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Armenté: indumentaria comprometida con el rescate de oficios, técnicas textiles y artesanía local

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El año que pasó en Londres estudiando en Central Saint Martins, la diseñadora, Francisca Villela Armenté reafirmó su deseo irrefrenable de crear una marca de ropa. Sin embargo, su regreso a la realidad nacional, frenó parte de sus anhelos hasta que entendió que hoy era el momento para desarrollar una moda con sentido, lo que la llevó a dar a vida asu etiqueta de indumentaria, Armenté basada en una "estética romántica y fuerte a la vez, que pretende mostrar a una mujer atractiva que no tiene miedo a usar colores, volúmenes y texturas". Hoy nos contará más detalles sobre esta apuesta creativa, en la que el rescate textil es parte del hilo conductor.

La propuesta de Armenté


Francisca afirma que el compromiso de Armenté es 100% con las materias primas y mano de obra local de calidad. De hecho, sus prendas son realizadas a partir de textiles vintage o fuera de stock producidas antiguamente en la industria nacional."Se revalorizan textiles abandonados otorgando un valor extra a la propuesta", insiste.

Lo anterior se entrelaza con la idea de que cada prenda cuente una historia priorizando el rescate de oficios, técnicas textiles tradicionales y artesanía local. "En cada colección se integra algo de esto. Nos sentimos comprometidos a reconocer, apoyar y valorar a nuestra industria tradicional local", expresa.



Ese ideal, se expresa en su primera colección verano 2021 llamada "Pergoleras", la que está inspirada en lugar donde creció: la Séptima Región de Chile y en la que utilizó textiles nacionales de la década de los 70. "Las pergoleras son esas mujeres que llevan las flores del campo a la ciudad, dándole color y vida al contexto urbano cotidiano", explica.

En la línea con "Pergoleras", el rescate de textiles antiguos se ha transformado en un punto de partida clave en su proceso de diseño, porque lo que comienza como una restricción se transforma en una oportunidad. "Siempre trato de enteder las características de un material primero, para luego llevarlo a su máxima expresión", complementa. 







La importancia de desarrollar moda con identidad local para Armenté


"Nuestro país tiene mucho que ofrecer patrimonialmente, tenemos una artesanía local increíble y el mundo goza al verla. Los extranjeros vienen a nuestro país y no pueden creer lo cerca y vivos que están nuestros oficios, y por otro lado, nosotros al tenerlos de toda una vida nos cuesta valorarlos. Es por eso que uno de mis principales objetivos como marca es trabajar con artesanos, y en esta primera colección esto se materializa en sombreros de paja tejidos por los artesanos de Ninhue. Todo esto a distancia por la pandemia, pero logrando muy buenos resultados".







¿Crees que el actual contexto propiciaría un cambio en la forma de hacer y consumir la moda? ¿Cómo estás asumiendo esos retos?


"El mayor desafío que enfrenta la industria de la moda chilena es que los consumidores se desacostumbren al fast fashion, a esa idea de tener que renovar el clóset constantemente y seguir tendencias que permitió bajar la calidad de los materiales y hacer prendas practicamente desechables a precios muy bajos, donde no me cabe duda, hay alguien en la cadena productiva que está pagando el precio.

Como marca quiero transparentar las materias primas, los procesos y las personas que participan en la creación de una prenda, para así concientizar al cliente sobre lo que esta comprando. Es un desafío, porque lamentablemente estamos tan acostumbrados (hasta nosotros los diseñadores) a interactuar con ropa en nuestro día a día, que olvidamos todo lo que costó producir esa prenda". 




El principal desafío de Armenté en pandemia 


Francisca relata que la pandemia la ha obligado a bajar la velocidad y entregarse a la idea de "no saber".  "Partiendo porque tuve que posponer el lanzamiento de mi primera colección que iba a salir en marzo de este año, pero que al día de hoy, después de varios meses devuelta en mi casa de Linares, salió a la luz con mucha más fuerza y sentido. Aparecieron materiales, inspiración y personas que me hicieron querer seguir con más ganas este proyecto, a pesar de las dificultades que todos estamos enfrentando", señala. 




Imaginando el futuro de Armenté


"A futuro, veo a mi marca posicionada en el mercado internacional de la moda, como un medio que visibilice técnicas, materiales, procesos y oficios de nuestro país, a través prendas de indumentaria. Cada prenda es una historia y lograr que el cliente se enamore y génere un vínculo emocional con lo que esta comprando es un gran desafío. Por eso apuesto más por las prendas únicas hechas con textiles rescatados de distintas partes de Chile. 

