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Moda significativa para Navidad: algunos consejos para lograrlo

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El consumo nos consume en esta acalorada Navidad. Si bien, el trasfondo de este devenir de tiendas y click puede ser positivo, el estrés de final de año y las ganas de no fallar pueden convertir nuestras compras en un trámite carente de significado. Si estás aburrida de esa sensación; deseas transitar hacia un consumo consciente y responsable de moda; y hacer de tu Navidad un momento que "toque" el corazón de quienes te rodean, te daré algunos consejos para lograrlo.

Consejos para una Navidad fashion con significado


Comprar por comprar no sólo adelgaza trágicamente tu cuenta bancaria, sino también te deja una sensación de vacío difícil de llenar. Se cumplió, pero mal. Por lo mismo, si quieres destinar parte de tu presupuesto de diciembre a regalonear a tu entorno, la mejor opción es hacerlo motivado por los buenos deseos y el sentido.

¿Cómo lograrlo? Acá algunos consejos:

1- Buscar productos creados localmente: cuando regalamos algo hecho en nuestra ciudad o país, no sólo estamos entregando un objeto que tiene intrínsecamente una identidad local, sino también aportamos al crecimiento del territorio donde se originó y en muchos casos al resurgimiento de los oficios tradicionales.

¿Dónde encontrar esas marcas? Si quieres buscarlas online puedes mirarlas en Creado en Chile, Nashion-itFranca y Bazar La Pasión. Si buscas ir a sus tiendas date una vuelta por el Drugstore y E.N.D si estás en Santiago. Por otra parte, las redes sociales son un excelente espacio para seguirle la pista a través de hashtag como #hechoenChile#modachilena#madeinChile entre otros.


2- Buscar productos con historia / relato: regalar un objeto que tiene un relato, no sólo demuestra nuestra preocupación al momento de seleccionarlo,  sino también nos permite generar un diálogo en torno a él, una conversación que puede derivar en una excelente sobremesa post-navideña o incluso en ideas de futuro. En los mismos lugares del primer punto encontrarás moda con relato. No olvides pedir que te cuenten la historia detrás del objeto y transmítela como parte del regalo.

Local 9F está en el Drugstore y cobija las propuestas de 4 marcas de moda de autor nacional


3- Buscar productos que apoyen a causas: para quienes amamos los objetos con significado, una excelente manera de cautivarnos es entregarnos un regalo que no sólo tenga un buen diseño, sino que también sea un aporte, por ejemplo, a apoyar una buena causa como el fin del maltrato animal, la descontaminación de los mares, el trabajo digno, etc. En esta línea encontramos las mochilas y complementos de Cocodrilo Bazar para ONG Te Protejo, la colección 7 mares de Karün, entre otros.


4- Regalar experiencias y/o valores: para quienes creen que tienen suficiente o desean encantarse con regalos significativos, que van más allá de lo clásico, la mejor opción es regalarles experiencias y/o valores. Por ejemplo: una sesión de belleza como las que ofrece Claro Studio o la selección de valores que Franca ha desarrollado para guiar tu compra en su sitio.


Según tu experiencia, ¿qué otros tips podrían aportar a una Navidad de moda significativa?

Paulina Paz: joyas que se renuevan desde lo clásico

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El aprendizaje de diversas técnicas ligadas a la joyería, sumado a la necesidad de conjugar el diseño y el arte en una sola pieza llevaron a Paulina Paz a crear su marca homónima de joyería. En ella busca resignificar la joyería clásica desde una mirada muy femenina, donde la delicadeza del hecho a mano se expresa en cada un de sus creaciones. Te invito a conocerla.

La propuesta de Paulina Paz


"Busco ofrecer una línea de joyería con carácter clásico, pero renovado, donde la femineidad y delicadeza forman un rol protagónico. Logrando de este modo, piezas con un diseño claro, ordenado y definido, que inspiren a las mujeres a expresar su individualidad. Cada joya es elaborada completamente a mano, en base a plata de primera ley, cobre, piedras semipreciosas y perlas".


Los factores que influyen en el proceso creativo de Paulina Paz


"Lo sublime de la vida, la poesía, los sentimientos, todo lo que inspire ante la voluntad de expresarse. En este momento estoy desarrollando una nueva colección, denominada Rocío, la que se relaciona con los tonos naturales del amanecer, la simplicidad de las formas orgánicas, entre otros detalles".


La importancia del relato de marca para Paulina Paz


"Es lo primordial dentro del proceso creativo, y lo más complejo a la hora de abordar el tema. Por lo mismo, la estética, los materiales que se utilizan, hasta la publicidad que se ejecuta resulta imprescindible. Mis piezas intentan expresar lo puro y genuino, como la abstracción de una idea y concepto. Primero inicio con algo que es muy elaborado, luego voy sustrayendo detalles. Hasta que llego a lo más simple, pero más bello, sin necesidad de agregar nada más. Me gusta descifrar esos momentos de pausa, hasta llegar a lo esencial de la forma".


El principal desafío al que se enfrenta Paulina Paz


"El principal desafío se relaciona con la visibilidad del producto dentro del mercado.  Que se valorice el trabajo hecho a mano. Por ello, es fundamental definir metas, planificar, ser constante y organizado".


¿El futuro de Paulina Paz?


"Ser reconocido dentro del mercado nacional, estableciéndome en una tienda de forma independiente".

¿Dónde comprarla? En sus redes sociales y al correo paulinapazjoyas@hotmail.com


(Fotos gentileza de Paulina Paz)

Bartolo y sus vestones para recibir el 2018 con elegancia casual

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Transformar una prenda de "ocasiones especiales" en una de uso cotidiano fue el objetivo que se trazaron Ivonne Guerrero Tello y Elías Lagos Guajardo, para conmemorar el primer aniversario de su marca de indumentaria masculina,Bartolo. Para ello tomaron como referentes los colores, texturas e imágenes del campo de la Sexta Región -lugar de residencia- y resignificaron un clásico vestón con los códigos de sus bomber jackets. Hoy nos muestran el resultado y nos entregan detalles de su propuesta ideal para recibir el 2018 con elegancia casual.


Elegancia casual: los vestones de Bartolo


"Para esta colección nos planteamos un nuevo desafío -como sorpresa de nuestro primer aniversario como marca- vestones con distintos diseños, a color, llevando la idea de nuestras bomber jackets a una prenda tan delicada y elegante como las chaquetas de vestir.




La idea es darle vida a una prenda que, por lo general, es utilizada para ocasiones especiales, rompiendo el molde de lo tradicional y convertirla en un elemento versátil, que pueda ser utilizada en diferentes contextos, el día a día, eventos especiales, etc.




Al igual que nuestras bomber jackets, la identidad y exclusividad están presentes en nuestras chaquetas de vestir, por eso, solo hacemos un diseño por talla", afirman.

¿Dónde comprarlas? En las redes sociales de la marca y en el correo bartolo.diseno@gmail.com


(Fotos gentileza de Bartolo)

Ingrato: el tejido como vehículo creativo

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La inquietud de tejer y aprender una técnica que le permitiera crear textiles desde lo más simple, para tener mayor libertad de composición de colores y texturas, fue el primer disparador que motivó al diseñador Sebastián Plaza y miembro de Hombres Tejedores, a crear lo que hoy conocemos como su marca de indumentaria, Ingrato. A lo anterior se sumó el deseo de experimentar, conocer a otros artesanos y ver la realidad de la producción de textiles hechos a mano en el país. Con todo ello sobre la mesa ha ido construyendo una propuesta, que lo llevó a ser parte de los creativos que participaron del International Fashion Showcase 2017 en Londres. Hoy nos contará más detalles sobre este camino.

La propuesta de Ingrato


Trabajo desde el error, siento que funciona más que nada como un laboratorio donde nacen piezas que no están premeditadas. Dejo de lado la etapa de proyección y simplemente empiezo a crear. A medida que el objeto va tomando forma comienzo a modelarlo para lograr una pieza interesante y que comunique todo el proceso y las etapas en las que fue creado. El tejido puede mostrar los distintos estados en los que se fue creando la pieza, deja a la vista los detalles de su proceso”.



