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Wara diseño: un espacio para aprender y enamorarse del marmolado

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Desde que estudiaba diseño industrial, Isidora Nicoletti, quería crear sus propios productos. El salto definitivo hacia la independencia, lo dio en 2017 cuando renunció a su trabajo y junto a su marido -el también diseñador Jorge González- decidieron dar vida a Wara, un espacio para el rescate de oficios, que ofrece desde productos hasta talleres.  Si bien en un comienzo se dedicaron a la serigrafía, al poco andar,  Isidora conoció la técnica del marmolado, que gracias a un arduo trabajo de investigación logró transferirla no solo a papel, sino también a textiles y madera. Hoy se ha convertido en una experta de ella, y nos contará detalles sobre sus atributos y complejidades.

La propuesta de Wara


Isidora define la propuesta de Wara como poco pretenciosa, de formas y cortes simples y funcionales para lograr que el marmolado sea el protagonista. En ese sentido suele acompañarlos con materiales en color negro y neutros como una manera de fortalecer la atención en los estampados.

Por su parte, explica que sus talleres son creativos y dinámicos. "Como aprendí marmolado en papel e hice mi propia investigación para lograrlo en textil, en mis talleres les comparto toda mi experiencias y les entregó las herramientas necesarias para que ellas empiecen su propia investigación", complementa.



Los principales atributos y complejidades de la técnica del marmolado 

"Para mí el atributo principal es que cada marmolado es único e irrepetible. La idea de poder crear siempre productos únicos me motiva aún más, sobre todo en esta época que todo es tan masivo y los productos son tan repetidos. Poder saber que nunca te podrás encontrar con otro igual, me encanta.

Dentro de las complejidades de la técnica, es que depende de muchos factores que uno no controla. Como trabajamos con agua y este elemento reacciona como lo trates energéticamente, si estás estresado o ansioso, de buen ánimo, si hay luna llena o creciente se nota, puede que los tonos no tomen tan fuerte ni se afirmen en el textil como si estuvieras tranquilo, algo muy heavy. También depende de factores ambientales, si hace calor o frío, está seco o húmedo, entonces la experiencia de la práctica hace que puedas controlar algo la técnica y que los colores fluyan".


El boom de las manualidades y oficios en tiempos de pandemia ¿Lo has sentido de la misma manera? ¿crees que es una tendencia que se sostendrá en el tiempo?


"Sí, el boom ha sido inimaginable. Me gusta la idea que se reconozcan los oficios o manualidades, la gente ha valorado y descubierto que el 'hacer con las manos' puede ser sanador y ayudarte en el estrés constante que ha significado esta pandemia.

Aunque también tiene cosas negativas, ya que a veces las personas te exigen entregar material gratuitamente, no considerando todo el trabajo que hay detrás de cada proyecto, y para las que trabajamos y nos dedicamos 100% a los oficios, desde hace años, no deja de ser super frustrante. Espero que esta tendencia siga sosteniéndose en el tiempo, que sigan prefiriendo local, productos diseñados y hechos en Chile".




La importancia del rescate de oficios y el rol de la asociatividad en ello según Wara


Para Isidora, los oficios son parte de nuestra historia. "Existen desde los primeros asentamientos humanos y han permitido el desarrollo y evolución de nuestra especie", explica. En ese sentido, cree que a pesar de que los avances tecnológicos los han dejado de lado, es fundamental no perderlos porque son parte de nuestra esencia y tradición.

"El marmolado es una técnica milenaria no muy conocida, se origina en Japón con el nombre de Suminagashi y desde ahí tiene un peregrinaje hasta llegar a Europa donde se escribían libros en papeles marmolados. Pero nació la imprenta y comenzó lentamente a desaparecer hasta ser solo un adorno de los cantos de los libros. Es lindo ver que se está rescatando esta técnica y llevándola a otras dimensiones. Ahora pueden ver más que papeles marmolados y eso es fascinante", comenta. 

Respecto a la asociatividad en los oficios confiesa que es un aspecto que la encanta, porque permite construir redes en base a colaboraciones y se va potenciando el trabajos y, por ende, el crecimiento de los creativxs.


El principal desafío al que se ha enfrentado Wara en tiempos de pandemia

Para Isidora su principal desafío fue empezar con talleres online, porque si bien personas de regiones le habían pedido realizarlos, le dada vergüenza y sentía que el marmolado debía experimentarse presencialmente para vivir la experiencia y ver como fluyen los colores en el agua.

"Pero por la pandemia me vi obligada y me lancé. Logré diseñar un tipo de taller donde todas puedan entender con videos explicativos y he logrado que se encanten con la técnica. Ahora me encanta, tengo talleres una vez por semana y lo disfruto. He tenido alumnas de todas las regiones y hasta de otros países, como Perú, Colombia, México, Venezuela, Australia y España. 

Otro desafío no menor del efecto COVID fue adquirir los materiales tanto para mis alumnas como para mí, por lo que tomé la decisión de hacer lo que pudiera con lo que ya tenía y me ha funcionado super bien hasta ahora. Empecé a ofrecer kits con los productos necesarios para realizar el marmolado, además de vender telas marmoladas que han sido un hit y se han transformado en verdaderos eventos por Instagram.

Por otro lado, aprovechando este tiempo, he estado trabajando con distintas artistas y diseñadoras desarrollando colaboraciones mezclando oficios que están pronto a salir a la luz", relata.


Imaginando el futuro de Wara


Si bien Isidora se imagina muchas cosas en el futuro, prefiere no hablar de ellas, porque teme que no se concreten. No obstante, señala que le gustaría lanzar el proyecto que realizó entre 2018 y 2019 con un fondo de Innovación de CORFO donde hizo una investigación en madera para lograr un recubrimiento de decoración y parquets marmolados. "Lo expusimos en la feria de la Madera 2019, recibió muy buenas críticas, pero la pandemia cortó su ejecución. Además de seguir explorando superficies y creando nuevos productos con esta maravillosa técnica", concluye.

¿Dónde comprar sus productos y contactarla para nuevos talleres? En su sitio web, las redes sociales de la marca y al correo wara.diseno@gmail.com


(Fotos gentileza de Wara)

La experiencia de Vania Ruiz de Casakiro en MAD About Jewelry 2020 del Museum of Arts and Design de Nueva York

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La pandemia ha cerrado las fronteras y limitado casi al mínimo nuestras opciones de viajar, ya sea por trabajo o placer. Sin embargo, también ha abierto oportunidades inesperadas como le ocurrió a la arquitecta y diseñadora Vania Ruiz, creadora de la marca de joyería contemporánea, Casa Kiro, quien participó de la versión 2019 de la exhibición y venta anual de joyería, LOOT del Museum of Arts and Design de Nueva York, y fue convocada -nuevamente este año- para ser parte de su Trunk show virtual llamado MAD About Jewelry. Ella tuvo la posibilidad de participar de ella desde Viña del Mar y nos cuenta detalles de esta innovadora experiencia, muy replicable en Latinoamérica.

Sobre la participación de Vania Ruiz en MAD About Jewelry 2020


 LOOT es uno de los eventos más esperados del Museum of Arts and Design de Nueva York, ya que una vez al año reúne a amantes de la joyería, que tienen la oportunidad de conocer alrededor de una cincuentena de propuestas de creativxs de todas partes del mundo.

La cita, que permite además recaudar fondos para el museo, busca no sólo que las marcas pueden vender sus colecciones, sino también que puedan explicarla a los compradorxs. Es decir, seducir desde el relato conceptual y del proceso creativo, sin intermediarios.

Vania relata que este evento se realiza hace 20 años y se organiza con mucha anticipación, ya que la base de su éxito es la curatoría, que estuvo a cargo de Bryna Pomp.

En tiempos pre pandemia, ser seleccionada significaba viajar a New York y comprometerse a tener contacto directo con los consumidores, así también aceptar una alza de los precios de sus diseños como una manera de ayudar a la recaudación de fondos para el museo, ya que la participación es gratuita.


Si bien el Covid-19 auguraba su suspensión,finalmente se decidió hacer un trunk show previo llamado MAD About Jewelry con artistas que habían partido en las versiones anteriores. Eso supuso conectar la tienda virtual del museo con Zoom e invitar a grupos de dos o tres joyerxs, dos veces al mes, a exponer su trabajo a un grupo selecto de compradores de la base de datos del museo. Vania agrega que para crear expectativas, se develaban los nombres de los elegidxs solo un par de semanas antes.


El día seleccionado, tanto lxs joyerxs como las clientes se contactaban a escuchar el relato sobre las colecciones a la venta, teniendo la opción además de preguntar y comprar inmediatamente las piezas en la tienda virtual del museo, que solo están disponibles a partir de ese momento. Ese mismo día, post cita, le llega un correo con un 15% de descuento como gancho.

“Ese día concreté muchas ventas, así también como el siguiente. Vendí alrededor de 20 piezas, pero también tengo la opción que sigan por goteo, porque quedan en la tienda virtual por un tiempo”, comenta.



Desafíos de participar en MAD About Jewelry


Vania confiesa que a pesar del carácter online del evento, su preparación fue ardua, ya que tuvo que amar una presentación de alrededor de 10 minutos en inglés, que ensayó un par de veces con Bryna; crear inventario con una descripción detallada de tamaños, materiales y precios; sacar buenas fotos con fondos blanco para destacar las joyas para enviar y subir a su cuenta en Instagram (buscando homologar el estilo de sus colegas internacionales).

Respecto a su presentación Vania señala que intentó hablar un poco sobre sus intereses artísticos, lo que se reflejaba en su colección de flores (que preparó para LOOT 2019), pero también le pidieron que sumara su serie de mariposas, que fue la que más vendió, dado que sus precios son más accesibles.

“Fue un desafío hablar sobre la vida, la trascendencia de la mujer en la cultura popular y, al mismo tiempo, decir este par de aros de aquí viene en dos tamaños”, afirma.