Espero lograr transmitir de la mejor manera lo que es para mí el encontrar abandonados bordados de los años 50, sedas de la India, linos estampados, y saldos de telas que en algún minuto fueron producidos en nuestro país y que eran realmente un lujo. Para luego darles una segunda vida como parte de nuestra indumentaria cotidiana", concluye.




¿Dónde comprarla? En su cuenta en Instagram y al email contacto@armente.cl


Créditos producción
Fotografía: Esteban Vargas / Maquillaje y pelo: Josefa Inostroza / Estilismo: Jazmín Cortés / Modelos: Erly Augustín y Sara Caballero / Colaboradores: Camila Romero y Rodrigo Romero 


Evea EcoFashion: calzado y materiales sostenibles para la moda

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La selva peruana fue el escenario, donde comenzó la historia de la empresa de materiales sostenibles especializada en calzado, Evea Eco Fashion, que congregó a los peruanos Cristián Gutiérrez, Jorge Cajacuri, y Celeste Moreno en torno a una visión: crear un proyecto de moda con impacto ambiental y social, en el que el caucho silvestre sería el protagonista. "Viajamos por la Amazonía, para conocer a las comunidades y familias que trabajan está técnica ancestral. Conocimos gente maravillosa y lugares mágicos. Involucrándose en esta investigación, biólogos, ingenieros, ambientalistas, diseñadores, artesanos, laboratorios, con un fuerte compromiso de aportar en el cuidado de nuestro planeta", explican. Hoy revisaremos la materialización de sus convicciones.

La propuesta de Evea EcoFashion 


Cristián, Jorge y Celeste están convencidos que "la moda tiene el potencial para inspirar un cambio de conciencia y convertirse en una actividad que impacte positivamente en el planeta y las personas". En esa línea definen a Evea EcoFashion como una empresa social de moda sostenible, con una visión de producción responsable e inclusiva que contribuye a la conservación de la biodiversidad, al cuidado de bosques y al desarrollo de familias y comunidades.

En esa línea su opción por los materiales sustentables (caucho silvestre, textil recuperado y algodón orgánico) influye completamente en su proceso creativo. "Para nosotros es importante que nuestros productos tengan trazabilidad, y por eso hacemos talleres con las comunidades indígenas sobre el proceso, trabajamos con ingenieros, biólogos, químicos y botánicos en los desarrollos, diseñamos nuestros productos con nuestros propios materiales y verificamos los procesos que desarrollan nuestros proveedores. No usamos cuero animal y procuramos disminuir el plástico al mínimo indispensable", explican. 




¿Cuáles han sido los principales aprendizajes de su trabajo con comunidades indígenas?


"La idea de trabajar con comunidades es proporcionarles una alternativa que les permita obtener ingresos económicos del bosque sin talar. En ese proceso hemos logrado incluir en una práctica artesanal, que por lo general solo lo hacen los hombres, a mujeres de diversas edades, jóvenes y mayores. Lo más interesante es que los comuneros empiezan a entender lo que es el emprendimiento, e invierten sus ganancias en negocios locales, como por ejemplo comprar un bote para transportar personas o cosas, o comprar aves de corral para vender su carne. De esta manera amplían sus ganancias, y entienden que ellos deben tomar acciones para resolver sus problemas y no esperar que el Estado o alguien externo les resuelva, para mí eso es muy valioso.

El trabajo con comunidades es muy delicado por eso nos ayudamos con organizaciones de la zona que nos ayudan con información y coordinaciones", relata Jorge.



La importancia de la asociatividad en pos de una moda sostenible


Jorge comenta que para ellos ha sido muy importante asociarse con diversas instituciones públicas y privadas, ya que les permite generar un impacto social y ambiental directo y lograr una inclusión real.

"En Evea trabajamos con comunidades en selva, y para lograr que funcione necesitamos de alianzas locales e influyentes, con la que compartamos el mismo objetivo. Nuestro principal aliado en la selva es Sernanp (Servicio Nacional de Áreas Naturales Protegidas por el Estado). Ellos nos apoyan con monitoreos, gestión e información. Esta asociación se da ya que el Estado tiene como política incentivar la relación empresa y comunidades, en dinámicas de beneficio mutuo. Tenemos también otros aliados que nos apoyan en temas de difusión y financiación para determinadas innovaciones", explicita.





El principal desafío de Evea en tiempos de pandemia


Según Jorge sus mayores desafíos en tiempos de pandemia estuvieron ligados al congelamiento de las ventas y la detención de proyectos que venían ejecutando. "Esto nos llevó a replantear procesos y diseño de productos enfocados en la sostenibilidad desde la simpleza. Tuvimos que replantear nuestra gestión con proveedores, ya que algunas empresas que trabajaban con nosotros han quebrado. Lo que nos ha ayudado mucho es el público ganado en redes sociales y el posicionamiento que hemos construido en los años de trabajo. Actualmente estamos sacando nuevos diseños que están teniendo una acogida interesante", afirma.