La influencia de Hombres Tejedores en el proceso creativo de Ingrato


“Desde que comencé a tejer me he visto involucrado en distintos proyectos que, por lo general, están ligados al mundo de la moda. Este año decidí ser parte de Hombres Tejedores para integrarme a un hermoso grupo de hombres que comparten una técnica y sus distintos variaciones. Ellos me han dado la oportunidad de ayudarlos y ser un aporte en las distintas actividades que se deben realizar en el grupo. Es bacán pasar tiempo con ellos, mientras tejen y desarrollan sus proyectos, se arma un ambiente familiar único en su especie. Se vuelve un círculo que para mí es muy simbólico y me llena de energía e inspiración”.



La importancia de rescatar los oficios para Ingrato


“Estoy convencido que lo hecho a mano adquiere poder y energía de su creador. Por eso creo que rescatar los oficios para la creación de cualquier tipo de objeto, es esencial en la época en la que vivimos, donde la sistematización de los procesos de producción, ya sea de vestuario o cualquier otro tipo de objeto, desvalorizan progresivamente la materia y la convierten en productos que son desechables y de mala calidad”.


El principal desafío al que se enfrenta Ingrato


“Cómo marca busco reflexionar a través de los tejidos lo que estamos haciendo con la ropa y la forma en que la consumimos. Mis prendas están confeccionadas completamente a mano, desde el tejido hasta la costura, pasando por todo tipo de materiales. El desafío de esto es mantener la constancia, tejer todo lo que se pueda, no decaer en el proceso de producción, lo importante es seguir adelante siempre con lo que se quiere comunicar”.


Imaginando el futuro de Ingrato


“Quisiera tener un espacio de producción de vestuario de alto contenido simbólico. Me lo imagino como un gran taller donde pueda trabajar con más artesanos y artistas que estén dispuestos a salirse de los esquemas de la producción de tejido artesanal y lograr composiciones fuera de lo común. Mi principal referente es Rei Kawakubo, creo que ella ha encontrado la fórmula para poder crear vestuario de alta costura a través de la experimentación”.

¿Dónde comprarla? En sus redes sociales y el correo plazakutz@gmail.com



(Fotos gentileza de Ingrato)

Gota de Oro: una colección que honra la cultura africana en Chile

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La historia de la colección cápsula de indumentaria femenina, Gota de Oro, de la licenciada en artes, Fernanda Seguel se divide en 4 momentos: un hecho fortuito que le permite observar -en primera persona- el trato hacia los inmigrantes negros en Chile; el encuentro con la cultura africana de ultramar en el barrio Goutte D’Or de París; una visita al museo antropológico Tropenmuseum en Amsterdam; y su regreso a Chile con una maleta llena de telas wax print con el relato de la África del siglo XXI. Todo ese material lo transformó en un vehículo para reflexionar sobre la nueva realidad migratoria que estamos viviendo como país. Los alcances de su decisión en las próximas líneas.

La propuesta de Gota de Oro


“Gota de Oro es una colección cápsula de 10 piezas únicas inspirada en la cultura africana que busca celebrar la diversidad y la inclusión de los migrantes en Chile y el mundo. Parte, sin duda, desde el material que son las telas wax print que son diseñadas en Amsterdam e importadas a África desde los tiempos de la colonia. Las telas son estampadas con la técnica del batik indonesio que está reconocido como patrimonio intangible de la humanidad. Es muy interesante lo que ocurre con ella porque si bien son producidas en Holanda es en las ciudades africanas donde se les adjudican historias y significativos a cada estampado. Por ejemplo, la tela con estampado de caballos que utilicé en la colección, la nombraron Je cours plus viteque ma rivale -Corro más que mi rival- y se dice que representa la rivalidad entre las esposas nigerianas. Entonces es un material que viene ya lleno de significado y de interculturalidad.

El diseño que propongo es pensando en la temporada de calor, son vestidos de verano, ligeros y de cortes simples. Pensé mucho en la mujer chilena y en algo que fuera muy usable en el día a día, pero también único y que destaque. Hay un par de piezas más dramáticas, como el enterito Santana, que es de pantalón largo y encima una falda abierta tipo capa con las que quise expandir un poco la noción de lo usable y traer un poco más de esa espectacularidad de la indumentaria que las mujeres africanas usan todos los días”.



Los factores que influyeron en el proceso creativo de Gota de Oro


"Definitivamente el viaje. Creo que me dio una perspectiva que no tenía, respecto a Chile y al mundo en general. Chile es una isla y no lo digo desde un lugar de superioridad moral. Pero tenemos a los otros países tan lejanos que son más una idea que una realidad. Con el boom migratorio nos está saliendo un racismo feroz que pensábamos que no existía. Y eso es básicamente porque nunca nos hemos enfrentado a la diversidad, a la otredad.

Es muy fuerte hacer el contraste de la idea que se tiene de Europa acá y lo que se vive efectivamente en sus grandes capitales. Acá endiosamos todo lo que venga de allá, envidiamos su transporte público, su Estado de bienestar, su PIB, pero desconocemos completamente su realidad. Cuando pensamos en África o en el Medio Oriente nos parece algo muy lejano, lleno de guerra, caos y violencia. Pero si miras un mapa están al lado. Este ideal de blancura y progreso y este mundo extraño y caótico, están al lado y tienen muchísimos puntos de contacto e intercambio cultural.

En París, que por supuesto tiene también conflictos con la inclusión de los migrantes, pude ver un fragmento de un mundo global bello y armonioso en su desorden. Desde ese lugar sentí que podía crear algo nuevo y traer un poco de eso de vuelta a Chile. Y por supuesto parte fundamental de mi proceso creativo, más allá de todas las reflexiones, es enamorarme del material. Siempre ha sido así. Cuando me preguntan qué te inspira, nunca parto de la cabeza sino de las manos y los ojos. De la belleza de un material que me atrae y me incita a trabajarlo. Cuando decidí llenar una maleta de telas no sabía que iba a hacer con ellas, pero si sabía que necesitaba trabajar ese material”.


La importancia de desarrollar moda con relato 


“Creo que es súper valioso que todos nos demos cuenta que siempre existe una manera de luchar por una causa desde tu propio quehacer. Como se lo escuché una vez al afichista argentino Coco Cerrella: ‘No vamos a cambiar el mundo solo con diseño. Es la unión de diseño, abogado, taxista y verdulero’. Y en especial en la moda hay que hacer más visible el contenido de lo que llevamos puesto porque es, sin duda, el arte que llevamos más cerca de nosotros.

Vengo del mundo del arte y me repele como los artistas hablan de la moda como un arte menor y eminentemente vinculado al consumo y lo superficial. No hay arte más presente en nuestras vidas que el vestir y está en nuestras manos como diseñadores y como usuarios el apropiarnos de ese espacio de comunicación y expresión e intencionar nuestro vestir. Tenemos que contar las historias que nos hacen sentido cada uno en nuestro medio, porque no todos somos iguales ni entendemos de la misma forma. Yo marcho por las causas que creo justas, pero eso no le hace sentido a mi abuela, por ejemplo. Pero si le muestro mis vestidos los encuentra preciosos y en su cabeza existe ahora una idea de África que es bella y que expande la concepción de un continente que es pura pobreza. Eso es lo que busco con mi colección y creo que es un proceso que es aplicable a otras causas y otros medios, yo lo hice con la moda en esta ocasión, pero creo que cada uno puede aportar a su causa desde su propia trinchera”.


El principal desafío de Gota de Oro


“Creo que todos los pasos han sido muy desafiantes, porque si bien siempre he estado cerca del mundo de la moda, no soy diseñadora. Sé usar una máquina coser para adelante y para atrás, pero nunca había confeccionado más que un estuche. Llegué a Chile el 6 de noviembre y desde el 7 me encerré a mirar tutoriales, hacer ensayos, aprender un poco de moldaje, entender los procesos y buscar gente dispuesta a ayudarme. Todo esto con la meta de lanzar la colección antes de fin de año. La producción de las fotos fue una locura, trabajé con pura gente que encontré por Internet. Fui con toda la fe para adelante confiando en que todo el mundo iba a llegar y salió todo increíble. Estoy súper contenta con lo que tengo entre manos. Todo esto lo sorteé con mucha investigación, hartas horas de trabajo y buscando ayuda en quienes saben más.

Sin duda, el desafío que se ve más difícil de sortear en esta etapa es intentar vender diseño de autor en un mercado en donde competir con el retail es completamente imposible. Buscar los medios para llegar a las personas que quieren y pueden invertir en un producto exclusivo y de confección nacional. Generar estrategias de difusión, planes de venta y ver como se sigue desde aquí. De momento lo que estoy haciendo es gestionar las redes sociales con contenido de calidad, dar a conocer no solo la colección en sí sino todo lo que contiene y su proceso de creación. También tocando todas las puertas en medios de comunicación para lograr amplificar la colección y su mensaje”.