Otro desafío fue la distribución, ya que el artista es el encargadx de enviar la joya a su destinatarix. Vania narra que para ello, le ofrecieron un muy buen convenido con DHL, que si bien ella -con ojos de Chile- seguía considerando caro (US$30), se dio cuenta que sus clientxs de MAD no compartían esa aprehensión y lo pagaron igual.

Este último aspecto, la entusiasmó porque le da mayores opciones de vender su línea más artístico, que consiste en piezas únicas que ha ido creando a lo largo de los años, y que merecen un espacio especial no sólo de exhibición, sino de metodología de venta. MAD About Jewelry le dio varias ideas para materializar esta nueva forma de venta desde Chile.

¿Qué te pareció la experiencia de Vania? ¿crees que sea replicable en este lado del mundo?


(Fotos gentileza de Vania Ruiz y MAD About Jewelry)

Las características de la alpaca uno de los textiles más sustentables del mundo

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¿Sabías que la alpaca es uno de los textiles más sustentables y que el 80% de ella proviene de Perú? De hecho, necesitan muy poca agua y comida para sobrevivir, y pueden convertirse en una herramienta para la erradicación de la pobreza, ya que su comercio justo potencia el desarrollo de comunidades de productorxs y artesanxs, principalmente indígenas. La marca de tejidos Kuna tiene clarísimo lo anterior, por ello, a través de sus prendas, ha promovido su preservación e incluso la recuperación de la alpaca negra que, desde mediados de los años 50 del siglo XX, redujo su cantidad de ejemplares radicalmente hasta representar menos del 0,5 % del total de las alpacas peruanas. Hoy conoceremos las características de este noble textil con identidad latina, de la mano de esta etiqueta peruana.


Alpaca: el textil noble del altiplano

Para que se hagan una idea, en promedio, de una alpaca se obtienen dos kilos de fibra, pero se puede llegar hasta 4. Cada animal, que mide entre 1.20 y 1.50 m, se esquila una vez al año, y entre 6 y 7 veces durante toda su vida productiva, que se prolonga hasta los 6 a 7 años (a pesar de que viven entre 20 y 25 años). Luego de este período el pelaje disminuye su calidad.


El 80% de la producción mundial de alpaca proviene de Perú -de las razas Huacayas y Suri-, lo que se traduce en exportaciones millonarias. Pero probablemente la cifra más auspiciosa tiene que ver con los miles de artesanos que hacen funcionar esta industria, y a quienes el Gobierno peruano y las empresas privadas se han preocupado de incluir en el proceso productivo. 


La alpaca es considerada una de las fibras más lujosas y finas del mundo, tiene capacidad térmica, es suave y resistente.

En Kuna revela sus principales características:

  • Es muy fina, puede llegar a los 19 micrones de finura. 
  • Es aislante y térmica por tener bolsas de aire microscópicas en el interior.
  • Es muy liviana sin dejar de calentar.
  • Su brillo sedoso y natural se conserva, así haya pasado por procesos de producción, teñido o lavado.
  • No contiene grasa, aceite o lanolina.
  • No retiene el agua y puede resistir a la radiación solar
  • Es hipoalérgica por su gran finura.
  • Tiene más de 22 colores naturales (cafés y grises)
  • La fibra de alpaca no sólo se hila se la puede afieltrar obteniendo hermosos paños y fieltro manual de alpaca.
  • Sus fibras son muy resistentes logrando prendas muy durables y de fácil cuidado.


Dependiendo del grosor es el uso que se le dará a la prenda. La alpaca se encuentra en la mayoría de los productos Kuna: suéteres, abrigos, capas, accesorios como guantes, pantalones, entre otros.

Baby alpaca es la fibra que se obtiene del primer esquilado en la vida de una alpaca. Esto la hace mucho más fina y exclusiva que la fibra de alpaca, que ya ha sido esquilada varias veces.

(Fotos gentileza de Kuna)

Balaklava y Santa Madre SM se unen en una colección cápsula de bolsos y complementos

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El confinamiento no ha impedido que diversas marcas de moda de autor puedan desarrollar interesantes asociaciones creativas entre ellas. Ello nos recuerda que no hay límites, ni ninguna pandemias, nos puede quitar las ganas de imaginar y crear. Ese es el caso del trabajo desarrollado por la diseñadora argentina, Flor Burgos de la marca de indumentaria no género, Santa Madre SM!, quien desarrolló junto a la etiqueta de bolsos y carteras veganas, Balaklava una colección cápsula, que resume el sello de amabas propuestas. Hoy nos muestran el resultado de esta apuesta creativa, en medio de una de las cuarentenas más largas del mundo. 

Colección cápsula de Balaklava con Santa Madre


Flor me cuenta que para la colección cápsula de Balaklava usó uno de los estampados que diseñó para su etiqueta Santa Madre. "Lo cree mediante un mashup digital entre una foto que tomé en Valencia (España) y uno de mis primeros collages con papel", explica.








Balaklava se caracteriza por ser una marca 100% handmade de ediciones limitadas y 100% cuero vegano (PU leather).

¿Dónde comprarlos?
En las redes sociales de Balaklava

Instagram Santa Madre SM

(Fotos gentileza de Balaklava)

Nada es tan cierto: vestuario cómodo, elegante y espontáneo

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Con la idea de construir un espacio alternativo y seguro para la creación de vestuario femenino, la diseñadora Yunia Faúndez decidió dar vida a la etiqueta de moda lenta, "Nada es tan cierto". En ella, a través de diseños originales, amigables, diversos y de calidad busca conectar a su usuaria desde las emociones y la sustentabilidad.  "Con el súper objetivo de realzar sus cualidades internas e individuales, para que pueda desenvolverse en plenitud en un mundo, que no necesariamente está de su lado", enfatiza. Hoy nos presenta su propuesta en primera persona.  

La propuesta de Nada es tan cierto


Yunia define la propuesta de Nada es tan cierto como vestuario para mujeres relajadas con estilo, cuyas bases conceptuales son la comodidad, elegancia y la espontaneidad

"La comodidad es una máxima, porque considero que es esencial para la vida en general. Sobre todo para las mujeres que hacemos miles de cosas en un día. 

La elegancia porque me gustan mucho las estructuras y las líneas marcadas que implican prendas como los blazers y abrigos, que se asocian más con un contexto profesional. Me gustan las telas planas que fijan una línea en el cuerpo. 

Y lo de espontáneo es el factor sorpresa, lo instintivo. El ánimo que crean los estampados, aplicaciones y cartas de colores, que dependen de lo que vaya encontrando, ya que trabajo principalmente con telas recuperadas", comenta. 


Todo lo anterior va de la mano con un proceso creativo en el que la moda lenta o slow fashion es la guía, ya que define las siluetas, telas y producción con el fin de lograr una mayor duración y usos de las prendas, así también como una menor huella de carbono.

"Me gusta trabajar con telas naturales y de buena calidad, dentro de mis posibilidades económicas, porque conozco sus cualidades y se puede inferir su ciclo de vida. Por su calidad puede reutilizarse (reparado, teñido o upcycling) y si termina en la basura, en el mejor de los casos pueden biodegradarse. Eso mientas se pueda trazar su origen, lo que es lo difícil. Por eso prefiero trabajar con telas rescatadas, que son telas limitadas, de producciones de fábricas antiguas cerradas, que han estado esperando ser elegidas en una repisa de alguna bodega", explica.

Si bien tiene conciencia de que en esos hallazgos la calidad puede ser mixta, valora que posean el factor de espontaneidad u originalidad que busca. Ejemplifica lo anterior con una gabardina estampada mezcla de algodón y poliéster, que si bien no es un textil natural 100%, le da un aspecto notable a la pieza con vocación heredable.



Modificar el actual paradigma de la moda según Nada es tan cierto


"Creo que hay varias cosas que cambiar en la moda. Pero primero deben a hacer eco en nosotras. Debemos entender que con nuestro dinero empoderamos al que le compramos y con ello aprobamos sus métodos, no solo sus productos. Las grandes marcas deben cambiar.

Si nos gusta mucho una marca debemos exigirles que se cuestionen, transparenten y mejoren. Después del Black lives matter, por ejemplo, muchas marcas fueron cuestionadas en sus cuentas de Instagram ante sus mensajes y prácticas antirracistas, como le ocurrió a Reformation a la que acusaron en los comentarios, enfrentándola y poniéndola en evidencia.

No sé cual fue el resultado y tal vez no lo veremos de inmediato, pero puso cuestiones importantes sobre la mesa y de seguro tendrá repercusiones".



Desafíos de "Nada es tan cierto" en pandemia


Yunia narra que la pandemia ha sido un desafío en si misma, ya que como marca emergente, se ha enfrentado a mayor incertidumbre e inestabilidad debido al cierre de tiendas y la dificultad de encontrar buenos proveedores

"Esto nos enseña a mirar todo desde otra perspectiva e ingeniárselas. Con esa noción de que todo se ha aletargado no queda otra opción que poner énfasis en la comunicación de las partes. Los procesos, los costos, envíos y plazos. Ya sea con proveedores, repartidores y clientas. Si bien me gusta estar cerca de mis clientas, esta pandemia me ha acercado aún más a ellas y eso lo valoro, porque conozco mejor sus necesidades", enfatiza.


¿El futuro de Nada es tan cierto?


Yunia se imagina el futuro de "Nada es tan cierto"como una marca que esté en el corazón de las personas, cercana, justa y disponible. "Resistente a los cambios, que evoluciona con responsabilidad, autosustentable. Ojalá que trabaja sus propios textiles y procesos con economías circulares y energías renovables. Innovadora. Con un equipo humano en sintonía, comprometido, motivado y satisfecho; que llegue a todos los rincones del mundo", concluye.

¿Dónde comprarla? En la tienda online Jardín B o en las redes sociales de la marca.