¿El futuro de Evea?


Jorge se apresura en afirmar que Evea no es una empresa de calzado, sino una empresa que desarrolla materiales sostenibles para la moda. "Nuestra visión es lograr otras alternativas de materiales de impacto para la industria de la moda desde la economía circular. Esperamos en un futuro cercano entrar a otros mercados, como Europa y EE.UU.", concluye. 

Fashion Open Studio llega a Chile y Latinoamérica: súmate a la convocatoria

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Celebrar a las personas y los procesos que hay tras la elaboración de nuestra ropa es el objetivo que persigue Fashion Open Studio, iniciativa creada por Fashion Revolution, en 2017, y que contempla una semana de presentaciones, conversatorios y talleres con diseñadores emergentes, reconocidos pioneros y grandes nombres del mundo de la moda. Es decir, una oportunidad para visibilizar a la moda sostenible y crear redes internacionales de buenas prácticas. La excelente noticia para Chile y Latinoamérica es que en su versión de abril 2021, nuestro país y el continente también tendrán sus representantes. Hoy te contaré cómo postular si eres chilenx o vives en nuestro gran vecindario latino, cuyas convocatorias cierran el 16 y 15 de noviembre respectivamente.

La convocatoria chilena de Fashion Open Studio


La convocatoria de Fashion Open Studio llega, por primera vez en Chile, de la mano de la Asociación Gremial Moda Chile, en conjunto con la Escuela de Diseño Campus Creativo de la Universidad Andrés Bello.

¿A quién está dirigida? Diseñadoras, diseñadores y marcas. 

¿Qué busca Fashion Open Studio? Fashion Revolution apuesta por proyectos creativos, que cumplan con los criterios relacionados a la innovación y disrupción para abordar la transparencia, trazabilidad, responsabilidad socioambiental y de economía circular.

¿Quiénes seleccionarán a la "delegación chilena"? El Comité de preselección (Chile), Fashion Open Studio está compuesto por especialistas nacionales en las áreas de diseño de vestuario, economía social, académica y de medios de comunicación especializados. Entre los que se encuentran Francisca Tornero, presidenta de la Asociación Gremial Moda Chile; Natalia Urnia, coordinadora de Carrera Diseño de Vestuario y Textil, UNAB; Bárbara Pino, directora Observatorio MODUS/MODA UDP; Gerardo Wijnant, subgerente Responsable de Impacto en Doble Impacto; Javiera Amengual, directora de Franca Magazine; y yo, Sofía Calvo, directora de Quinta Trends Latinoamérica.



¿Cuántas marcas / diseñadorxs se seleccionarán? Serán 3 marcas / diseñadorxs los que representarán a Chile en Fashion Studio

¿Plazo de postulación? Lunes 16 de noviembre 2020 a las 12 pm.

¿Dónde postular? Para postular a la preselección de Fashion Open Studio, se debe completar el cuestionario publicado en el sitio web de Fashion Revolution Chile www.fashionrevolution.cl  

¿Más información? Al correo chile@fashionrevolution.org y/o al Whatsapp +56954415111



La convocatoria latinoamericana de Fashion Open Studio


En la convocatoria emanada de Fashion Revolution Argentina para Argentina, Perú, Uruguay, Ecuador y Guatemala se especifica que un panel especializado en moda sostenible, derecho de la moda, diseño, arte textil, se definirán 3 preseleccionados por país para que sean parte de este evento internacional. 

Los proyectos presentados deberán tener al menos 3 de los 6 criterios de selección que detallamos a continuación:

  1. Economía circular: búsqueda activa de modelos de negocios que ponen el planeta y las personas antes que el lucro. Economía con base sustentable, que permita sostenerse a ellos mismos como un negocio o empresa social, con responsabilidad de pagar a sus empleados, proveedores y socios.

  2. Criterio de sustentabilidad: soluciones a problemas particulares en la cadena de suministro / abastecimiento / sistema de producción para eliminar residuos / contaminación.

  3. Trazabilidad: tener un emprendimiento que contemple transparencia y responsabilidad en su procesos, abastecimiento y precios para mostrar el valor de su producto o de su servicio.

  4. Moda regenerativa: comprender y utilizar sistemas regenerativos en sus elecciones de materiales, servicios que ofrecen, para reparar, revender, rejuvenecer la ropa y textiles existentes.

  5. Repensar la moda: contemplar la creación y fomentar nuevas e innovadoras formas de uso de ropa, producción y transacciones de compra.