Su futuro en el mundo de la indumentaria


“A mí me encanta este mundo, siempre he revoloteado a su alrededor y ahora de casualidad me encontré diseñando, que es algo que siempre quise hacer. Es algo que me gustaría continuar por supuesto, pero lo veo lejano. Mucha gente me ha dicho porque no sigo, por qué es una colección y no una marca con stock y producción masiva. Y la verdad es que Gota de Oro es un proyecto muy acotado a un mundo y un mensaje específico que quiero cuidar y no quiero desvirtuar en el afán de producir más. Voy a ir paso a paso con el desarrollo que alcance este proyecto. Lo que si te puedo decir es que siempre estaré en este mundo de alguna forma. Quizás diseñando, como productora, directora de arte o en un rol más periodístico o académico; porque el vestuario es algo que me apasiona y que tiene mucho que decir”.

¿Dónde comprarlas? En las redes sociales de la marca.


Créditos producción
Fotógrafo: Sergio Seguel (@chanchito_dt) / Make up: Fer Ismail (@mia_imperta) / Modelos: Geni Makivavila ( @baabygarl) y Rose Martine

Colección cápsula ONG Te Protejo - Cocodrilo Bazar: moda animal friendly

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La industria de la moda en 2017 ha alzado la voz a favor de los animales. De hecho, grandes Casas de Moda como Gucci decidieron dejar de usar pieles animales en todos sus productos en 2018. Este tipo de acciones, que recién han permeado en otras etiquetas, son la esencia de marcas más pequeñas como la chilena Cocodrilo Bazar, que además de ser la primera marca de diseño en Latinoamérica en ser certificada con el sello internacional VEGAN por P.E.T.A (People for the Ethical Treatment of Animals); se unió a nuestras amigas de ONG Te Protejo para crear una colección cápsula de mochilas y complementos, en la que parte de las ganancias van en pos del trabajo que desarrolla esta organización. Hoy te la muestro y te cuento más detalles de ella.

Colección capsula ONG Te Protejo y Cocodrilo Bazar


La colección cápsula de ONG Te Protejo y Cocodrilo Bazar está compuesta por mochilas, cosmetiqueros, estuches, monederos y calcetines con las bellas ilustraciones de la diseñadora Carolina Guerra.


Asimismo han sido fabricadas con un material biodegradable, por lo que con su compra no sólo contribuyes a la causa animalista, sino también a un industria de la moda más circular y respetuosa con el medio ambiente.



"Tanto Cocodrilo como Te Protejo saben que ningún animal debe sufrir por nuestra belleza, el cuidado de nuestro cuerpo o por los accesorios que utilizamos, y queremos que tu también te convenzas de ello.  Tu compra está ayudando a salvar la vida de conejos, cobayos y ratones #ViveCrueltyFree", afirma en su sitio Cocodrilo Bazar.


Qué mejor manera que sumarse a esta causa!

¿Dónde comprarla? En tienda de Cocodrilo Bazar en el Drugstore (local 9k, Providencia) o en su tienda virtual. También lo puedes hacer a través de la ONG al correo nicole@teprotejo.cl


AIEP está de Moda 2017: nuevos talentos y premiación de íconos de la moda

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Los reconocimientos, que hacen las casas de estudio ligadas al diseño, a los miembros de la escena de la moda nacional son una buena señal de construcción de industria. En AIEP está de moda 2017, tuvimos la posibilidad de conocer a los nuevos talentos de este instituto y también de que nuestro querido Sr. Gonzálezfuera galardonado como egresado destacado. Así también tuve el honor de ser considerada "Aporte a la Industria", lo que sella este año de celebraciones de la primera década de QT. En imágenes hacemos un repaso de esta interesante plataforma, que está liderada por la diseñadora Lupe Gajardo, quien es directora de la carrera de diseño de vestuario AIEP.

Sr. Gonzalez en AIEP está de Moda 2017


El 2017 ha sido el año de despegue de Sr. González, la marca de indumentaria del diseñador Cristián González, colaborador permanente de QT.






Partió el año en Pasarela Valparaíso, tuvo su punto alto de exposición mediática a través del Mercedes-Benz Fashion Week Chile y cerró el año con su presentación en AIEP está de Moda 2017, que también lo reconoció como egresado destacado.






Sin duda, todos estos hitos le entregan a la etiqueta una vara difícil de ignorar y le auguran un 2018 abocado a la profesionalización, tanto de su ámbito administrativo como de sus procesos productivos.

Desde QT seremos su principal "mosca en la oreja" para que no sólo consiga consolidarse, sino también de el salto que se esperaría de alguien con su potencial y sello reconocible.



Desfile de los Alumnos AIEP


A diferencia de otras versiones de "AIEP está de Moda", el desfile de los alumnos de AIEP no contó con un tema que sirviera como hilo conductor de todas las propuestas. Según su directora de carrera, Lupe Gajardo, la idea era que cada estudiante pudiera desarrollar el ámbito, concepto y estilo que más le acomodara con la idea que pudieran materializar su "voz".



Por lo mismo, tuvimos una pasarela que nos mostró propuestas desde el día a la noche, de estilos y siluetas diversas, lo que radicó no sólo en la indumentaria, sino también en el estilismo.






La etapa de formación es el momento para los riesgos y la experimentación, lo que se observó en algunas de las pasadas del desfile.






Asimismo es el momento para internalizar, que el foco en la industria de la moda SIEMPRE será la ropa, por lo que hay que dedicarle sangre y sudor para que transmita el relato que se desea y tenga oficio. Porque diseño sin calidad, no califica para moda de autor.

En el desfile, se observó a varios estudiantes que entienden ese precepto.














Alumnos de AIEP que mostraron sus propuestas en el desfile

Ícono de la Moda de AIEP


AIEP es la única institución educacional ligada a la moda, que premia a actores destacados de la escena de la moda nacional. En su versión 2017 de los premios Ícono de la Moda AIEP reconoció a la fashion blogger y panelista de televisión, Nicole Putz con el Aporte a la Moda; Loraine Holmes, premio Diseñador Emergente; Magdalena Olazábal, premio Diseño; yo (Sofía Calvo), premio Aporte a la Industria; Mayte Rodríguez, referente Televisivo Femenino; Marcelo Marrocchino, referente Televisivo Masculino. Además se premiaron a Consuelo Rojas, como estudiante destacada y a Gabriela Marambio, en su calidad de docente destacada.

Feliz con mi premio Aporte a la Industria

¿Qué te pareció AIEP está de Moda 2017?
Fotos por Lontano


Abrupto: zapatos masculinos desde el underground porteño

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La familia del diseñador Javier Pavez lleva 56 años ligada al oficio zapatero a través de las reparadoras de calzados de su abuela y madre en Valparaíso. Si bien, este antecedente lo motivó, inicialmente, a crear una marca homónima de zapatos masculinos, decidió dar un giro y desarrollar una nueva etiqueta más cercana a sus gustos, visión y estética que llamó Abrupto. En ella, la ciudad puerto tiene una interesanet influencia en su proceso creativo. Hoy nos contará detalles sobre ello.

La propuesta de Abrupto


"Abrupto es irreverente, inspirada por la naturaleza imperfecta y única de las personas. Nacida bajo la libertad y una mirada en el futuro recogiendo el punk, el gótico y nuestra naturaleza infantil y divertida.​ ​Surge como una opción alternativa al calzado masculino chileno, proponiendo diseños más osados y coloridos para hombres con estilo y seguridad en lo que visten​,​ ​mezcla​ndo​ el oficio zapatero con la tecnología y el uso de materiales resistentes y de calidad."



La influencia de Valparaíso en el proceso creativo de Abrupto


"Influye desde la decadencia. Valparaíso tiene elementos que desde un principio, no había descubierto. Por ejemplo, la arquitectura dada por la geografía y los paisajes que se dibujan en relación a eso, la vida nocturna y la estética de las subculturas del underground porteño. Básicamente estos elementos influyeron en mi proceso creativo."