(Fotos gentileza de Nada es tan cierto)


Carolina del Mar presenta su colección "Reinas" de cintillos coronas

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La nueva realidad que vivimos como consecuencia de la pandemia, nos ha obligado a reordenarnos y reinventarnos. Así también le pasó la diseñadora Carolina Juica creadora de la marca especializada en vestido de fiestas y novias, Carolina del Mar, quien decidió darle un giro a su trabajo ante la ausencia de festejos.  "Quise darle una vuelta bonita a los accesorios para la cabeza, los cintillos, lazos, entre otros", afirma. Para ello decidió convertirlos en "coronas", pero desde un sentido de dignidad y amor propio. Es así como nace su colección "Reinas" protagonizada por las musas de diversas pinturas clásicas, que fueron parte de su inspiración. Te invito a revisarlas.

Colección Reinas: los cintillos coronas de Carolina del Mar


Carolina nos explica su nueva propuesta: "Las coronas como elemento o concepto se encuentran en muchas partes, desde la música (calderón, momento de reposo), los libros, la botánica, el cuerpo humano, el universo y en mil casos más, pero el que más me resuena hoy,  es ese signo de distinción, ese símbolo de nobleza que está presente de forma invisible en toda nuestra vida.



Todas tenemos sobre nuestras cabezas una corona, nacemos con ella y a lo largo de la vida por diversos factores se nos va olvidando ese valor incalculable y propio que tiene esa corona que creció con nosotras, puesta en lo alto de nuestra cabeza y que a momentos invisible para algunos, nos acompaña en cada proceso. 


No olvidemos que esa corona la fuimos posicionando con anhelos, ilusiones, logros y desventuras, porque así es, la corona  también tiene heridas de batalla
, de las que salimos airosas y esperanzadas, más fuertes y valientes, con la mirada más alta y el sentir más profundo, esa corona compuesta de mil ideales que nos estremece el corazón con solo pensar en las emociones y momentos que fuimos atesorando en cada paso.



Esa joya brillante de un valor incalculable que ilumina nuestros rincones con su brillo, con esa belleza única de cada una que cautiva a quien nos mira, esa joya que se nos ha dado por nobleza eterna y por Gracia intrínseca...



Vamos todas custodiándonos unas a otras, con la frente bien en alto que se vea nuestra corona, porque su gran valor lo amerita y porque  no importa la edad, la época, la etnia, si es con flores, metales o perlas, todas estamos coronadas", afirma.






¿Dónde comprar su propuesta? En las redes sociales de la marca.


(Fotos gentileza de Carolina del Mar)


Amor por la polera de su abuela Clara de Ale Kopaitic de vayaconsumismo

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La ropa con vocación heredable ha sido una de las protagonistas indiscutidas de nuestra sección "Amor por". De hecho, nuestra invitada de hoy, tiene una linda historia con una prenda que, tal como yo, heredó de su abuela. En su caso, fue una polera, que se mantiene impecable en su clóset. Me refiero a la ingeniera en medio ambiente y recursos naturales, Alejandra Kopaitic, quien es cofundadora de la plataforma vayaconsumismo, que promueve la cultura de basura cero. Lxs invito a conocer el relato amor de Ale por la polera de su abuela Clara.

Ale Kopaitic de vayaconsumismo y su polera heredada de su abuela Clara


Ale inicia su relato con una confesión: "No soy muy buena para comprar ropa, menos nueva. Por eso,  cuando necesito algo, intento comprarlo, en la ropa usada o hacer trueque con alguna amiga. Si hablamos de 'moda' tampoco me manejo mucho, recién el último tiempo he estado leyendo e investigando más al respecto, sobre todo prefiriendo marcas chilenas y con materiales más naturales", afirma.

Pese lo anterior, su gran referente en la moda, fue su abuela paterna, a quien admiraba mucho, ya que siempre se vestía elegante y muy combinada. De hecho, comenta que usaba guantes, gorros y pañuelos que le llamaban mucho la atención. "La Sra Clara Ruby Williams.V, (1918-2015) estaba siempre arreglada, de peluquería y uñas pintadas, combinada desde los zapatos hasta el collar. Recuerdo los últimos años haber conversado varias veces con ella sobre su clóset, incluso la ayudaba a ordenar su ropa y le preguntaba por algunas prendas que me llamaban la atención", relata Ale.


En la foto (1987), las abuelas de Ale Kopaitic junto a su mamá, recibiendo su título en Valparaíso. A la derecha, la abuela Clara con la polera que heredó Ale

Por lo mismo, para "Amor por" eligió una polera, que su abuela usaba siempre y a ella le encantaba. Eso la llevó a que fuera una de las pocas cosas que pudo recuperar y conservar cuando la sra. Clara falleció.

"Es una de mis poleras regalonas y la amo, no sólo por la historia que tiene y por que me recuerda a mi abuela, sino también porque además se nota que está bien hecha, es diseño chileno, tiene muchísimos años y espero dure muchos más", concluye.





Si quieres conocer más sobre la relación de Ale con su abuela y esta prenda, así también saber su labor en vayaconsumismo, mantente atentx a nuestro IG, porque haremos un live/vivo la semana próxima con ella.


(Fotos gentileza de Ale Kopaitic)

Yo lo probé: shampoo en barra Le Vert cabello normal

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Vivir una vida 100% sustentable, no siempre resulta simple. Son tantos los estímulos que nos inundan, que por momentos, no abrumamos y desistimos del intento. Sin embargo, no me rindo, aunque me queda muchísimo para no sentirme en deuda con el planeta, al menos, sigo perseverando con pequeños detalles como optar por el shampoo en barra. Si bien, hace tiempo que vengo escuchando sobre él, producto de mi búsqueda de proveedores locales para mi hogar, llegué al shampoo en barra Le Vert para cuero cabelludo cabello normal y lo probé. Hoy te cuento mi experiencia de uso.

Shampoo en barra Le Vert cabello normal


Las ventajas del shampoo en barra Le Vert cabello normal, saltan a la vista: tiene un formato tipo jabón, pequeño y compacto y su empaque es una caja de cartón resistente, que incluso se puede dejar como jabonera en un espacio, donde no se moje recurrentemente, sino solo al momento de depositar el shampoo de regreso a ella. Cada uno de estos componentes -el shampoo en si mismo y el empaque- son biodegradables, lo que nos hace darle el primer 👍 o 💚.

Ahora en términos sensoriales, el shampoo en barra tiene la textura como de "bomba o sal de baño" (pero no se deshace) y, en el caso particular del que compré, su aroma a frambuesa es suave y agradable.



El shampoo en barra Le Vert cabello normal está formulado con avena, aceite de granada y aceite esencial de naranja.

Según el sitio de la marca, la avena fortalece, nutre y suaviza la fibra capilar. El aceite de granada nutre y humecta el cabello; además tiene la capacidad de devolverle su brillo y suavidad, mientras que lo protege del medio ambiente.

Por su parte, el aceite esencial de naranja hidrata el cabello dándole suavidad, lo nutre con vitamina C y fortalece sus raíces.

¿Cómo se utiliza?Te mojas el pelo y lo frotas con suavidad sobre tu cabeza como si quisieras jabonarla. Al acto siente como se genera un poco de espuma y, dependiendo el largo de tu pelo, repites el movimiento, masajeando para que logres llegar a todo el cabello.

Después enjuagas y listo (yo sigo con bálsamo u acondicionador).



A mí me encantó, desde el primer momento que lo usé, por su facilidad de uso y enjuague, por el aroma y porque deja mi pelo limpio y brillante. Muy equilibrado y mi sensación es que me durará mucho, más que una botella de shampoo, porque veo la barra casi intacta desde el momento que la comencé a usar (un poco más de dos semanas). Pero no tendré que preocuparme de envases. De hecho, lo encontré perfecto para viajes.

En cuanto a precio, cuesta alrededor de $6.500 (US$8,34 app) y se puede comprar en el sitio web de Le Verto en algunos otros proveedores nacional. En mi caso, que soy de Viña, lo compré vía la tienda Súper Justo

Al buscar más información para esta nota, descubrí que Le Vert tiene una gran variedad de alternativas para todo tipo de cabellos, lo que me motivó aún más a seguir usándolo.

Y ustedes ¿lo probarían?


Metamorfosis: indumentaria femenina para mujeres en movimiento

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Para la diseñadora Macarena Sandoval, la ropa de uso general, no es capaz de adecuarse a los distintos escenario del ajetreo de la ciudad. Con esa premisa decidió hacer su proyecto de título -guiado por el gran Gerardo Tyrer- pensando en la creación de vestuario que pudiera adaptarse a todo de tipo de clima, ocasión y momento del día. Si bien, al principio quería llevarlo a cabo con materiales tecnológicos, su elevado precio, la obligó a replantearse esta idea. "Fue entonces, que decidí diseñar vestuario en base a conceptos como funcionalidad, comodidad y practicidad", explica. El resultado de esta apuesta creativa es su marca de indumentaria femenina, Metamorfosis, que hoy nos la presenta.

La propuesta de Metamorfosis


Macarena explica que su propuesta consiste en crear y confeccionar indumentaria femenina basada en bodys, bañadores, lencería y el desarrollo de algunas colecciones cápsulas con prendas de estación. "Siempre destacando una paleta (mayormente) de colores primarios y que sean combinables entre sí, uso de materiales de calidad y siluetas que se adapten a todo tipo de cuerpo, para que puedan ser utilizadas y combinadas en más de una ocasión", afirma. 

Respecto a los factores que influyen en su proceso creativo comenta que está basado en el desarrollo de una idea que está vinculada con su proceso personal de ese momento. "Busco reflejar mis sentimientos, a través, de mis conocimientos, aplicándolos en las siluetas, color y textura de cada prenda. Luego de obtener esta idea busco conceptualizarla. Para esto utilizo diferentes herramientas, una de mis favoritas es la creación de un moodboard, para el cual es clave que se incluyan imágenes de referencias, colores, telas e incluso el perfil de mi futura clienta, pero siempre teniendo como  objetivo los conceptos mencionados con anterioridad", insiste.