  6. Precio y cadena de valor justa y transparente: que utilice redes locales para conectar la producción de fibras naturales de valor y remuneración justa a los fabricantes. Crear sistemas regenerativos de producción y uso de ropa.


¿Plazo de postulación? Hasta el domingo 15 de noviembre 2020.

¿Dónde postular? Los interesados deberán completar el formulario en este link, detallando cuáles son sus objetivos, procesos, alcances e impacto en sus comunidades y en su relación con proveedores.

¿Más información? A lo correos argentina@fashionrevolution.org (Argentina), peru@fashionrevolution.org (Perú), uruguay@fashionrevolution.org (Uruguay), guatemala@fashionrevolution.org (Guatemala) y ecuador@fashionrevolution.org (Ecuador).



Más detalles de Fashion Studio


Fashion Studio ha reunido a grandes figuras de la moda internacional como parte del programa de esta iniciativa. Entre ellos encontramos a Vivienne Westwood con un taller de costura, Katharine Hamnett, Duran Lantink, quien fue su primer diseñador residente en asociación con el British Council, Priya Ahluwalia, Patrick Grant, Stella McCartney y RealReal. A nivel internacional, algunos diseñadores de alto perfil con los que han trabajado son Kowtow (Nueva Zelanda), Bodice (India), Emmy Kasbit (Nigeria) y Rafael Kouto (Suiza).

Puedes conocer a los diseñadorxs que han participado en versiones anteriores en su sitio web





(Fotos gentileza de Fashion Open Studio)

12na presenta Chirak en BRIFW: moda y despertar inmersivo en Brasil

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La pandemia no ha amilanado el movimiento de la moda latina a lo largo del mundo. Si bien hoy, las pasarelas son digitales, las experiencias adquiridas en estos formatos está marcando nuevas maneras de presentar y comunicar la moda. Un nuevo ejemplo de ello, lo encontramos en la marca de indumentaria basada en suprareciclaje, 12na, que acaba de ser parte del Brazil Immersive Fashion Week (BRIFW), una plataforma en línea multicanal donde las marcas, lxs diseñadorxs independientes, lxs artistas y los consumidores pueden interactuar con la moda a través de una narrativa inmersiva altamente digital. En ese contexto mostraron su film Chirak, una propuesta que habla de un Chile que despertó convocado por una juventud sin miedo. Te invito a sumergirte y seducirte por el universo de Chirak de la mano de 12na. 

Chirak de 12na en BRIFW


Mariano Breccia, uno de los fundadores de 12na, me cuenta que Pia Rey de Super Vogue Talent los convocó para ser parte del BRIFW, que reunió a otras marcas latinas tales como Nous estudio, Chian, Angela Brito, Juan de la Paz y Felipe Fallo, entre otrxs.

"Como espacio abierto a la experimentación de la moda y la tecnología, BRIFW crea un entorno único para estimular nuevas ideas en estas dos áreas. Nuestro objetivo es ampliar las visiones prospectivas del futuro de la ropa", declaran en su sitio web.

En este contexto, la participación de 12na en este interesante evento consistió en la exibición de un film -el 7 de noviembre- que muestra el proceso digital imersivo de 12na y en una charla que realizarán el 11 de noviembre en una plataforma inmensiva.

Respecto a los aprendizajes derivados de esta inicitaiva, relata que el proceso fue muy abierto. "La participación de los artistas fue muy espontánea", afirma.





Pero no sólo la forma en que fue creada y comunicada esta propuesta se realizó bajos nuevos paradigmas, sino también su comercialización se sumará a esta apuesta. De hecho, Mariano señala que las piezas de la colección se venderán de varias formas: "algunas de manera convencional, otras para customización personalizada, otras el cliente podrá participar del diseño y hasta venderemos algunas tutoriales, además de algunas colaboración sorpresa", explicó. 



Sobre Chirak


El relato de Chirak es claro y contundente: "Chile despertó convocados por una juventud sin miedo, renovada, que desde la calle, desde los torniquetes del metro gritaron moviendo un sueño dormido. Despertó la esperanza y eso siempre es una fiesta. 

La fusión y el contraste se sintió Chirak, cuando los niños que nos habitan se vieron enfrentados en su expresión por la tiranía y la opresión.  Sin embargo la gente ya había despertado y la solidaridad, el apoyo mutuo, el empoderamiento no cesaron.

Inspirados en la calle, encontramos en la música de Martín y Pascal de Metalengua y en su tema 'Chirak' un disparador para generar estas piezas que revelan la revolución, la fusión, la diversidad, la inclusión, la empatía y la transformación.