La importancia de rescatar los oficios según Abrupto


"Creo que es importante rescatar los oficios dado el aporte patrimonial que otorgan, no solo desde un punto de vista familiar, sino que social y humano, dado el contexto tecnológico de inteligencia artificial que estamos viviendo. El desarrollo de la tecnología  se encarga, cada vez más, de estar al servicio de los humanos, por ende, cada vez trabajaremos menos con nuestras manos y en diversos trabajos, ya que las máquinas lo harán todo por nosotros".



El principal desafío al que se enfrenta Abrupto


"El principal desafío de esta marca es posicionar la calidad de sus productos, su identidad y la experiencia que busca ofrecer".



El futuro de Abrupto


"Como una marca reconocida por sus clientes y con una identidad inadaptada y elegante".


¿Dónde comprarla? En las redes sociales de la marca y al correo javierpavez.zapatos@gmail.com



Créditos producción
Fotografía: Lester Villarroel​ / ​Estilismo y Dirección de Arte: Ismael Andrade / Maquillaje y Pelo: Paulina Allendes / Modelos: Claudio Muñoz /​ Héctor Toledo / Producción: Javier Pavez / Agradecimientos: Parque Cultural de Valparaíso

Zarqa joyas: simbólico minimalismo

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"Decir más con menos" es la directriz que guía la propuesta de la arquitecto Macarena González en su marca de joyería de autor, Zarqa joyas.  "Encontré en las joyas una motivación especial por tratarse de objetos pequeños, de mucho simbolismo, con mucha carga espiritual y donde se puede expresar mucho con muy poco, tanto para el que hace como para el que usa", afirma. Hoy nos contará más detalles sobre esta apuesta creativa.

La propuesta de Zarqa joyas


"Mi propuesta es muy minimalista, no sigo tendencias de moda, y utilizo solo metal para mi trabajo. En este caso plata, sin agregados, sin adornos, llevando la materia prima a su máxima expresión. Mi propuesta es hacer joyas 'que se miren de cerca' y no 'que se vean de lejos'.



Los factores que influyen en el proceso creativo de Zarqa joyas


"Recojo información de muchas fuentes, formales e informales, observo mucho lo que las personas usan, lo que hacen, lo que compran, lo que comentan. Un gran aporte en esto son, sin duda, las redes sociales. Y con esa información, cambiante, diversa e inagotable, voy armando mis propias tendencias, lo que creo que hace falta, lo que creo que aporta en un mundo de consumo y de fashionismo extremo en que todo parece estar dicho y diseñado. Y preguntándome siempre lo que usaría yo, con el riesgo inminente de que, por supuesto, no será un diseño de uso masivo".


Crear diseño con identidad local para Zarqa joyas


"La identidad local es, para mí, una búsqueda muy personal, alejada de estereotipos y más relacionada con el proceso creativo que con el diseño resultante. Pienso que la identidad local, al menos en mi marca, tiene más que ver con un procesos propios, tanto de diseño como de producción. Mis procesos productivos son más bien alternativos, uso la materia prima de formas diferentes y no uso materiales propios de la orfebrería como piedras, perlas, etc".



El principal desafío al que se enfrenta Zarqa joyas


"Son muchos los desafíos que enfrenta una marca pequeña, dentro de ellos, el más difícil es, sin duda, poner en valor la calidad de lo hecho a mano, de lo hecho en Chile, de lo que ha sido diseñado sin moldes ni patrones. Demostrar que mis joyas son resultado de un proceso físico/manual, pero también de un arduo trabajo espiritual/mental, que la técnica sin espíritu no significa mucho, porque la primera es perfectible, pero lo segundo es irreemplazable".


El futuro de Zarqa joyas


"Me gusta imaginar a Zarqa Joyas como una marca que no crece demasiado en producción, que sigue teniendo edición limitada de sus modelos, pero crece mucho en calidad, con procesos cada vez más impecables y diseños que emocionen por su simpleza, elegancia y sutileza. Me gusta soñar con que algún día mis piezas serán muy requeridas y muy difíciles de conseguir. Pero no por su alto valor, sino por que cada una de ellas seguirá siendo diseñada y confeccionada por mí, con mucha dedicación, mucha entrega y sin conformarme con diseños que no estarán terminados hasta que no me emocionen por completo".

¿Dónde comprarlas? En el instagram de la marca o al correo contacto@zarqa.cl


(Fotos gentileza de Zarqa joyas)

Tinte: sombreros cordobeses slow fashion

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"Heredé de mi abuela materna todas las herramientas y el conocimiento sobre el oficio de sombrerera", me cuenta la diseñadora cordobesa, Soledad Simón. "Ella se dedicó toda su vida a hacer vestidos de novia, sombreros y tocados", complementa. Pero esta historia no sería más que una anécdota, si no fuera porque un verano sacó todas las hormas de madera de su abuela y se puso a probar. Lo que siguió fue amor a primera vista, que la llevó a "archivar" su marca de indumentaria Simón y la motivó a crear Tinte, una etiqueta especializada en los sombreros para mujeres y hombres. En las próximas líneas nos contará cómo ha logrado resignificar un oficio, a través de un servicio integral de creación, cuidado y acondicionamiento.

La propuesta de Tinte


"Prefiero pensar en términos de proyectos en vez de colecciones. Por eso, cada temporada aparece un nuevo proyecto en el que se trabaja con un concepto que guía el diseño de los productos. Tenemos dos tipos de productos. Sombreros de invierno, de fieltro de lana de Bolivia para mantener el calor corporal y los de verano de paja toquilla de Ecuador, para proteger del sol y aportar frescura".




Las influencias del proceso creativo de Tinte


"El proceso creativo tiene como premisa responder a las necesidades de los usuarios. Intento no perder de vista que el sombrero es un objeto utilitario, con una función específica y no un accesorio de moda. De ahí que los parámetros de diseño de la marca sean austeridad, síntesis y adaptabilidad. Casi todas las propuestas incorporan la posibilidad de adaptarse a las necesidades o gustos de cada usuario.

Los aspectos estéticos se apoyan en un concepto diferente cada temporada, que siempre tiene relación con el contexto cordobés donde nos desarrollamos como emprendimiento".




La importancia del rescate de los oficios para Tinte


"El oficio, el trabajo artesanal, es una forma de mantener y perdurar las relaciones que tiene el hombre con su hábitat. Valorar el legado cultural que se transmite al aprender un oficio, es clave para respetar y valorar la herencia de nuestros ancestros y la historia que se construye por medio de esta interacción generacional.

Por eso, Tinte, adhiere a los preceptos del movimiento slow made, que anima a los consumidores a actuar con responsabilidad en la compra de productos, utilizando el tiempo necesario para mantener un equilibrio sostenible y la creación de valor compartido. Es un bastión contra la obsolescencia programada y el consumo compulsivo, que nos recuerda considerar la destreza artesanal como una oportunidad para la preservación del medio ambiente y la transmisión de valores vinculados al tiempo y al conocimiento.

Promovemos estos valores, transparentando todo nuestro proceso productivo y ofreciendo un precio justo por nuestros productos".



Los desafíos de Tinte


"Los desafíos en general tienen que ver con ofrecer un producto competitivo, que guste, manteniendo los valores y la identidad de marca a través del tiempo. Imponer el uso del sombrero no es una tarea simple, y a eso se suma la complejidad del contexto argentino actual.


Nos proponemos seguir ofreciendo un producto de buena calidad, adaptable a las necesidades tanto del usuario como del contexto y expandirnos lentamente gracias a las recomendaciones de quienes nos usan. Apostamos al sistema producto-servicio, entendiendo que es necesario modificar nuestros hábitos de consumo, alargando la vida útil de los productos que tenemos. Proponemos los servicios:

 - A la carta: porque queremos que nuestros usuarios puedan participar del diseño de su sombrero favorito, les ofrecemos la posibilidad de elegir cualquiera de nuestros modelos y pedirlo en cualquiera de los colores disponibles y a medida.

 - Servicio de limpieza y acondicionamiento: porque creemos que un buen sombrero debe acompañarnos toda la vida, ofrecemos la posibilidad de dejarlo como nuevo, preservando su historia. Nos mandas una foto de tu sombrero. Diagnosticamos el procedimiento. Te pasamos un presupuesto.

Además, cada sombrero se acompaña con una etiqueta con las recomendaciones de cuidado".



El futuro de Tinte


"El futuro de la marca está puesto en encontrar nuevos mercados donde el producto sea valorado".

