración textil

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La experimentación textil es el camino que eligió la diseñadora Luz María Hurtado a través de sumarca homónima de indumentaria femenina. De hecho, la técnica del slash and show, se transformó en el hilo conductor de su colección estreno “Corteza”, donde la unión de capas de telas va develando diversas profundidades y texturas en la prenda. Hoy nos contará más detalles sobre su propuesta y proceso creativo.

La propuesta de Luz María Hurtado


“Describo mi propuesta como algo experimental, me gusta crear texturas nuevas y contrastar colores. Mi propuesta más fuerte es ‘Corteza’, colección otoño/invierno que nace a partir de la inquietud de experimentar con los textiles y explorar el slash and show, técnica que consiste en unir dos o más capas de tela por medio de una grilla de costuras, para luego intervenirlas y develar las capas inferiores. A través de ella, se busca obtener materiales nuevos, únicos y originales.

La estética de la colección se inspira en un elemento específico de la naturaleza: cortezas de los troncos de árboles. El tronco está compuesto por diferentes capas, quedando como exterior la corteza. Cada tronco posee una corteza de características diferentes, que lo vuelven especial y llamativo; capas rasgadas que develan colores y texturas”.




Los factores que influyen en el proceso creativo de Luz María Hurtado


“Me influye mucho el estado de ánimo y el período por el que estoy pasando. Hay épocas que me vuelvo mucho más sensible y perceptiva y es ahí cuando tengo que aprovechar de sacar todas las ideas que se me crucen por la cabeza. De ahí en adelante, lo que más hago es dibujar y experimentar con las telas hasta llegar a un resultado interesante. Me gusta explorar sus cualidades, llevándolas al extremo. Deshilo, quemo, someto a calor, etc. De este modo logro entregar valor a telas que inicialmente se ven de una calidad inferior”.


La importancia del relato de marca para Luz María Hurtado


“Es muy importante, es la ‘tarjeta de presentación’ de todo mi trabajo. Lo que necesito que la gente se grabe en su cabeza es mi nombre, desde ahí pueden explorar todo lo que hago. Es por eso que quise construir un logo sobrio, elegante y minimalista. Me parece un buen punto de partida para extrapolarse a las distintas colecciones que vayan naciendo con el tiempo. El carácter de cada propuesta se irá dando con lo que acompañe cada colección, pero hay líneas que quiero mantener independiente de la temática de la colección.

Me gusta mucho el cariño que pongo en el proceso de confección de cada pieza y que se refleje en ella. Todo lo que hago es hecho a mano, único y por supuesto, hecho en Chile”.



El principal desafío para Luz María Hurtado


“El principal desafío en este minuto es darme a conocer, que la gente confíe en mi trabajo y se atreva a invertir en mí. Sabemos que en Chile todavía es un camino lento, pero también que cada día toma mayor importancia. Por lo que me imagino que va a ser un período de muchísimo trabajo y poco descanso, pero hay mucha motivación, así que tengo fe de que se van a reflejar buenos resultados. Me emociona mucho que la gente se interese en mi trabajo y sobre todo en la dedicación que hay detrás, quiero que eso se potencie con el tiempo, que se valore más el diseño de autor, las piezas únicas y el diseño local”.



¿El futuro de Luz María Hurtado?


Siempre he soñado con vivir en Europa y hacer mi carrera de diseñadora allá, pero creo que todo a su debido tiempo. Me gustaría ser un aporte dentro del mercado local de diseño de autor y para eso necesito afirmarme en Chile. Una vez que sienta que estoy influenciando positivamente en el rubro, quizás esté lista para irme más lejos”.

¿Dónde comprarla? En el instagram de la marca o al correo luzmariahurtadom@gmail.com


(Fotos gentileza de Luz María Hurtado)

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