De la calle y los cantos colectivos al textil. Vestir puede convertirse en un acto político cuando es auténtico y autoimpulsado desde el suprareciclaje.

El suprareciclaje representa la democratización de la moda. Una moda que no debe venir pautada sino que debemos renovarla. Ya no dormimos, somos conscientes, y eso lo va a transformar todo. 

La colaboración entre músicos, diseñadores, artistas transmediales, editores fluyó como nunca y como siempre que hay una causa común.

Desde Valparaiso con amor", concluyen 12na.





Créditos de Chirak
Música original: +Metalengua @metalengua / Remix: +Fernando Milagros @fmilagros / Dirección: +Docena @12narecicla / Ph +Luis Gonzalez @firegrowing / Edición: +Luis Gonzalez @firegrowing / Montaje digital: +Nicolas Stark re_volver__ + Cecilia Checa @ccccheca + @delight_lab_oficial / Escaneo digital, animación y fx: Roberto A. Rojas @acidrob / Dirección de arte: +Docena @12narecicla / Styling: +Andrés Arjona @andreselarjona +@12narecicla / Vestuario:  +Docena @12nastore / Accesorios: +Andrés Arjona @andreselarjona / Calzado: Abrupto @abrupto +Docena @12nastore / Acting and Dancing: Bailarin Miguel Soto (An Devenires) @andevenires +Músico Martin Torres Miranda@metalengua +Músico Pascal Torres Miranda @metalengua +Mechi Martinez @mechinlove +Nicolas Stark @re-volver__ +Mariano Breccia @monstrologo +Akira 

Pasarela Valparaíso: 10 años como plataforma de la moda chilena con identidad

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La continuidad tanto del relato como de su producción ha llevado a Pasarela Valparaíso no sólo a transformarse en un evento icono de la carrera de diseño de vestuario de DUOC-UC sede Viña del Mar, sino también de la cartelera de la escena de la moda local. De hecho, esta plataforma ha logrado una alta valoración entre los diseñadorxs y las instituciones que apoyan su realización, entre ellas QT. Ad portas del inicio de las celebraciones de esta década conversamos con dos de sus artífices: Vivian Urmeneta, ex directora del evento del que hoy es su “asesora senior”, junto a Teresa Fernández, quien asumió el liderazgo y gestión de esta décima versión. Ambas recapitularon la historia de Pasarela, analizaron sus proyecciones y eligieron sus momentos más emblemáticos. Te invito a revisar su interesante testimonio.

Recapitulando la historia de Pasarela Valparaíso


Vivian no duda en afirmar que “Pasarela Valparaíso es un evento improbable”, ya que año a año se produce a pulso, gracias a un tremendo equipo de docentes de la carrera de diseño de vestuario de DUOC-UC sede Viña del Mar (foto inferior) junto a una red muy activa de personas -muchas de ellas mujeres- ligadas a diversas instituciones públicas y privadas, que han creído en esta plataforma y han impulsado su puesta en escena.

Teresa lo corrobora: “Es un evento que sucede por mucha casuística, que se renueva año a año, pero que tiene como base el compromiso de personas que están en espacios estratégicos en la región”

Equipo de organizador de Pasarela Valparaíso compuesto por docentes de la carrera de diseño de vestuario de Duoc-UC sede Viña del Mar


En esta línea, en la conversación salen a la luz muchos nombres de mujeres y hombres que fueron y son claves en la materialización de este sueño, que en sus inicios tomó como referentes a Barcelona 080, a Colombiamoda y su ecosistema; y al sistema moda italiano.

Fue así como desde su nacimiento, Pasarela Valparaíso buscaba posicionar lo académico aprovechando el contexto de la moda porteña, de tal manera de nivelar a sus alumnxs como a lxs emprendedorxs.

No obstante lo anterior, tanto Vivian como Teresa insisten que desde la primera versión, tuvieron claro que debían cumplir con ciertos estándares, sin pretensiones, pero poniendo como foco a la industria. “Ser un hito de la industria, más que un espectáculo popular”, afirma Vivian.

Esa meta las llevó a que los primeros tres años fueran de aprendizaje en puesta en escena y backstage hasta que se produjo el “punto de quiebre”. Ese momento está marcado por el arribo al Parque Cultural de Valparaíso. “El entorno nos acompañó en ese deseo”, explicita Vivian, ya que desde ahí cambió la manera en que Pasarela Valparaíso comenzó a ser valorada y percibida por otros.


Pasarela Valparaíso 2013: su primera vez en el Parque Cultural de Valparaíso

Eso la ha llevado, según Teresa, a transformarse en “un soporte para los diseñadorxs, y no sólo un espacio para crear buen material de comunicación de marca”.