¿Dónde comprarlos? A través del fanpage de la marca en Facebook.


(Fotos gentileza de Tinte)

¿Quieres ser agente de cambio en la moda? Academia Circular te invita a serlo

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Cuantas veces hemos sentido que podríamos transformar nuestro entorno y hacerlo más consciente respecto al consumo de moda, sin embargo, nos faltan herramientas para lograrlo. Esta sensación se desvanecerá gracias a la Asociación de Consumidores SustentablesAdC Circular, quienes crearon la "Academia Circular", que busca crear agentes de cambio y ampliar la comunidad de consumidores informados, responsables y sustentables. ¿Te gustaría participar? Acá te cuento como postular a esta iniciativa gratuita.

Ser parte de la Academia Circular


Con la intención de crear una red de agentes de cambio con capacidades que inspiren, movilicen y eduquen a otros sobre hábitos de consumo y estilo de vida sustentable, la “Academia Circular” abrió su proceso de postulaciones para quienes deseen ser parte del programa que se desarrollará entre el 20 al 25 de marzo en Santiago.


“Como Asociación nuestro objetivo es educar, promover y difundir hábitos de consumo y un estilo de vida sustentable, para lo que buscamos formar e inspirar a otros que nos ayuden a hacer crecer el movimiento hacia un Consumo Circular, responsable e informado”, explica Marcela Godoy, presidenta de AdC Circular.

Se trata de un programa experiencial, con visitas a terreno a distintas locaciones, el que se compone de seis módulos educativos que incluyen clases teóricas y prácticas que serán realizadas por un grupo multidisciplinario de especialistas y expertos en temas medioambientales, sociales y económicos, representantes de las organizaciones colaboradoras del proyecto. Dichos módulos son Introducción a la Sustentabilidad, Huellas de nuestro Consumo, Herramientas de Consumo Sustentable, Enseñar a Enseñar, Herramientas de Comunicación y Ley del Consumidor.

La iniciativa busca que los participantes se conviertan en agentes de cambio, por lo que es un requisito que repliquen los conocimientos adquiridos para contribuir a la formación de más consumidores sustentables


¿Hasta cuándo postular?  El proceso de postulación estará abierto hasta el jueves 15 de febrero 2018.

¿Dónde postular? Los interesados deben inscribirse llenando el formularioen el sitio de AdC Circular.

¿Qué se requiere para ser elegido? Dado el objetivo de la Academia, al momento de postular, los interesados deben mencionar de qué manera se logrará replicarán los conocimientos aprendidos. Por ejemplo, por medio de una charla, una campaña, una publicación u otra que sirva para difundir lo aprendido.

La iniciativa es de carácter gratuito y cuenta con una disponibilidad de 20 cupos.

La “Academia Circular” es financiada a través del Fondo Concursable para Asociaciones de Consumidores 2017 del Sernac y es organizada por AdC Circular. Además cuenta con el patrocinio del Ministerio de Medio Ambiente, Ministerio de Economía, División de Asociatividad y Economía Social, Plastic Oceans, Coordinación Nacional de Comercio Justo, Plataforma Economía Circular, Global Footprint Network, BIOPOLCOLM, Circular Economic Club. Y la colaboración de otras organizaciones civiles y privadas.


(Foto principal por Elle - Otras fotos gentileza de AdC Circular)

Tamara Acosta protagoniza campaña de Espínola y 1927shoes

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No hay que ser un tevito, ni menos un avezado en las redes sociales para conocer a la gran actriz Tamara Acosta, figura emblemática del cine chileno y rostro de series icónicas como Los 80. Por lo mismo, verla como rostro de la campaña de verano 2018 de la marca de indumentaria de autor, Espínola, junto 1927shoes, no sólo supone un reconocimiento a las propuestas a las que adscribe, sino también a este tipo de moda como alternativa real de consumo. ¿Te gustaría conocerla? Acá te la presento.

Tamara Acosta para Espínola


El trabajo duro, la atención a los detalles y la coherencia de Tamara Acosta a lo largo de su exitosa carrera, junto con su belleza, carisma y vitalidad, son valores que llevamos admirando de ella por un buen tiempo, y que compartimos como marcas chilenas, deseando resaltarlos a través de esta campaña.”, comenta Juan Pablo Espínola, diseñador de la marca Espínola.


Bajo una ambientación acogedora y romántica, Tamara logra desenvolverse en frente de la cámara de una manera sutil, pero intensa, con un dominio del carácter y de la seducción, que logra crear una atmósfera única, como una diva del cine clásico.







¿Dónde comprar Espínola? En Viste La Calle store (Padre Luis de Valdivia 327, Local 7,
Barrio Lastarria, Santiago),  Bazar La Pasión (Almirante J. Montt 1, Cerro Concepción,Valparaíso), Surtown Bellavista (Constitución 236, local 1-2, Providencia), Surtown Barrio Italia (Caupolicán 475, local 2-3, Ñuñoa), Surtown Drugstore (Drugstore, local 50-51, Providencia), Autoría Buenos Aires (Suipacha 1025, Buenos Aires, Argentina), y en los e-commerce Nashionit y Franca.

¿Dónde comprar 1927shoes? En  Surtown Bellavista (Constitución 236, local 1-2, Providencia), Surtown Barrio Italia (Caupolicán 475, local 2-3, Ñuñoa), Surtown Drugstore (Drugstore, local 50-51, Providencia) y en el sitio de la marca.


Créditos campaña
Ph: Carlos Saavedra @carlos.saav / Make up: Ely Gaby @ely.gaby / Backstage: Patricio Isaías @patricioisaiascv / Producción: Consuelo Araneda @consuaraneda Paloma Vilches @paloma.vp / Agradecimientos: Wonderland Café @wonderlandlastarria 

Yo lo probé: champú Big de sal de mar de Lush

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Reconozco que me cuesta mucho ignorar los pelos largos mal cuidados (soy fijona, pero discreta). Por lo mismo, para predicar con el ejemplo intento conservar el mío, que es corto y ondulado (aunque lo trato de neutralizar), humectado y con brillo. Si bien he probado diversos shampoo, quedé positivamente sorprendida con uno que me regaló ONG Te Protejo: champú Bigde sal de mar de Lush, que es 100% animal friendly. ¿A qué se debe mi sorpresa? Hoy te lo cuento.

Champú Big de sal de mar de Lush


No sé ustedes, pero varias veces he leído de los efectos “negativos” de la ecuación shampoo + sal, sin embargo, al conocer el champú Big de sal de mar de Lush me di cuenta que, como siempre, no se puede generalizar.

Ello porque este producto asegura ser un voluminizador hecho con algas y sal marina, donde “la sal alza el pelo desde la raíz y le da cuerpo. El aceite de coco virgen extra suaviza la melena, mientras que el alga aserrada le proporciona un extra de proteínas. El limón y la lima ayudan a alisar la cutícula del pelo para que brille al permitir que la luz se refleje mejor”.


De hecho, al abrirlo notarás que está conformado por cuadrados de sal gruesa “envueltos” en una textura más cercana al shampoo. Ese formato permite que te eches la porción justa en la cabeza, la que al contacto con el pelo mojado y un pequeño masaje, se disuelve y hace espuma como lo esperado en este tipo de productos.

En mi caso, luego de probarlo sentí mi pelo muy limpio, sin atisbos de grasa –con énfasis en el cuero cabelludo- y con un aroma suave. Al secarlo, observé un poco más de volumen, lo que en mi caso no fue algo que aprecié demasiado, ya que trato de peinarlo más “plano”.

Lo anterior me demostró que cumple su promesa y que puede ser un excelente aliado para quienes busquen un shampoo que baje la grasitud (no lo recomiendo para pelos secos) y entregue volumen natural.

Por otra parte, Lush es una marca, que nos asegura no testear en animales, lo que le entrega un plus al producto.

¿Conocías este shampoo? ¿Lo probarías?


Su precio es de alrededor $12.000 (US$19,7 app)

Los hitos de moda que dejó el 2017

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El 2017 fue un año de cuestionamiento y reivindicaciones en la industria de la moda. En el plano internacional observamos no sólo cambios en la cadena de valor, sino también en la manera que se está percibiendo la moda. Mientras en este lado del planeta, vimos como la escena local está ganando una mayor visibilidad, y pudimos celebrar la década de QT, a través de una exposición que celebraba la moda con relato. Ad portas del inicio del 2018 hacemos un repaso express de lo hitos de moda que dejó el año que se va.