¿Crees que es necesario una mayor asociatividad en el sector, sobre todo de las mujeres creativas?


"Sin duda creo la asociatividad entre pares siempre será beneficiosa. Es una forma de potenciar, colaborar y crear comunidad entre nosotros los emprendedores, principalmente para apoyarnos entre féminas. Por mucho tiempo nuestros anhelos estuvieron relegados a un segundo lugar, impidiendo que la mujer pudiera desarrollarse profesionalmente en algo que le apasionara. Por eso, el empoderamiento femenino de estos últimos años es clave para que las nuevas generaciones podamos trabajar en lo que amamos. Es nuestra responsabilidad seguir abriendo camino para las que vendrán". 



Los desafíos de Metamarfosis en pandemia


Macarena señala que los principales desafíos que ha afrontado en este contexto de pandemia están relacionados con el cierre temporal y permanente de algunas tiendas en la que vendía sus productos. A ello se sumó la escasez y demora de los proveedores textiles.

"Al trabajar con fábricas nacionales, se vieron colapsadas por la cuarentena que afectaba a la zona central, lo que nos produjo un retraso de incluso un mes en algunas producciones. Por suerte, las ventas no han bajado como pensamos, muy por el contrario, nos hemos sorprendido con el interés y preferencia de la gente en nuestros productos. Esto nos motiva a seguir trabajando con mucho más cariño y dedicación", enfatiza. 



¿El futuro de Metamorfosis?


"El  futuro de Metamorfosis lo imagino materializando aún más nuestro proyecto, idealmente de la mano de una tienda física. También nos gustaría mucho descentralizarnos para poder llegar a más gente, instalando  puntos de venta en distintas regiones del país.

Otro objetivo esencial es consolidar la marca, hacer que este emprendimiento se transforme en nuestro pilar de ingreso fundamental, pero principalmente, nos gustaría ser reconocidos a nivel nacional como 'la marca' que crea prendas de calidad, versátiles, que se adaptan a todo tipo de cuerpo y realmente ser un aporte a nuestra a nuestro diario vivir".

¿Dónde comprarla? En la tienda online Jardín B, en la tienda Filia y en la cuenta en Instagram de la marca. 


(Fotos gentileza de Metamorfosis)

Rizoma Taller: accesorios y mochilas desde la reutilización textil

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"Házlo tu mismo" o DIY en su expresión en inglés (do it yourself) es un "mandato" que no sólo nos moviliza a resolver la vida doméstica a través de nuestra inventiva, sino también a crear e imaginar. La diseñadora Pamela Palma ha estado cercana a esa manera de ver el mundo, gracias a sus abuelxs, quienes desde la costura y carpintería, le fueron inculcando el amor por las manualidades y la reutilización textil. Ese camino la llevó, en 2012, a aventurarse a diseñar su primer bolso. Si bien su inicio no fue perfecto, con el paso del tiempo y el incremento de los encargos, terminó por crear Rizoma taller, una marca en que la reutlización y reparación de prendas, se transforma en accesorios y mochilas. Te invito a conocerla. 

La propuesta de Rizoma Taller


Pamela me cuenta que cada diseño que realiza es único y está hecho con mucha dedicación. "Por un lado, me interesa hacer un objeto funcional y de calidad, que sea cómodo y se ajuste a las necesidades específicas para las cuales fue hecho, y por otro, me interesa explorar la interacción de colores e intentar lograr combinaciones armoniosas", señala.

En esta línea utilizar la reutilización textil dentro de su proceso creativo supone trabajar de un modo más lento, que cuando lo hace a partir de materiales nuevos.

De hecho, si bien el diseño debe adaptarse a las cualidades de la prenda que reutiliza, lo que podría ser una dificultad, se torna una oportunidad para piezas únicas e irrepetibles. 

"Me gusta el desafío de transformar ropa y aprovecharla al máximo. Este trabajo adaptativo se presenta como un desafío constante, que me ha permitido ir mejorando en el oficio de la costura, así como también cuestionarme el tipo de proyecto que busco generar", enfatiza.



¿Por qué crees que es necesario desarrollar nuevas formas de producir y consumir la moda?


"Es urgente desarrollar nuevas formas de producir, ya sea en la moda o en otras industrias. Somos testigos de las terribles consecuencias que trae el sistema de producción dominante, que afecta tanto nuestro entorno como la sociedad, al permitir la explotación humana, animal y territorial. 

Mediante la reutilización de ropa busco reducir el impacto de la contaminación textil, así como también explorar otras maneras de producción y creación



Los desafíos de Rizoma Taller en pandemia


Pamela explica que los principales desafíos que he enfrentado durante este período han sido la baja de los encargos, la dificultad de encontrar materiales y entregar los pedidos

"He logrado sobrellevar esta pandemia principalmente porque no me dedico totalmente a Rizoma. A lo largo de estos años siempre he tenido trabajos paralelos, que me han permitido llevar el ritmo del taller acorde a mis propios tiempos y ganas de hacer. He descubierto que me gusta estar en varios proyectos de manera paralela, así lo paso mejor y disfruto más", complementa.


Imaginando el futuro de Rizoma


"Dentro de mis planes más soñadores se encuentra crear algún tipo de cooperativa o asociación que reúna a las y los diseñadores independientes (específicamente de bolsos y accesorios), ya que actualmente somos muchos, pero estamos separados. 

Me gustaría que fuera un espacio de creación y aprendizaje horizontal (también podríamos decir rizomático) en donde todos participen y se involucren en cada etapa: diseñar, cortar, coser, fotografiar, hablar con la persona que hizo el encargo etc. Pienso que quizás de esta manera, se pueda construir un lugar en donde las personas que lo componen desarrollen al máximo su potencial creativo al ir aprendiendo unas de otras".

¿Dónde comprarla? En la cuenta de Instagram de la marca.


(Foto gentileza de Rizoma Taller)

Súmate al crowdfunding solidario del libro "Moda y Poder" del Colectivo Malvestidas

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Reflexionar sobre la moda, desde una mirada académica y transdisciplinaria, pero en tono inclusivo, no resulta una tarea fácil. Sin embargo, el Colectivo Malvestidas de Loreto Martínez y Tamara Poblete ha logrado hacerlo, a través de sus encuentros Moda Desobediente. Hoy nos dan la posibilidad de llevar ese análisis a nuestro hogar, gracias a la edición de su 1º libro “Moda y Poder”, que mediante una campaña de crowdfunding o financiamiento colectivo, persigue un doble propósito: ser impreso y apoyar a su co-editora Javiera Nuñez. En las próximas líneas, Loreto Martínez nos entrega más detalles sobre esta publicación y nos explica cómo sumarnos a esta iniciativa.

“Moda y Poder”: el libro del Colectivo Malvestidas


Loreto explica que su libro “Moda y Poder”, está inspirado en su 1º encuentro de Moda Desobediente        -realizado en 2017- sobre esas materias. En esa línea, los capítulos de la publicación se basan en los ejes que se plantearon en esa cita. “El primer capítulo se llama ‘Cuerpos en batalla’; el segundo ‘Vestir y resistir’; y el tercero ‘Prácticas situadas / imaginario”, complementa.


Ilustración de Hija de Perra por @placebailustra 

Esta publicación no es la transcripción literal del encuentro, sino es una adecuación, que considera a otras voces, por lo que resulta un atractivo material de discusión.

Además Loreto comenta que fue editado pensando en un público diverso, desde una mirada transdisciplinar, pensando en gente que viene tanto del diseño, las artes visuales como de la industria de la moda.

Creemos que el valor del libro es, precisamente, que abarca el fenómeno de los vestibles en su dimensión sociopolítica, desde diversas disciplinas.Hay reflexiones de sociólogos y antropólogos e incluso gente que viene de la ciencia, hay diseñadores y artistas visuales, lo que permite entregar en su totalidad, una mirada bastante amplia, de la plataforma moda y su vinculación con problemáticas más transversales a la sociedad. No es sólo una reflexión disciplinar, sino transdisciplinar. Es un aporte a cómo está funcionando la industria y cómo debería funcionar, así también incorpora miradas críticas y posicionamientos políticos”, enfatiza.

Si bien, la intención del equipo creador era desarrollar un texto de un nivel teórico potente, también buscaban que fuera disruptivo en su forma. Para lograr aquello integraron a la diseñadora, Renata Teaser, quien trabaja en el Museo Precolombino.  “El libro contiene formatos bien eclécticos de expresión, hay artículos teóricos, reflexiones creativas, entrevistas. La parte visual era un medio que también nos interesaba mucho potenciar, que fuera un libro objeto, que se valorara igualmente desde ese lugar”, insiste.


Imagen de Lucía Cuba

El crowdfunding solidario del libro “Moda y Política”


Loreto relata que el libro “Moda y Política” fue co-editado junto a la Doctora en estudios teatrales por la UNAM, la mexicana Javiera Nuñez, quien participó del 1º encuentro de “Moda Desobediente” como panelista y es una gran amiga del colectivo. “Ella estuvo haciendo un trabajo muy minucioso de acompañamiento de todo el proceso escritural, que incluyó invitados internacionales y voces emergentes”, explica.

Casi finalizando ese trabajo de edición, que tomó alrededor de dos años, Javiera enfermó, y por ello decidieron que materializar la publicación sería un estímulo de energía para todas, pero también una manera de apoyar económicamente a Javiera.

Por ello decidieron armar la campaña de crowdfunding o financiamiento colectivo, que busca imprimir el texto y ayudar a Javiera en sus gastos médicos.

Respecto al mínimo de donación señala, que dado el contexto económico y social que vivimos producto de la pandemia, decidieron no poner un “piso inicial” de participación. “No hay un mínimo, ni tampoco un máximo. Todo es bienvenido y agradecido profundamente”, agrega.