A su vez, Pasarela ha logrado equilibrar la noción de industria nacional con las capacidades creativas, haciéndose cargo de “aquellos que tienen un relato de identidad, pero que no necesariamente son empresa”.

Por lo tanto, para Vivian y Teresa, ello podría ser uno de sus principales sellos de esta plataforma: relevar las capacidades creativas, que se conectan con lo académico, pero que no siempre tienen tan resuelto el modelo de negocio. Sin embargo, a través de su potencial creativo podrían aspirar a la ansiada sostenibilidad económica.

A lo anterior se suma, el valor que los alumnos y alumnas de la carrera de diseño de vestuario le dan a este evento y su programa anual. “El material de Pasarela es fundamental para ellos; mejoró mucho el nivel de lo que hacían, de las propuestas, de la conexión con la realidad creativa. Es una vitrina. Ha sido una aventura que ha acompañado y alimentado este proceso”, expresa Vivian.

“Es una instancia para que puedan aprender unos de otros, lxs estudiantxs con los diseñadorxs”, complementa Teresa.



El hito de los 10 años y su mirada al futuro


Teresa es enfática en señalar que a pesar de cumplir una década de funcionamiento todavía no se dan las condiciones internas y externas para que esta plataforma logre una autonomía fuera de DUOC-UC, lo que se explica por el grado de maduración de la escena de la moda local. “Pasarela todavía requiere un subsidio para funcionar. No existe un contexto para lograr un modelo de negocio independiente”, reafirma.

En ese sentido, celebrar los 10 años de vida en plena pandemia fue un desafío, pero a la vez una prueba de la continuidad del evento. 

Por lo tanto, sus proyecciones futuras se traducen en lograr consolidar la red de instituciones que apoyan Pasarela, entre las que se encuentran la Seremi de Cultura, el Parque Cultural Valparaíso, ProChile, Valparaíso Creativo y la Cámara Regional del Comercio de Valparaíso (CRCP). “Generar una plataforma de acción respecto a la moda a través de este ecosistema de instituciones, que se congregan en torno a Pasarela”, especifica Teresa.



Momentos claves de los 10 años de Pasarela Valparaíso


Si bien a la hora de seleccionar momentos claves o icónicos de los 10 años de Pasarela Valparaíso los recuerdos se sobreponen y mezclan, tanto Vivian como Teresa se la jugaron por mencionar algunos.

Unánimemente, la presentación en la versión 2014 de Ignacio Lechuga con sombreros de Patricia Correa, fue una de las más significativas para ellas. No sólo porque fue la segunda vez que esta marca de indumentaria masculina desfilaba en el evento, sino también por su gran componente emotivo y cuidado estilismo y puesta en escena.



Para Teresa, a ella se suma, la participación en 2015 de Rodolfo Vera con vestidos que combinaban lo artístico con la espectacularidad. Además del desfile de Pelff en 2018, que demostró como un concepto simple podría lograr escalabilidad.



Por su parte, Vivian suma al “recuento de momentos”, la primera presentación de Berlina Cárdenas en 2015 con su concepto de origami y cero residuos. Así también la colaboración de Pitti Palacios con San Marino en 2017, que supuso un trabajo de asesoría y acompañamiento a artesanxs de La Ligua. “Como colección fue muy consistente, porque tuvo un componente súper amplio. Verlo en Pasarela con esa prestancia y dignidad fue muy bonito”, relata Vivian.



Para cerrar Teresa menciona la foto más impactante de Pasarela Valparaíso en sus 10 años: la selfie de Cote Miller en el desfile de Sr Gonzalez en la versión 2018. De hecho, ella la llama “la foto azul”. “Nos mostró una belleza de Pasarela, una construcción súper atractiva y distinta. Para mí es un icono dentro de la historia. Tiene una densidad, un punto de vista, una dignidad”, concluye.  



Datos a considerar de la versión aniversario


Debido a la pandemia, Pasarela Valparaíso desarrollará su programa de actividades solo en formato digital. En ese sentido, hoy 12 de noviembre realizará un lanzamiento de prensa y webinar internacional para terminar con el estreno digital de las propuesta de la 10º versión de aniversario, el jueves 19 de noviembre a las 21 hrs en la cuenta de Pasarela Valparaíso en YouTube.

Elisa de Cordova y su Project SS/2021: moda conectada con la cultura Aymara

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Hacer moda comprometida con el territorio, que se transforme en un vehículo para el florecimiento de las comunidades impulsa parte del trabajo de la marca homónima de indumentaria de la diseñadora Elisa de Cordova. Esta aspiración se refleja con fuerza en su propuesta primavera - verano 2021, Project, en la que recoge parte sustancial de la cultura Aymara no sólo en la inspiración, sino también en el hacer. Para ello estableció acuerdos de comercio justo con tejedoras de Alto Hospicio para desarrollar una colección de textiles, que fusionan tanto técnicas ancestrales como de la sastrería moderna, además de trabajar con algodones orgánicos y sedas recicladas de Brasil. El resultado nos traslada automáticamente a la calma y el silencio del altiplano. Una quietud necesaria en tiempos inciertos. Te invito a conocerla.