Reivindicaciones y cuestionamientos


La cadena de producción lineal de la moda fue fuertemente cuestionada en el 2017, y su título como la segunda industria más contaminante, después de la del petróleo, se tornó desagradable ante la evidencia de un cambio climático, que por momentos parece imparable.

Por lo mismo, tuvimos muchas noticias relacionadas con la innovación textil; la transformación de marcas hacia una economía circular a través de planes estratégicos como el presentado por Kering en enero; nuevas formas de comercialización debido a los grandes cierres en EE.UU. versus el potenciamiento de los canales digitales; y la "silla musical" de recambios en Casas de Moda, que llevaron al alejamiento de iconos como Christopher Bailey en Burberry y Phoebe Philo en Celine.

Así también como el fallecimiento de figuras emblemáticas como el diseñador tunecino, Azzedine Alaïa a los 77 años.



Asimismo, confirmamos el potencial comunicacional de la moda, que hizo eco de grandes movimientos sociales asociados a los derechos de las mujeres con guiños en las prendas como Dior y estilismos de pasarelas como Missoni; así también como del body positive y la diversidad de cuerpos; y la lucha por una industria amable con los animales, donde marcas como Gucci prometieron dejar de usar pieles el 2018.


Hitos de la moda en Chile


Uno de los grandes hitos del 2017 fue el aniversario nº 10 de QT, que se celebró con una exposición que repasaba la década de trabajo de esta plataforma virtual, así también honraba la moda con relato con 10 propuestas de etiquetas nacionales, que han acompañado al sitio en este periodo.


A ella se sumaron exposiciones como la de DUOC-UC sede Viña del Mar y el Museo Baburizza,  Diana de Gales en el Museo de la Moda; y la de Moda Masculina en el CCESantiago.

Así también como  la consolidación de plataformas de exhibición como Pasarela Valparaíso y Mercedes Benz Fashion Week Chile; y de espacios de comercialización como Encuentro Local y el Drugstore con su selección de tiendas de moda de autor nacional; junto a la aparición de Espacio Nacional de Diseño E.N.D.

También pudimos ver nuevos intentos de internacionalización de nuestra escena con la participación de diversas etiquetas en eventos como el Epson Digital Couture,  International Fashion Showcase, Micam, entre otros.


A ello se sumó el nombramiento de la diseñadora Lupe Gajardo como directora de la carrera de diseño de vestuario de AIEP; la publicación de Matriz Moda del 1º Diagnóstico Económico del Calzado de Autor en Chile como el apoyo de ProChile; el 1º Encuentro de Moda Desobediente y la 2º edición de Vestibles.

En cuanto a marcas, vimos con alegría el florecimiento de Sr. Gonzalez e interesantes colaboraciones como la de Sebastián del Real Ossa con Nina Herrera.

¿Qué otros hitos destacarías del año? ¿crees que el 2017 fue un "punto de inflexión" para la moda, tanto nacional como internacional?

Mardí: indumentaria como obras de arquitectura

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Para quienes nos movemos en ambientes extremadamente formales y ejecutivos, no siempre resulta fácil encontrar la tenida correcta (elegante + clásica con toques modernos + cómoda). La arquitecto, Marjorie Díaz, se enfrentó a esta misma situación cuando trabajaba como jefa del Departamento de Arquitectura de una empresa minera, lo que la motivó a desarrollar una marca de indumentaria femenina que, con telas de primer nivel, resolviera esta encrucijada. Así nació Mardí, que el 2016 desarrolló una colección de camisas para mujeres y que hoy nos cuenta más detalles de su propuesta a través de su verano 2018.

La propuesta de Mardí


"En mis etiquetas está el siguiente mensaje: 'una prenda también puede ser una obra de arquitectura'. En palabras simples busco concientizar sobre la compra desenfrenada en el retail de prendas de mala calidad, y optar por aquellas que no pasarán jamás de 'moda' y además pueden durar eternamente, si le das los cuidados adecuados".


La influencia de la arquitectura en el proceso creativo de Mardí


"La arquitectura es la creación de cualidades y experiencias espaciales (muchas veces emocionales), además de cubrir necesidades. Partir diseñando una colección desde esta perspectiva es fundamental en mis colecciones. Una prenda debe provocar una rememoranza, una emoción a la vista, al tacto e incluso al olfato, está directamente relacionada a una experiencia emocional. Por lo anterior, Mardí está diseñada totalmente por la sensibilidad de una arquitecta que vive una prenda".


La importancia del relato de marca para Mardí


"Mis diseños buscan rescatar lo bello de lo clásico mediante la fineza de los materiales nobles, sedas, algodones y lanas. No busco que aprueben si el diseño es atractivo o no, busco una rememoranza, necesito que se transforme en una experiencia al oler (olor a lana, rememorando la ropa de nuestras abuelas), la suavidad de la seda, de aquellas blusas eternas que aún guardan nuestras madres. Pero principalmente que sientas que esa prenda te representa por que es capaz de trasmitir lo que tu eres.

Creo que poco a poco estamos entendiendo que el concepto de moda o tendencia no aplica para todas las edades, personalidades y cuerpos, preocúpate de llevar tu estilo con propiedad y no necesitarás de modas".


 El principal desafío al que se enfrenta Mardí


"Definitivamente innovar, eso un trabajo complejo sobre todo cuando tu finalidad es rescatar lo clásico. Es necesario salir de la típica camisa, falda tubo o pantalón recto. Tengo que estar continuamente estudiando los moldes de estas prendas, diseñando sobre los mismo, recorriendo antiguas cordonerías, tiendas de telas. Incluso en mi primera colección, la que tomó mucho más tiempo de lo común, porque practiqué e incluí la técnica del frivolité (tipo de encaje o blonda obtenido por una sucesión de nudos y baguillas sobre un único hilo con ayuda de una o dos lanzaderas), también decidí teñir prendas y detalles en distintos vinos chilenos, obteniendo prendas de colores únicos. De esta manera voy buscando nuevas herramientas que me permite ampliar mis opciones de innovar en los diseños".


El futuro de Mardí


"Como una marca capaz de vestir a mujeres de todas las edades que gustan del diseño clásico, minimalista y las telas nobles, que saben que una marca “x” nos las viste, todo lo contrario, buscan en esta marca una prenda que potencie lo que quieren proyectar de sí mismas".

¿Dónde comprarla? A través del instagram de la marca y el correo diazcodoceo@gmail.com


Créditos campaña
Photography: Ignacio Vallejos Gormaz @nachogormaz /Pablo Fattori @anteojoscirculares / Ed/Ret: Pablo Fattori @anteojoscirculares / Fashion styling: Marjorie Diaz Codoceo @mardi_diazcodoceo /
MuA: María José Madariaga @josemadariagart / Models: Daniela Saleh @dansaleh / Maria José Madariaga 

Bonoboss presenta sus mochilas y bolsos de papel ecológico

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El verano es una temporada para pasear al aire libre, hacer picnic y/o acampar. En ese contexto las mochilas y bolsos son un excelente complemento para llevar todo lo que necesitamos. Si bien en el mercado y, particularmente, en la moda de autor existen diversas alternativas, me encantó lo que nos propone la marca de accesorios diseñados en Chile y fabricados con materiales sustentables, Bonoboss: mochilas y bolsos de papel ecológico. ¿Te gustaría conocerlas? Hoy te las muestro.

Mochilas y bolsos de papel ecológico Bonoboss


Las mochilas de papel ecológico Bonoboss, fabricadas en base a material sustentable con tecnología alemana. Se trata de un papel resistente al agua, por lo que los productos pueden lavarse con agua y en seco. Son mochilas dimensionalmente estables que no se encogen ni se estiran, lo que les da una larga vida útil.


Estas mochilas tienen alta resistencia en sus costuras y al desgarro, es un material lavable que proporciona un producto duradero y libre de sustancias nocivas.

Para que su uso sea cómodo y agradable, estos complementos incluyen correas y espalda acolchada y en algunos modelos hay compartimientos especiales para llevar un notebook u otras cosas importantes, lo que amplía su uso, más allá de las temporadas.


Este papel lavable, que también es conocido como piel sintética, a medida que envejece se suaviza y forma marcas arrugadas como el cuero, de ahí la promesa de convertirse en el cuero del futuro. Incluso, son varias las compañías de moda en el mundo que ya lo están utilizando para la fabricación de sus productos.