En cuanto al libro "Moda y Poder", su precio preventa será de $15.000, el que será distribuido según la opción que marques en el formulario de inscripción.

En resumen…

  • ¿Cómo sumarte al crowdfunding? Llenas el formulario de inscripción y depositas tu aporte en la cuenta especificada en la ficha. Tienes 3 opciones de participar:

    - Puedes aportar solo una donación para Javiera
    - Solo reservar tu ejemplar (precio preventa $15.000)
    - Ayudar a Javiera + reservar tu ejemplar

  • ¿Hasta cuándo puedo participar? Tienes hasta el 30 de septiembre 2020.

  • ¿Cómo continuará el proceso al finalizar el crowdfunding? Durante octubre, se harán las pruebas de impresión, ya que el libro se encuentra 100% editado.

  • ¿Cuándo se iniciará el proceso de distribución?En noviembre comenzará la distribución, que se realizará de acuerdo a la opción que hayan marcado en el formulario. Ellas eran: 

- Retiro en dos puntos de Santiago (Metro Santa Isabel y Bustamante)
- Envío a domicilio en Región Metropolitana con un recargo de $3.500
- Envío por cobrar a todo Chile 

¿Te unes a esta gran causa?


(Fotos gentileza de Colectivo Malvestidas)

¿Cómo avanzar hacia un consumo de moda más sustentable? Los 3 primeros pasos generales

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Una pregunta recurrente que recibo de quienes desean iniciarse en el mundo de la moda sustentable es cómo partir. Si bien, mi respuesta se ha ido puliendo y simplificando con los años, a propósito del live/vivo que tuve con Ale Kopaitic de vayaconsumismo, me di cuenta que ese punto de partida es común para todos los ámbitos ligados con tener una vida más simple y feliz (como reza el dicho de mis amigues de esa plataforma de cultura basura cero). En las próximas líneas te explicaré en qué baso mi conclusión y te daré una pauta de los 3 primeros pasos generales  para que caminemos juntxs por la senda de una moda más consciente y responsable.

Cómo partir por la senda de la moda consciente y responsable


Escuchando a Ale de vayaconsumismo noté que sus reflexiones sobre transitar hacia una cultura de basura cero tienen muchos puntos de coincidencia, respecto al camino hacia un consumo de moda consciente y responsable. No podría ser de otra manera, ya que en ambas rutas son complementarias e incluso terminan transformándose en una sola.

Motivada por ese impulso, decidí crear una breve "pauta iniciática", que les permitiera comenzar el cambio AHORA, porque tal como comentaba Ale, la emergencia climática es una realidad del presente, que no podemos dejar para mañana (se nos acabó el tiempo chiquilles!).

En esa línea, condensé nuestras miradas para darles el "pitazo inicial"a esta travesía colectiva:

Paso 1: Comenzar a hacerse preguntas
. Las preguntas son gratis, por lo mismo, formularlas no tendrá ni un costo económico, ni físico.¿Qué preguntar?Fashion Revolution nos ha dado varias ideas tales como ¿quién hizo mi ropa? ¿de qué está hecha mi ropa?, cuyas respuestas, nos permitirán cuestionarnos nuestro consumo, mirar nuestro clóset, interpelar a nuestras marcas favoritas y reflexionar sobre qué tipo de decisiones de compra estamos teniendo. 

Hacerse preguntas supone estar más alerta, investigar, aprender, analizar y desarrollar el pensamiento crítico, dejar a un lado la complacencia hacia la "publicidad engañosa" o green washing (lavado verde). Además nos frenará cuando sintamos la "tentación de la oferta", porque nos cuestionaremos: ¿realmente lo necesito?




En cuanto a las respuestas de muchas de estas interrogantes, Google nos puede ayudar a resolverlas, pero también sitios como QT o personas y organización dedicadas a estas materias. En Chile destacamos a Franca Magazine, Clóset Sustentable, Pamela Victoria, Gray, entre otros. 

Paso 2: Elegir un objetivo o propósito. El cambio del consumo impulsivo de moda hacia uno consciente y responsable es progresivo. Es imposible pretender que de un día para otro, se modificarán los hábitos. Por lo mismo, lo peor es abrumarse, y tal como mencionaba Ale sobre la cultura basura cero, partir por algo que nos haga sentido, no que sea una "tendencia"


En el caso de la moda sería, por ejemplo, ordenar el clóset y comenzar a hacer un uso más intensivo de nuestra ropa (recuerda que la ropa más sustentable es la que ya tienes!); personalizar la ropa que no estabas usando para darle una nueva vida; no "pisar el palito" de los ofertones; dejar de comprar a marcas que te diste cuenta no hacen nada por el planeta o las personas que trabajan con ellas; etc.

Paso 3. Calcular mentalmente las huellas. El paso 1, te entregará una serie de herramientas que irás integrando paulatinamente y que te llevarán a poder calcular de manera simple, la huella de carbono e hídrica de tu ropa.

Por ejemplo sobre la huella de carbono: aprenderás que si viene del otro lado del mundo, no importa lo sustentable que sea una prenda, probablemente su huella de carbono será mayor (debido al transporte), que la de un producto local de similares características.

Ahora respecto a la huella hídrica: sabrás que las telas naturales no siempre son sinónimo de sustentables.  El algodón es la mayor prueba de ello, por lo que tendrás que buscar alternativas de menor impacto.


Como notarás de cada paso se pueden ir desagregando varias acciones paralelas, que harán la ruta cada vez más completa y compleja.

Pero ojo: esta senda no es lineal y muchas veces se retrocede, pero eso no debe ser excusa para no seguir avanzado. Porque como te decía al inicio, esta travesía se hace de forma colectiva con el apoyo de toda una comunidad de personas, que estamos convencidxs que vivir la moda en modo lento, te dará más tiempo para disfrutar lo que realmente vale la pena. 

¿Avanzamos juntxs?

Loraine Holmes y su colección "Virginia II" en la vitrina virtual de Coterie del NYFW

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La pandemia ha puesto en jaque al mundo de la moda y la ha desafiado a correr los límites de lo imaginable, al menos, en el corto plazo. Eso se ha hecho patente en las semanas de la moda internacionales, que han tenido que convivir con lo digital, sin transición. Pero lo que para algunos ha sido una pérdida, para otros es una ganancia. Así también lo cree la diseñadora chilena Loraine Holmes (marca homónima), que está presentando su colección ready-to-wear "Virginia II", en la vitrina virtual de Coterie en el marco de la New York Fashion Week (NYFW) durante todo septiembre 2020. Hoy nos contará más detalles de esta experiencia, que la vuelve a poner en la mira internacional, a través de su nueva propuesta.

Sobre su colección Virginia II


Loraine explica que Virginia II es la segunda parte de su propuesta inspirada en un viaje a Cartagena de Indias, ciudad de la que se enamoró profundamente. Recordemos que la primera parte de este trabajo, fue presentado en el showroom “DAP” (Develop Above Perfection), realizado en el Hotel Royal Monceau durante el Paris Fashion Week, en febrero pasado.

En esa línea, Virginia II mantiene el mismo relato, que busca capturar el realismo mágico de esa urbe colombiana. "El romanticismo de su arquitectura colonial combinada con la exuberancia de su vegetación, color, olor, sabor y personalidad latina tan llena de vida", complementa la diseñadora.



Sobre su participación en la vitrina virtual de Coterie del NYFW con Virginia II

Loraine asegura que su participación, en este NYFW tan diferente, es una gran oportunidad y vitrina, por lo que está muy emocionada de poder mostrar su trabajo en un evento tan importante dentro del calendario mundial de la moda.

"La pandemia puso, sin duda, en jaque el modelo tradicional de la industria, obligándonos a todos a replantearnos la manera de hacer las cosas y a echar mano de las herramientas tecnológicas. Lo cual considero que es una tremenda oportunidad, sobre todo para los diseñadores emergentes, que a través de la 'virtualidad' podrán llegar a un público infinitamente más amplio y a su vez hacer presentaciones con presupuestos muchísimo más acotados, democratizando el concepto de ‘fashion show’", afirma. 



¿Crees que este nuevo escenarios cambiará la manera de presentar la moda en el futuro? 


"Sí, pienso que en muchas ámbitos veremos un antes y un después. En la moda, algunos de estos cambios se venían vislumbrando, pero debido a la pandemia debieron apresurarse y creo que llegaron para quedarse. Entramos en una era digital, en la que se abren nuevas modos de comercialización y de presentación de las colecciones. Aunque la magia de ver un desfile en vivo es única, creo que estas nuevas formas de presentar tienen el plus de ser más fáciles y accesibles para marcas pequeñas que no cuentan con grandes presupuestos. Por otra parte, es posible llega a buyers internacionales sin la necesidad de viajar. 

La gente ha comenzado a confiar más en la venta online, lo que lleva también consigo el desafío y responsabilidad de mejorar los servicios y acortar los tiempos de envío. Creo que todas las marcas dedicarán más atención a sus e-commers y que se desarrollaran nuevas tecnologías, como las fotografías 360, probadores virtuales, etc.

Otra consecuencia que he podido apreciar,  sobre todo en Chile, es que se ha comenzado a revalorar el producto nacional, lo hecho en casa, apoyando al diseño local, al comercio justo, la sustentabilidad y un servicio más humano y personalizado. Por otra parte, muchas marcas post Covid han anunciado que quieren dar un paso atrás en el acelerado calendario de la moda, volviendo a la modalidad de presentar solo dos colecciones principales anualmente (Fall /Winter y Spring/Summer) en vez de cuatro (Pre -Fall, Fall/Winter, Resort y Spring/Summer), lo que permitirá reducir el sobre stock y, de paso, la polución, y finalmente tener más tiempo para desarrollar y potenciar la parte creativa de cada marca".



Los principales desafíos de Loraine Holmes en pandemia


Loraine me cuenta que su colección Virginia II la desarrolló durante los meses de confinamiento, desde sus hogares. Por lo mismo, uno de los mayores desafíos fue realizar un trabajo tan artesanal y detallista a la distancia.