Project SS/2021 de Elisa de Cordova


Cada una de las piezas de la colección Project SS/2021 de Elisa de Córdova está desarrollada con la primera esquila de alpacas, hiladas y teñidas a mano en telar de 4 estacas por artesanas aymaras.






















Con una mirada social y compromiso sustentable, por cada venta realizada el 5% regresa a la comunidad Aymara que tejió el textil.


¿Dónde comprarla? En su tienda online y redes sociales.


Créditos editorial

Yo lo probé: aromaterapia óleo del bosque de albaderm

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Este año ha sido intenso en muchísimos sentidos. No sé ustedes, pero han habido momentos en que me he sentido abrumada y tremendamente cansada. Por lo mismo he buscado alternativas naturales para lograr equilibrar mi cabeza, sentirme más tranquila y poder continuar en medio de esta incertidumbre que no nos soltará por un buen rato. En ese proceso descubrí la línea de Aromaterapia de albaderm, y decidí comprar el óleo del bosque, también llamado óleo de rescate. En las próximas líneas, les cuento más detalles sobre él.

Aromaterapia óleo del bosque de alba derm 


Los olores nos despiertan múltiples sensaciones y nos permiten aislar los pensamientos negativos. Debido a ello decidí probar la línea Aromaterapia de albaderm, particularmente su  óleo del bosque, que dice ser "un alto al estrés, un stop natural para reemplazar el estado mental negativo y volver a uno mismo".

¿Cómo se usa? Este producto es un pequeño roll on (debes agitar antes de usar), que deben aplicar en las sienes, cuello y muñecas, frotarlas y respirar profundamente. El aroma es intenso y te envuelve absolutamente. En ese sentido, debes estar segurx de cual utilizar, porque si no  el efecto puede ser el contrario.



En mi caso, el óleo del bosques contiene un mix de 16 aceites esenciales naturales distintos entre los que se encuentran bergamota, canela, cedro, citronella, eucaliptus, geranio, jengibre, lavanda, lemongrass, melisa, romero, palmarosa, pino, salvia, sándalo e ylang.

Yo lo he usado antes de acostarme o en diferentes momentos del día, donde mi cuerpo se ha "agarrotado" por el estrés del día.

A mí me gustó su intensidad y aroma envolvente, pero he estado con personas que lo han olido y lo han encontrado "pasoso". Me imagino, que cada uno sabe la tolerancia a este tipo de productos y si efectivamente le conviene (la idea no es sentirse "ahogadx").

Yo doy fe que es un óleo de rescate y lo tengo en mi clóset como S.O.S cotidiano.

Ah! en el sitio de Apicola del Alba encontrarán una interesante variedad de óleos roll on para la concentración, sueño, energía, entre otros.

Y ustedes ¿lo probarían?

¿Dónde? En la tienda online de Apicola del Alba
¿Valor? $7.500 (US$9,78)

Wild Lama y su línea de vestidos con la Fundación Aprendiendo Trabajando de Ecuador

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Con la meta de que el 100% de su colección 2021 perteneciera, al menos, a uno de sus cinco pilares (Reciclado, Reutilizado, Orgánico, Comercio Justo o Con Causa), la marca de indumentaria, Wild Lama se abocó a buscar alternativas estilosas, de buena calidad y sin dejar de lado el estilo wild, que les ayudaran a cumplir ese propósito. En ese proceso, surgió la idea de hacer prendas junto a la fundación ecuatoriana “Aprendiendo Trabajando”, que ayuda a más de 35 familias a salir adelante, entregándoles las condiciones laborales adecuadas, bajo el concepto de fair trade o comercio justo. Hoy, Charlotte Hildebrandt, su category manager marketing digital, nos contará más de esa experiencia y nos mostrará su nueva línea de vestidos realizada junto a las artesanas de "Aprendiendo Trabajando".

La relación de Wild Lama con Fundación Aprendiendo Trabajando de Ecuador


Charlotte cuenta que cuando Pier Paolo Colonnello, fundador de la marca, estaba viajando por Ecuador, pasó por un pueblo que se llama Montañita. Ahí entró a una tienda muy chica que vendía varias cosas artesanales y conoció a Rosamelia, co-fundadora de la fundación Aprendiendo Trabajando.