Asimismo como es un producto fabricado a mano, no existen dos modelos exactamente iguales, lo que las convierte en mochilas y accesorios únicos.

¿Dónde comprarlas? Para quienes somos de regiones en la tienda virtual de la marca y para los santiaguinos o quienes viven cerca en su tienda del Drugstore (Providencia) o módulos de Costanera Center, Parque Arauco o Mall Plaza Egaña.


(Fotos gentileza de Bonoboss)

Laili Lau y Sabi: indumentaria que honra la belleza imperfecta

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A pesar de las contingencias político - económicas que afectan a Venezuela, la moda de ese lado de América sigue floreciendo en otros rincones, gracias al tesón de sus creativos. Es el caso de la marca  homónima de la diseñadoraLaili Lau, que desde New York trabajó una colección que rescata parte de la filosofía japonesa para reivindicar lo imperfecto, incompleto y no permanente. Su propuesta Sabi, se transforma en un recorrido donde la incertidumbre da paso a la aceptación y la calma. Te invito a revisarla a través de su relato.


Sabi: lo nuevo de Laili Lau


"La colección toma su nombre del concepto estético wabi-sabi, un planteamiento que resume tres verdades sobre la existencia humana: nada es permanente, nada está completo y nada es perfecto. Es ante todo, una propuesta optimista, ya que invita a descubrir la belleza donde creemos que no la hay y también a reconciliarnos con nuestra propia impermanencia. El wabi-sabi es la respuesta a la obsesión occidental por el perfeccionismo, es darse cuenta que la belleza, en todas sus formas, es finita porque todo lo es.



Wabi-sabi es el zen de las cosas, cosas que se asumen imperfectas, mudables e incompletas. Es también un estilo de vida, un llamado a abandonar los miedos al fracaso, a la incertidumbre y al paso del tiempo... un llamado a crear y a disfrutar la vida.

Para mí es sabiduría y serenidad, es la capacidad de ver belleza en todo lo que nos rodea y poder apreciar los errores naturales o peculiaridades como un aporte a la unicidad. Sabi es también un repaso por mis orígenes y comienzo. De hecho, quise que esta colección me recordara mucho a lo que había diseñado al principio, con muchos cortes y la holgura que siempre ha sido una constante en la marca, pero que en esta oportunidad se acentúa para obtener más movimiento y soltura.



El resultado, prendas que despiertan cierta melancolía y que dan la sensación de que han vivido y han ganado con el tiempo elegancia y simplicidad.

Sabi es, además, una muestra muy artesanal y llena de detalles, pero a su vez con mucha simpleza, colmada de colores, incluyendo tonos fuertes como el azul marino, que nunca antes había usado. Es más alegre y más llena de vida en comparación con Senderos, mi trabajo anterior. Creo que cada colección refleja mucho el mood personal en el que estoy en un momento específico y en este quise que fuera simplemente hermosa y sencilla, con muchos destellos de luz, gracias a las telas y
a las lentejuelas; mientras que la suavidad viene por los tonos que usé.






Entre los materiales que usé destacan el charmeuse de seda estampado, los algodones, los brocados, el chifón y los jerséis. En cuanto a la paleta de colores, Sabi va por los tonos ocres, beige, rosados y dorados, este último gracias a la influencia del kintsugi, técnica para reparar objetos, como las cerámicas y vasijas, donde se unen las fracturas con barniz o resina espolvoreada con oro. El hecho de reparar las cosas y reusarlas, les da otro significado y un valor agregado que las hace más especiales. No es fácil conseguirlo, pero es bellísimo.



Aceptar, de nuevo, la imperfección y la fragilidad humana abre paso a la resiliencia. Si bien en mi colección no hay remiendos, vale la metáfora de la exaltación de las cicatrices para sortear tiempos de dificultad, lo que resultó clave en mi proceso creativo y se manifiesta tanto en mis diseños como en la imagen.

Sabi es, en conjunto, movimiento, elegancia subestimada y singularidad", concluye Laili.


¿Dónde comprarla? En Revolviendo el Baúl en Panamá y en la tienda virtual de diseño venezolano, Pasblank.


Créditos producción
Foto: Rafael Franceschi / Modelo: Daniela Arnald / Maquillaje y estilismo: Andreina Cabrices @Freshbeauty / Accesorios: Federika Padula / Calzado: Andrea Gómez / Taller de Cerámica: @c_dospuntos @anothermuller @caraquenadechuao / Producción y video: Manaure Peñalver / Producción: Johana Morillo 

El impacto de la Política de Fomento del Diseño en la moda nacional

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Sin una guía de acción, originada desde el sector público o privado, ninguna industria puede crecer. Por lo mismo, la reciente publicación de la "Política de Fomento del Diseño 2017 - 2022"del Área de Diseño del Consejo de la Cultura y las Artes (CNCA), reviste tanto valor, no sólo para el desarrollo del diseño en sus múltiples facetas, sino también por las expectativas que genera respecto a la articulación de una industria de la moda local. Ello, porque en sus páginas no sólo realiza un diagnóstico de la situación del diseño en general, sino también se marcan los énfasis que guiarán las acciones del Estado en esta materia hasta el 2022.¿Cómo podría beneficiarse la moda en este proceso? Hoy lo analizo.

 Política de Fomento del Diseño 2017 - 2022


La Política de Fomento del Diseño 2017 - 2022 surge fruto de un proceso participativo donde, tanto diseñadores como otros actores ligados al sector, dieron su visión de lo que ocurría en cada una de sus ramas.

En ese sentido, los ámbitos de acción,  objetivos específicos, medidas e instituciones vinculadas, nacen de una investigación (se mencionan los estudios de Matriz Moda), reflexión y análisis que duró alrededor de dos años. Y que aún puede ser complementado, gracias a las herramientas digitales que ha dispuesto el CNCA para involucrar a la ciudadanía y actores que no lograron ser parte de este proceso.


¿Cuáles son los ámbitos que incluye? Fomento; Educación; Participación y acceso al arte y la cultura; Infraestructura; y Patrimonio. En cada uno de ellos se encuentran objetivos, medidas (ver págs 72 a 75) y las instituciones encargadas de guiarlas / ejecutarlas.

Si bien al leerlos se observan oportunidades tanto de posicionamiento del sector, conexión con las nuevas tecnologías, capacitación de sus actores, educación al ciudadano en el ámbito del diseño, promoción del usos de espacios culturales para el diseño, así también como de polos de diseño; hay 4 acciones que creo que resultan cruciales para la escena de la moda y se desprenden de esta política, ya que visibilizan el diseño como producto cultural que aporta tanto a la economía como la imagen país:

1- Relevar el valor social del diseño: ello supone reconocer el impacto del diseño en la sociedad como generador de identidades. En ese sentido la moda de autor puede aprovechar este aspecto para consolidar su relato y efectivamente conseguir un sello distintivo.

2- Democratización del diseño: es decir, transformar la moda de autor como una opción real de consumo, lo que supone hacerla visible al ciudadano no sólo llevándola a nuevos canales, sino también promoviendo el entendimiento de su cadena de valor y valorando cada uno de sus actores como esenciales. Acá resulta urgente mostrar a quienes desarrollan los oficios artesanales que nutren las propuestas, desterrando conductas ligadas a la apropiación cultural.

3- Relevar el rol patrimonial del diseño: se entiende al diseño como una expresión de la memoria e identidad de los territorios. Por lo mismo, se busca determinar las necesidades de esos territorios y cuáles son los objetos que representan esa identidad. En el caso de la moda de autor resulta interesante promover aquellas marcas o iniciativas que no sólo representan un visión individual, sino que se constituyen como expresión, cosmovisión y/o relato de ciertas comunidades.

4- Internacionalización: este aspecto es considerado en el ámbito de fomento, traduciéndolo como la necesidad de llevar al mundo productos que efectivamente logren una valoración internacional. En ese sentido se señala el interés que existe por las técnicas y oficios tras las creaciones, así también como de la materias primas locales. Esto supone un impulso a aquellas marcas que tengan estos características en sus colecciones.

Si bien la escena de la moda de autor ha avanzando de manera atomizada y no siempre con mucho éxito en estos puntos, tener una política pública que los presente como prioridad y que entregue líneas de acción para materializarlos facilita el camino, ya que deja de ser necesario "inventar la pólvora" y se concentran los esfuerzos en materias puntuales que permitan cumplir el "norte estratégico" trazado.