"La manera en la que nos organizamos fue realizando un sistema de distribución de tareas y materiales, una vez por semana, a los hogares de cada una de nuestras costureras. Junto con la recolección de las prendas ya confeccionadas, que llegaban a mi casa para ser revisadas y pasar los controles de calidad. Siendo la dificultad misma en este caso un motor, obligándonos a adaptarnos a la nueva realidad y trabajar el doble, pero a su vez sacando lo mejor de cada una. También tuvimos algunos retrasos en las importaciones de telas, pero a veces trabajar sobre presión puede otorgar la pizca de adrenalina necesaria para crear cosas mágicas", relata.


¿Cómo visualizas tu futuro como marca a propósito del nuevo escenario que estamos viviendo producto de la pandemia?


"A finales de 2019 nos pusimos como meta internacionalizar la marca, así que estar presentándonos por segunda temporada consecutiva en el extranjero, significa para mí estar concretando un sueño. Y, a su vez, una gran responsabilidad, porque quiero estar a la altura de las marcas internacionales y poder dejar el nombre de Chile en alto. Primero fue París y ahora es Nueva York, lo que me permitirá comprender mejor las diferencias entre estas capitales de la moda, y tantear cuál es el mercado que mejor acoge nuestra propuesta artística. A su vez logramos dar el paso de abrir nuestro e-commers a World Wide Shipping, lo que nos tiene expectantes y muy contentos. Por lo tanto, en el futuro cercano pretendemos seguir canalizando nuestras energías en este camino de darnos a conocer en el extranjero y a su vez continuar posicionándonos en Chile". 


¿Dónde comprarla? En su tienda online.


Diego Candia presenta Squad: un libro sobre ilustración de moda y paperdolls

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Hubo un tiempo, que no parece tan lejano, donde algunas revistas -preferencialmente de moda- tenían una sección donde se podía recortar unas "muñecas" que tenían vestidos de papel intercambiables. Esas figuras son conocidas como las "paperdolls", y se constituyeron en el hilo conductor de la propuesta del ilustrador de moda chileno, Diego Candia, en su primer libro: Squad, que permite interactuar con su arte a través de estos personajes. Pero ¿cómo nace esta idea?  Diego, nos lo cuenta.

Los motivos para crear Squad


Diego relata que para la creación de su libro Squad, se inspiró en los diversos grupos de muñecas fashion con los que creció su generación tales como las Barbie, Bratz y MyScene

"Un día estaba mirando mi colección personal y comencé a crear  6 personajes muy diversos, ya que una tiene vitiligo, una es asiática, dos afrodescendientes y uno es de piel mestiza, además de desarrollar un concepto más andrógino al diseñar las modas de los hombres, ya que el mercado de las muñecas fashion marca mucho los estereotipos. Mi principal motivación fue crear mi colección de muñecas fashion ideales", afirma.

Lo anterior, incluye un recorrido por su trabajo retratando a celebridades e iconos fashion del mundo. 



¿Por qué decidiste tomar las paperdoll como hilo conductor?


"Las paperdolls son juguetes que marcaron la infancia de muchos y me siento muy contento de traer un objeto clásico con un concepto mas contemporáneo. Fue una decisión a la que estaba dándole vueltas desde el 2019, el objetivo es traer nostalgia y que nuevas generaciones conozcan como jugabans niños y niñas de las décadas pasadas".





¿Por qué un amante de la moda debería leer, revisar / comprar tu libro?


"Porque va a ver moda en forma de arte, va a ver diversidad, modernidad con un toque clásico, además encontrarán un recorrido por mi arte inspirado en grandes iconos de la moda internacional. Es un libro tan visual, que te atrapará", concluye.



¿Dónde comprarlo? En en la tienda online de la editorial Donnebaum.


(Fotos por Vedran Skorin para Diego Candia)

Parte 1: Mascarillas de diseño local con nanocobre y hebra de cobre

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Las mascarillas, cubrebocas o tapabocas, nos guste o no, serán parte de nuestra cotidianidad por un buen tiempo. Al menos, hasta que la amenaza del virus nos permita volver a las rutinas de antaño, sin distanciamiento social, ni miedo a contagios. En esa línea, en QT decidimos ayudarte a adaptarte a esta nueva realidad desarrollando una serie de post sobre las mascarillas reutilizables, que ofrece el mercado de diseño local para que elijas la que se adapta mejor a tus necesidades (la foto de portada es solo de contexto). Decidimos partir con las mascarillas que han incorporado lainnovación textil en su proceso de confección, lo que se traduce en la utilización de nanopartículas y hebras de cobre. Te invitamos a explorar esta oferta.

¿Por qué usar mascarillas?


Antes de hablar sobre la oferta de mascarillas con nanopartículas y hebras de cobre, nos parece importante recordarte las razones de por qué es necesario utilizar mascarilla cuando sales de tu hogar y transitas por los espacios públicos o ajenos. 

Si bien la Organización Mundial de la Salud (OMS), demoró en masificar esta recomendación, la expansión de la pandemia y sus consecuencias, los llevó a insistir en la importancia del uso de este dispositivo, tradicionalmente ligado al personal de la salud, como una herramienta para evitar el contagio. En la gráfica a continuación, notarás que su buen uso (cubriendo nariz y boca) puede evitar no sólo que te enfermes, sino también que enfermes a otrxs.



Por lo mismo, mientras no tengamos vacuna o una solución al Covid-19, solo queda prevenir mediante el uso de mascarillas. Si bien aún nos cuesta asimilar su utilización, tenemos que pensar que pre-pandemia eran parte de la postal cotidiana de diversos países de Asia, cuyo espíritu colectivista los motiva a usarla para evitar contagiar o ser contagiados de cualquier virus. Si adoptamos esa visión y nos despojamos de nuestro individualismo, te aseguro que lo integrarás a tus hábitos sin inconveniente.

Ah! para su correcto cuidado y efectividad, se recomienda tratarlas como si fueran ropa interior. Es decir, lavar después de cada uso sin cloro ni suavizantes. Idealmente a mano.

Mascarillas con nanocobre y hebra de cobre de diseño local

Chile es uno de los principales productores de cobre del mundo, lo que ha motivado a diversos emprendedores a explorar sus propiedades antimicrobianas en los textiles. Por lo mismo, no fue una sorpresa que aparecieran en el mercado una serie de alternativas de mascarillas, que nos entregan una doble protección a través de este metal. Ojo que cada una de ellas han sido diseñadas para uso cotidiano y no como implemento de protección para el personal de la salud, que deben utlizar mascarillas con certificación N95. 


¿Ejemplos?

The Copper Company, cuyo trabajo de innovación en este rubro, les contamos en nuestra webserie El Nuevo Vestir, y que hoy se materializa en modelos que incluyen filtro, ajuste nasal y regulación en oreja. "La incorporación del cobre ayuda a prevenir la reproducción de microorganismos. La nueva tecnologia con microparticulas de cobre es lavable, respirable y reutilizable", señalan.  

En su sitio encuentran de color blanco y negro, además de la opción de encargar al por mayor con un branding personalizado.



¿Dónde comprarlas? En su tienda online.

Otra marca nacional, que ha sido pionera en el estudio de las propiedades del cobre en las telas es Monarch, que posee un oferta de ellas tanto para adultos como para niños y niñas. Su mascarilla versión 3.0, posee  un diseño mas cómodo, suave y ergonométrico, de uso fácil, fijación a la cabeza con elástico doble, lavable, reutilizable y de secado rápido. "El efecto del cobre en esta prenda es permanente, no se pierde con los lavados. Fabricada en Chile en una de las plantas del grupo Monarch. Hechas y diseñadas para aportar a la crisis sanitaria de nuestro país", insisten en su sitio web.



¿Dónde comprarlas? En su tienda online.

En una línea similar, también encontramos las mascarillas desarrolladas por Mo-Store, que poseen tres capas, con un interior textil con nanotecnología de partículas de cobre certificado antibacterial, un filtro de tela no tejida y en exterior textil de alta calidad técnico de rápido secado, sustentable ya que son lavables y fabricadas en Chile en su taller.



¿Dónde comprarlas? En su tienda online.

Otra alternativa de mascarilla con hebra de cobre para grandes y chicos, la encuentras en la marca local Braybo, que se especializa en producir productos que integren este metal. En el caso de sus mascarillas, son reutilizables, confeccionadas en triple capa (anti fluido, entretela y tela quirúrgica) y con una hebra de cobre que se adapta a la nariz para darle mayor adaptación a la mascarilla en el rostro.

En su cuenta en Instagram explican que el cobre al entrar en contacto con el medio ambiente, libera iones, aportando propiedades bactericidas, fungicidas y germicidas en la zona de la boca y nariz que cubre la tela. "El metal rojo se caracteriza por ser un excelente agente antiviral y antimicrobiano con capacidades autosanitizantes permanentes en el tiempo", insisten.


¿Dónde comprarlas? En sus redes sociales: Instagram y Facebook.

En una línea más orientada al diseño, pero si perder el foco en la materialidad, están las mascarillas de Bandalic, que su esencia de marca e incorporan tres capas: nanocu + Protection (tratamiento con nanoparticulas de cobre), no woven cover (filtro TNT 807) e interior tela 100% algodón.



¿Dónde comprarlas? En su tienda online.

¿Tienes otros datos de mascarillas con nanocobre o hebra de cobre que quieras sumar? Cuéntanoslo en los comentarios o en en las redes sociales de QT.



Gaia: indumentaria upcycling como medio de expresión

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La participación en el curso de moda Lumina 11 llevó a los diseñadorxs uruguayos, Denise Rozza y Agustín Petronio, a crear una colección cápsula de 8 prendas, que fue la semilla de su marca de indumentaria desde el suprareciclaje, Gaia. "Obtuvimos el segundo premio del concurso, lo que nos llevó a la semana de la moda en Nueva York, referente de la moda, la sobreproducción y el capitalismo", relatan. Si bien se sintieron afortunadxs por la oportunidad, ese viaje se transformó en un punto de inflexión que los motivó, al regresar a Uruguay, a desarrollar una etiqueta que fuera responsable con el medio ambiente y que deconstruyera los parámetros de belleza hegemónicos desde una silueta no género. Hoy nos contarán cómo están llevando a cabo esos objetivos.

La propuesta de Gai

Denise y Agustín -que son parte de la plataforma Suprareciclaje.org- comentan que su filosofía de marca se basa en la reflexión que realizaron al participar en el concurso Lumina 11 bajo el seudónimo de Gaia. En ese momento, se cuestionaron cuál era su rol como diseñadores frente a la urgencia socioambiental que atravesaba y atraviesa el planeta. Esa interrogante los llevó a investigar y desarrollar estrategias de producción que fueran responsables con el medio ambiente y que generaran impacto positivo social, cultural y económico.

"Como primera acción determinamos trabajar con materia prima reciclada, ya que ambos somos conscientes de la gran cantidad de desechos que se generan a nivel local (y ni que hablar internacional). También consideramos trabajar con plásticos de bolsas de basura como material alternativo para la experimentación en textiles. Nuestra finalidad con la elección de estos materiales era y es revalorizarlos a través del trabajo manual y técnicas artesanales tradicionales", explican. 

Ese proceso dio como resultado una propuesta de vestimenta sustentable y manifiesto de resistencia a los modelos de producción masivos de la industria textil (fast fashion). 

"Somos una marca que abre camino e invita a nuevos emprendedores y otras marcas a nivel local a adoptar estas formas de producción y metodologías de trabajo, que no solo implican procesos productivos de mínimo impacto ambiental, sino también generador de impacto socio cultural, fomentando relaciones de trabajo horizontales y de forma colaborativa con agrupaciones y asociaciones de trabajo con personas en situación de vulnerabilidad", complementan. 



La influencia del suprareciclaje en el proceso creativo de Gaia


"El suprareciclaje es el comienzo de nuestro proceso de diseño, la materialidad recolectada es nuestra inspiración. A partir de la materia prima comenzamos a experimentar interviniéndola con distintas técnicas hasta conseguir una textura o textil interesante para crear piezas más artísticas. Y también hay de aquellas poco intervenidas, con transformaciones más simples, pero que cambian completamente la tipología de la prenda. Por ejemplo, un pantalón de tiro bajo en una campera (chaqueta) corta y falda.

Cada prenda reciclada trae consigo una historia, que habla de un contexto temporal y espacial que muchas veces nos sirve de insumo para su rediseño".



La restauración de las prendas como para del servicio de Gaia 


Denise y Agustín explican que consideran fundamental reducir el consumo de ropa, por lo mismo proveen un servicio que se hace cargo de sus prendas durante todo su ciclo de vida, ya sea para restaurarlas o adaptarlas a nuevas tipologías de cuerpos. "Esta acción también garantiza una responsabilidad de consumo por parte de los clientes y genera una nueva experiencia, en la que se crea un vínculo con la prenda y la marca", afirman. 


Los desafíos de Gaia en pandemia

"En lo que respecta a lo comercial, nuestra principal forma de venta era a través de ferias o la venta en persona, donde se puede apreciar mejor el trabajo de la prenda y escuchar de primera mano la forma en la que fue producida. Al no contar con estas instancias de venta presencial nos afrontamos a un desafío comunicacional en el que debemos promover las ventas, pero siendo fieles a nuestra filosofía. Es decir, no optar por una venta agresiva, sino acerca la historia detrás de cada prenda a las personas, para que puedan conectar con sus productores y valorizar la prenda para así considerarla una opción responsable de compra". 



¿El futuro de Gaia?

Ambos creativxs se imaginan Gaia como un espacio en el que se pueda crear de forma colaborativa la vestimenta y transmitir los conocimientos necesarios para la elaboración y mantenimiento de sus propias prendas. "Trabajando de forma continua con cooperativas y asociaciones brindando talleres e instancias para compartir conocimientos y construir cultura local y regional más sustentable", concluyen.

¿Dónde comprarla? En la cuenta en Instagram de la marca.



(Fotos gentileza de Gaia)

La experiencia de Chain en el MBFW Rusia: moda sustentable en formato digital

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Por tercera vez, la diseñadora argentina Lucía Chain creadora de la marca de indumentaria sustentable Chain, participó del Mercedes Benz Fashion Week Rusia. La primera vez fue en octubre de 2019,  tras ser nombrada ganadora de Global Talents y gracias a lo que pudo mostrar su trabajo en pasarela y pop up en Moscú; y las dos últimas en versión digital en junio y septiembre 2020, respectivamente. "Cada vez que realizo un viaje, estudio mucho el mercado al que me estoy enfrentando y considero muy importante poder sostener una presencia para posicionar mi marca", explica. Pero ¿cuáles fueron los aprendizajes de esta última versión? Hoy los enumera.

La propuesta de Chain en MBFW Rusia


Lucía explica que su colección "Reconstrucción de Permanencia" está inspirada en la reconstrucción del sentido de hogar de un alma nómade durante el aislamiento. "Inspirada en mi observación de la diversidad y en la apreciación del paso del tiempo. Nos observo inmóviles, con nuestro instinto en movimiento, viajando con la mente, proyectándonos en formas y lugares diversos, muchas veces, a través de nuestras pantallas", relata.

Asimismo comenta que en el video para la última edición de MBFW Russia, se representó digitalmente su estudio, que lleva habitando desde que comenzó el aislamiento y está protagonizado por la influenciadora digital Zoe Dvir.

"La colección fue completamente realizada con materiales encontrados dentro de mi estudio. Las prendas llevan bordadas imágenes de fotos de mis viajes, bordados realizados con hilos antiguos de bordar y cuyos carreteles de madera, al terminarse el hilo, se convirtieron en los botones de nuestras prendas, logrando reutilizar materiales y generar productos biodegradables", explica sobre el proceso creativo.


Los aprendizajes de Chain en MBFW Rusia en versión digital


Lucía cuenta que su participación de las versiones digitales de MBFW Rusia, le han dado la posibilidad de trabajar en conjunto con especialistas en 3d art, VR y representación digital, tanto en Rusia (The Digital Mary) como en Israel (ZOE01 Company), con quienes el intercambio fue super rico y lograron conjugar su visión de lo digital atravesado por lo digital.

"Sentía necesario hacer de la imagen de Chain algo contemporáneo y me encontré en lo digital, disciplina que detrás conlleva un gran trabajo artesanal. Me resulta interesante como se potencian ambos mundos y me da ganas de seguir experimentando a partir de incorporar lenguajes diversos", complementa.



¿Qué oportunidades crees que se abren al mezclar lo digital con lo físico en la promoción y difusión de la moda? 

"Hay algo de democratización en lo digital y el streaming, hace que más personas puedan asistir a los eventos, estén en el lugar en que estén. Es un complemento perfecto para las semanas de moda, pero no suplanta a los desfiles y a toda la industria que hay detrás de la organización de los mismos. Imagino un futuro en que convivan ambas dinámicas".


Las expectativas de Chain en Designers BA en formato digital


Lucía Chain participará con su propuesta "Reconstrucción de Permanencia" en la versión digital del Designers BA, que se realizará del 21 al 24 de septiembre, lo que la tiene muy entusiasmada.

"Estoy muy feliz de formar parte de esta edición de Designers BA, ya que es la primera vez que me presento en mi Buenos Aires, desde que tengo esta marca, me genera mucha emoción y agradecimiento. Estamos trabajando con un equipo audiovisual super profesional y que admiro mucho, en la producción de un fashion film que se presentará durante esta edición virtual y bajo la dirección de Juan I. Amusategui", comenta.


¿Crees que cambiará el paradigma de la moda producto de esta pandemia?

"Creo que se generó un cambio muy fuerte pero en los consumidores, quienes van a comenzar a cuestionar más y exigir cambios a la industria. A partir de ahora, no solo se sabe que hay que producir sin generar daños en el medio ambiente, sino que lo fundamental también, es generar trabajo y dignificar a la sociedad a partir de esto, reforzando los vínculos y preservando la integridad fisica y mental de las personas", concluye.

¿Dónde comprarla? En su E-shop en facebook, en las tiendas asociados o a través del correo info@chain.com.ar


(Fotos gentileza de Chain)

Natalia Londoño presenta colección atemporal EcoDenim con tecnología zero waste water

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La tranquilidad que encontramos al conectarnos con los pequeños detalles que están a nuestro alrededor inspiraron la diseñadora colombiana, Natalia Londoño (marca homónima) al momento de crear su colección atemporal EcoDenim, que se caracteriza por su funcionalidad, volúmenes orgánicos y siluetas asimétricas. "Las ramas y hojas de los árboles y plantas, el viento y el aire, el cielo y sus tonos azulados suaves y oscuros con luz natural, el movimiento y sonido de las aves y mariposas que habitan en nuestro entorno y que al detenernos a apreciar nos llevan al presente y nos conectan con la magia de La Tierra", es parte del relato de esta propuesta, que busca que el cuerpo femenino se mueva con naturalidad, así también respetar el medio ambiente al tener procesos sostenibles desde el diseño hasta la producción de las prendas. Te invito a revisarla y conocer más detalles sobre cómo fue hecha.

La colección atemporal EcoDenim de Natalia Londoño


Todas las piezas de la colección EcoDenim de Natalia Londoño están desarrolladas con textiles colombianos, denim algodón eco-sostenible por incorporación de tecnología zww (zero waste water) que permite teñir hilos denim con hasta 92% menos de consumo de agua y cero vertimientos provenientes de esta etapa del proceso.





Las prendas cuentan con un proceso de lavado ecológico desarrollado con productos biodegradables amigables con el medio ambiente, aplicados a baja temperatura reduciendo el consumo de energía y usando poca cantidad de agua.