Foto: Taller de Lemu Handmade

Desde esa perspectiva, no se puede esperar que sea sólo el Estado quien impulse las medidas presentadas, por lo mismo, la asociatividad se yergue como la mejor herramienta para lograr, que las instituciones tras esta política, puedan apoyar los proyectos de las marcas.

En este sentido, la Política de Fomento del Diseño instala como desafío para la moda contar con más interlocutores válidos de la escena, que posibiliten la articulación y coordinación con el sector público.

Con ese primer paso, las acciones destacadas podrán ver resultados que representarán no sólo a pequeños grupos, sino que serán un signo real de que la industria de la moda chilena no es una utopía, sino una realidad económica con carga cultural y patrimonial.

Items: Is Fashion Modern? La exposición del MOMA desde la mirada de Juan Pablo Espínola

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Para quienes aman el invierno, pero por sobre todo aman New York, el periodo de vacaciones puede ser una buena excusa para visitarlo. De hecho, un excelente incentivo es la exposición que está desarrollando el Museo de Arte Moderno (MoMA), donde se nos invita a cuestionarnos si la moda es moderna (Items: Is Fashion Modern?). El arquitecto y diseñador de la marca de indumentaria, Espínola, Juan Pablo Espínola, tuvo la oportunidad de visitarla, y en las próximas líneas nos cuenta por qué deberíamos seguirle la pista, aunque sea digitalmente.


Items: Is Fashion Modern? desde la mirada de Espínola


"Entre todos los objetos de diseño, los de indumentaria son, paradójicamente, los más universales e íntimos. Cada día, en cualquier parte del mundo, se usará 'algo', sea desde un vestido de noche, o nada más que un tatuaje en el cuerpo. Es debido a esto, que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) organizó su segunda exposición de moda desde 1944, en la que repasa la historia, muestra la fabricación y proyecta el futuro de 111 artículos de indumentaria que han tenido un impacto en el mundo, desde el siglo XX y que continúan en la actualidad siendo parte de nuestro diario vivir.

De izquierda a derecha: Vestido de Chanel, Dior, Dior, Hubert de Givenchy. El concepto del vestido negro fue introducido en 1926, cuando Vogue presentó un dibujo del vestido negro de Gabrielle “Coco” Chanel

Little Black (Death) Dress, diseñado por Pia Interlandi, de la marca Garments for the Grave. Desde la época Victoriana los rituales funerarios del occidente han sido asociados con vestimenta negra. El Little Black (Death) Dress incorpora los principios básicos del vestido negro, pero siendo un vestido “para llevar desde este mundo, al siguiente, un vestido creado literalmente para la tumba.”. El vestido tiene una tela que responde al calor del tacto de las manos de la gente que acompaña al muerto en el velatorio, y gracias al calor del cuerpo, transforma la tela de negra a blanca. Este acto es un símbolo de traspaso de energía, buenos deseos, y procesos psicológicos, desde acompañamiento del muerto hasta la aceptación. 

La primera exhibición sobre vestuario en el The Museum of Modern Art (MoMA) fue en el año 1944, cuando el curador Bernard Rudofsky organizó la exposición “Are Clothes Modern?”, siendo catalogada como una provocación a los visitantes para que reconsiderarán la relación que tienen con su ropa. 73 años después, con la nueva pregunta 'Is Fashion Modern?', se plantea una evaluación de 111 artículos de indumentaria, visualizando no sólo como están fabricadas, sino como podrían estar. Todas las piezas de esta exhibición vinculan y tensionan conceptos como forma - función, universalidad - expresión propia, automatización - artesanía, estandarización - personalización, y pragmatismo con visión utópica.

El diseñador Issey Mirake y su director creativo Dai Fujiwara crearon el A-POC Queen, textil generado por un solo hilo a través del computador y maquinaría industrial de tejido. El resultado es un tejido tubular de costuras tejidas que crean una variedad de formas que permiten desarrollar vestidos, calcetines, guantes y sombreros. El cliente puede cortar el vestido sin interrumpir en ningún minuto el sistema de tela tubular, obtener una prenda de vestir sin necesidad de hilos o aguja, y sin generar residuo alguno. ( A-POC = Acrónimo de “ A piece of cloth”).

La marca de moda tecnológica Unmade creo el polerón Bret.on el cual uno puede interpretar el clásico sweater marinero de líneas a través de la intervención digital de acuerdo al gusto de cada persona, y mandarlo a tejer a máquina.



La moda se expresa desde la producción masiva hasta piezas únicas y exclusivas. Como todo objeto de diseño, existe al servicio de otros y puede tener diversas consecuencias sociales, políticas, económicas y medioambientales. Probablemente, de todos los campos del diseño, ninguna ha tenido un impacto tan grande, por lo que esta exposición también logra explicar contexto, situación e impacto de ciertos artículos de moda debido a su organización y si vinculación con el concepto de 'moderno'. 



El concepto 'moderno' tanto en arquitectura como en diseño, indica una actitud que se plantea en el modo de construir, basada en la unión de las artes, trabajando de acuerdo a requerimientos de la sociedad y sus prioridades. En función de ello, la exposición se articula en tres niveles de organización: arquetipo, estereotipo y prototipo, donde el 'tipo' es el modelo, el 'arquetipo' es el modelo original o primario, el 'prototipo' es el primer molde antes que se fabrique y el 'estereotipo' es la imagen del modelo aceptado por la sociedad o por un grupo.

Según estos lineamientos, se presentan ciertos artículos de indumentaria de acuerdo a arquetipos históricos, señalando la primera aparición o el diseñador creador de ciertas piezas junto con sus materiales y características constructivas. Junto a eso, se desarrolla el revuelo histórico-social que lo acompañó, explicando su estereotipo, es decir, entender porque cierto artículo fue importante para cierto grupo.



Finalmente, se introducen nuevos artículos de indumentaria que presentan un nuevo grado de innovación, o sea prototipo, siendo pioneros en nuevas materialidades, acercamientos más sustentables y presentando nuevas técnicas de diseño.

Sin duda, una reflexión visual que nos plantea cómo estamos construyendo en el presente objetos 'modernos' de moda".




¿Dónde? El Museo de Arte Moderno de Nueva York queda ubicado en Manhattan, en la 11 West con la calle 53, y entre la Quinta y la Sexta Avenida.

¿Hasta cuándo? Hasta el 28 de enero del 2018.

¿Valor? Los tickets cuestan $25 dólares adultos, $18 dólares adultos mayores, $14 dólares estudiantes mostrando identificación, y se puede adquirir en la entrada, como en el sitio web del museo

↠Revisa la descripción del MOMA de la expo Items: Is Fashion Modern?

(Fotos gentileza de Juan Pablo Espínola)

Yo lo probé: This is Love watermelon bubble bath de VZ

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Mis posibilidades de ir a un spa son cercanas a 0. Entre las mil cosas que hago y las demandas de Pedrito, mis opciones de relajo en un lugar como aquellos son nulas (o casi nulas). Parece que eso mismo pensó mi "amiga secreta" de la oficina, que vive una situación similar a la mía, y decidió que la mejor manera de vivir un spa en la casa era a través de productos como el This is Love watermelon bubble bath de VZ. ¿Me di un baño de tina o lo probé en la ducha? Hoy te lo cuento.

This is Love watermelon bubble bath de VZ


Para serles franca, no soy muy buena para los baños de tina, por diversas razones que van desde mi tendencia a las várices hasta el gasto excesivo de agua (desde el punto de vista ambiental, no económico). Por lo mismo decidí probar el This is Love watermelon bubble bath de VZ en la ducha como una especie de "premio - relajo".

Ello porque su aroma inevitablemente dejaría un pequeño halo en mi piel, y convertiría mi experiencia de baño matinal en un momento agradable para los sentidos.


Y no me equivoqué. La textura gel suave del This is Love watermelon bubble bath acompañado de su intenso, pero para nada agobiante, olor a melón transformó mi simple ducha, en un pequeño relajo antes de irme a trabajar o acostar (después del mi ida al gym de la tarde).

Además dejó mi piel hidratada y no tirante como podría ocurrir con otros productos.

Por otra parte, su precio ($5.790 - US$9,5), lo transforma en un pequeño placer muy asequible. Ideal un regaloneo de verano.

Y ustedes ¿lo probarían?


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