¿Dónde comprarla? En su tienda online y en su tienda en Medellín en Carrera 36 #8A-18 Provenza (Colombia).



(Fotos gentileza de Natalia Londoño))

¿Qué significa la certificación cruelty free en cosmética?

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¿Han visto un sello con un conejo en algunos productos de belleza o la inscripción"cruelty free"? ¿Saben qué significa? La traducción literal es "libre de crueldad", pero en la práctica ¿qué supone aquello? ¿qué acredita? ¿cómo podemos comprobar que no sea sólo marketing engañoso? Hoy lo responderemos a través de la guía de nuestras amigas de la ONG Te Protejo y Cruelty Free International

El significado de la certificación cruelty free


Los productos de belleza que tienen la inscripción cruelty free o libre de crueldad son todos aquellos que no utilizan animales en ninguna de sus etapas de producción.

Lo anterior se debe a que la manera que, tradicionalmente, los laboratorios han probado la efectividad y inocuidad de un producto de uso humano es mediante animales. Sin embargo, la Cruelty Free International señala que "reemplazar las pruebas con animales no significa poner en riesgo a los pacientes humanos. Tampoco significa detener el progreso médico. En cambio, reemplazar las pruebas con animales mejorará la calidad y la humanidad de nuestra ciencia", insisten.

De hecho, afirman que la persistencia de estos métodos se debe a razones que no siempre son científicas, sino más bien a conservadurismo: "es más fácil y más cómodo simplemente hacer lo que siempre se ha hecho. Los resultados de las pruebas en animales se pueden comparar fácilmente con pruebas anteriores en animales para dar confianza a los científicos", explican.


¿Quién certifica los productos de cosmética cruelty free?


La popularidad que han ganado las agrupaciones animalistas ha puesto presión al mundo de la belleza, quienes han exigido no sólo que se eliminen las pruebas en animales, sino también que se cambie la legislación en este sentido.

Sin embargo, mientras no exista una regulación clara, el término puede utilizarse de manera indiscriminada y, a veces, sin nadie que acredite su veracidad.

Por lo mismo, para asegurarse de que efectivamente los productos de cosmética no tengan crueldad animal deben ser certificados por alguna organización reconocida. Las más reconocidas a nivel internacional son los que entrega Cruelty Free International, PETA y Choose Cruelty Free.

Mientras en Chile, también tenemos a la ONG Te Protejo, que son la única organización en Latinoamérica dedicada a certificar marcas que no testeen en animales. "Nuestro primer sello fue entregado el año 2013, y desde ese entonces nos hemos dedicado a promover el uso de productos certificados por nuestra ONG y por organizaciones internacionales que trabajan en la misma labor,  ayudando a generar conciencia animal a través de una compra consciente", relatan. De hecho, tiene un directorio de marcas certificadas, lo que facilita la elección de productos con esta característica en el mercado local.



Sin el respaldo de esos sellos, se arriesgan a que el "cruelty free" sea solo una estrategia de marketing o un "animal washing" o "lavado animal".

¿Un producto cruelty free es también vegano?


Los productos cruelty free sólo acreditan que no han sido testeados en animales, pero no que los ingredientes no sean derivados del mundo animal.

Por lo mismo, si quieres un producto que tenga ambas características debes comprobar que su certificación así lo señale. Por ejemplo PETA tiene una certificación cruelty free y vegana

Recuerda que los productos de cosmética vegana no incluyen en su composición ingredientes o derivados de origen animal como la miel.



¿Han tenido dudas si el productos de belleza que compraron sea realmente libre de crueldad animal?





La editorial de moda que rescata el legado del sastre chileno Iván San Martín

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Uno de los aspectos más bellos de los oficios son sus historias, más aún cuando están relacionadas con afectos y herencias familiares. Ese es el caso del artista visual, Matías San Martin Jacob, cuya familia se ha dedicado por 5 generaciones a la sastrería, siendo su papá, Iván San Martín la 4º y su hermana Paulette, la 5º.  "Admiro la historia de mi padre. Siempre nos cuenta que todos sus logros fueron gracias a una aguja y un dedal", relata. Ese orgullo lo llevó a recopilar parte de su legado y plasmarlo en una editorial de moda. En las próximas líneas nos contará sobre esta experiencia y su padre Iván, reflexionará sobre el rescate de los oficios, particularmente la sastrería. 

Los motivos para la editorial de moda: La historia de una familia de sastres


Matías detalla que su abuelo paterno a quien no conoció, José Domingo San Martín, también era sastre y luego se dedicó al diseño de zapatos. Su padre siguió sus pasos transformándose en la 4ta generación de sastres de la familia, ya que sus abuelos y tatarabuelos también lo eran. Él comenzó a aprender el oficio a los 18 años y luego ingresó a extinta Escuela de Sastrería.

"A mí siempre me llamó la atención lo hábil que era y la perfección de sus trabajos, esto se reflejaba en la cantidad de clientes que tenía en sus sastrería a diario. Era un personaje en su barrio además por su personalidad amistosa. Y eso fue justamente fue lo que me motivó a organizar esta sesión de fotos. Mi padre no tenía registro digital de su trabajo, todo era del dato, del boca a boca y me parece fundamental dejar registro digital y contemporáneo de su trabajo como sastre para que el oficio de la sastrería siga circulando en el presente.






Su especialidad en el área son las chaquetas y los pantalones. Siempre trabaja a medida y con telas nobles como el lino o la lana, detalle y argumento que también destaco. Nunca perdió ese enfoque de trabajar con materiales nobles y naturales (tiene una colección impresionante de telas de fabricación chilenas e italianas)", narra Matías. 

De hecho, hasta el día de hoy sigue desarollando proyectos en el área desde su casa donde armó un taller, cultivando un estilo propio de corte y patronaje. 


Matías, explica que el apogeo de su padre como sastre fue entre los 70s y los 80s cuando sus trajes aparecían en revistas y televisión, gracias a figuras de la época como César Antonio Santis.

"En esa época tuvo una fábrica en Recoleta, comuna donde creció y vivió muchos años. Esta fábrica tuvo su momento de esplendor por muchos años, pero con el paso del tiempo fue cayendo a medida que fue llegando la ropa china del retail. Ello lo llevó a independizarse logrando tener una sastrería de autor en Av. Vitacura donde sólo trabajaba con una asistente, su prima (su mano derecha por más de 20 años)", añade.


Para Matías lo importante de esta historia y de la fuerte influencia que ha tenido la herencia de padre en su trabajo artístico está ligado a 5 conceptos: constancia, disciplina, amor, convicción y resistencia. En este último punto insiste en "la resistencia que hay en realizar arte y un oficio en Chile y todo el equipo que creyó en esta historia para realizar esta sesión fotográfica".


La editorial de moda desde la mirada de su protagonista Iván San Martín


Ante la pregunta de por qué es necesario relevar los oficios tradicionales como la sastrería, a través de iniciativas como la llevada a cabo por su hijo Matías, mediante la editorial de moda, Iván contesta enfático: "porque no se deben perder los oficios y es importante dejar legado a los hijos o a cualquier persona que le guste aprender de esta forma, traspasar estos conocimientos como herencia y sin egoísmo, para que no se pierdan en el tiempo". 

En ese sentido, señala que los oficios están siendo afectados por el consumismo y la sobreproducción, que lleva a que la gente prefiera el precio por sobre la calidad y no mire la etiqueta, ignorando la composición de telas y dónde fue fabricada.

"Todos los oficios antiguos deben volver para perpetuar el trabajo hecho a mano y a medida. La gente piensa que es caro, pero a la larga estás comprando algo exclusivo, adaptado a tu cuerpo y duradero. La prenda hecha por el sastre no pierde su forma con el uso ni el tiempo", subraya.

Iván confiesa que la editorial de moda desarrollada por Matías, lo sacó de una pausa en la que se encontraba y lo motivó a retomar sus labores de sastrería en su taller.



¿Cree que la pandemia esté cambiando la percepción de las personas respecto al trabajo manual y los oficios, particularmente a la labor de los sastres? 


"A la gente que le gusta vestirse bien seguirá vistiendose a medida. Creo que por la pandemia la gente está comprando menos en las grandes tiendas y dándole valor a lo hecho a mano y a las reparaciones.

Tiene que volver lo artesanal, reparar la ropa y no comprar más de lo que se necesita. Creo que de a poco se está revalorizando el oficio.

Yo al cliente lo guío en como debe vestirse, le doy una asesoría de sastrería o de imagen y como debe combinar el traje; cuál zapato usar, etc. Según la ocasión por la cual llega a mi taller".



Hoy nos enfrentamos a nuevas formas de vestir debido a la baja interacción social y al relajo de los códigos estéticos. ¿Cómo este cambio de mirada desafía su trabajo?


"Pienso que esto irá pasando paulatinamente. La gente estaba más relajada al vestir dentro de sus casas y mi vestuario es para salir a instancias de interacción social (trabajo, eventos, matrimonios, exposiciones de arte, etc) . Creo que es importante que en Chile se empiece a tomar conciencia en el buen vestir, usando telas de calidad y duraderas.

Hacer un traje a medida es un arte; estás trabajando con la anatomía particular de cada persona y combinando colores en telas y este trabajo se expone en estas instancias de reunión. Es importante que apoyen a los artesanos. Estoy muy agradecido de todos los que hicieron posible la editorial de fotos y con personas como tú, Sofía, que se interesan en este trabajo y le dan un espacio nuevo a través de este medio", concluye Iván.





¿Dónde seguir su trabajo? En la cuenta en Instagram de San Martín Sastre.

Créditos editorial
Fotografía: Patricio Miranda / Estilismo: Javiera Reyes / Maquillaje: Karina Lobos / Arte: Matías San Martín Yacob / Producción: Trinidad Herrera / Modelos: We Love Models / Estudio: Estudio Fe.

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