"Nos enamoramos del proyecto, del hecho de que fuera producción en bajas cantidades y de las posibilidades que habían de ayudar a estas personas creando productos locales y hechos a mano. Así que empezamos al tiro a ver qué podíamos hacer en conjunto", relata. 

El resultado fue una colección de guayaberas para hombres, otra para mujeres y su primera línea de vestidos, que estrenaron en 2019. "Fueron todo un éxito y además, fue una experiencia increíble conocer las caras de las personas que hicieron las prendas", señala. 




Sobre el proceso de producción junto a Fundación Aprendiendo Trabajando


Las telas de los vestidos son compradas por Rosamelia, co-fundadora de Aprendiendo Trabajando, en una tienda local de Ecuador, con los que confeccionan un stock de 30 y 40 por diseño. Esta cifra depende del estampado y el modelo a realizar.

Charlotte me explica que como Rosamelia conoce la visión y el estilo de su marca, y ellos realizan una selección posterior, que les permite que el proceso de producción esté en sintonía con sus pilares. "Las cantidades de estos géneros no son industriales, por lo que nos tenemos que arreglar con lo que encontramos, lo que hace que no haya la misma cantidad de stock de cada modelo", complementa.

Por otra parte, los vestidos se adaptan a cada tipo de cuerpo y estilo, puedes usarlo abierto como kimono o cerrado como vestido. El ajuste es al gusto de cada una porque tiene un amarre a la altura de la cintura que permite usarlo más ajustado o suelto. 








¿Cómo proyectan la relación con la fundación? ¿Tienen pensando realizar una acción similar en Chile con otra línea de productos?


"La fundación ha crecido mucho en conjunto con nosotros. El apoyo mutuo ha sido increíble y verlos crecer, para nosotros ha sido un gran logro. Por el momento si queremos seguir trabajando con Aprendiendo Trabajando, desarrollar más productos y replicar los que han tenido éxito.

Al final, dependemos de nuestros clientes, vamos creando productos en función de sus gustos y de sus compras. Por ahora hemos trabajado muy bien con la fundación y las prendas creadas en conjunto han tenido un muy buen recibimiento.

En cuanto a la producción en Chile, imitando a lo que hacemos en Ecuador, lo estamos evaluando constantemente, no necesariamente la confección, sino que también pueden ser prendas que apoyen otro de nuestros pilares", concluye.

¿Dónde comprarla? En su tienda online, así también como en LinioDafiti y grandes retailers nacionales.

Fanpage en Facebook

(Fotos gentileza de Wild Lama)

La sostenibilidad en la moda y la belleza según Adolfo Domínguez

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Desde la década de los 70, el diseñador español Adolfo Domínguez, mostraba interés por tener una vida más armónica con el medio ambiente. Este deseo, que fue plasmando en su vida cotidiana, se traspasó a su marca homónima de indumentaria y perfumes dando origen a una política de sostenibilidad, que los ha llevado a abogar por la ropa con vocación heredable, el consumo consciente y responsable, y el uso de materiales sustentables, tanto en sus líneas vestir como en sus perfumes. A propósito de una invitación que me hizo Adolfo Domínguez Perfumes para conversar en un live/vivo con Revista Velvet, el miércoles 18 de noviembre a las 10.00 hrs, hoy reviso cómo esta etiqueta está apostando por un "clean beauty" o belleza limpia, así también por una moda más lenta.

La moda sostenible en Adolfo Domínguez


La mejor forma de comprobar el compromiso real de una marca con un propósito de sostenibilidad es su persistencia en el tiempo. En el caso de Adolfo Domínguez, su compromiso con una industria de la moda más responsable, se evidenció de manera clara en 2018 con su campaña "Sé más viejo", que nos animaba a comprar ropa que durara en el tiempo; y ha continuado a través de "Repite más. Necesita menos", en que invita a encontrar el estilo al repetir prendas de nuestro clóset, haciendo un uso más intensivo y consciente de ellas. 



En esa línea no sólo ha apostado por materiales y procesos (como el basura cero), que minicen la huella de carbono e hídrica, sino también con servicios como ADN, que busca que "te equivoques menos" al rellenar un test de estilo que encuentras en su sitio web, el que posteriormente es analizado tanto por Inteligencia Artificial como por "personal shopper" de la marca, que te hacen llegar una caja con 5 prendas que interpretan tu estilo y que, dadas tus características, usarás de forma intensiva. Las pruebas 7 días, eliges la(s) que más te gusta y el resto lo devuelves sin cargo. ¿El objetivo? Crear un clóset que realmente utilices mucho y atesores.



La belleza sostenible en Adolfo Domínguez


En el caso de los perfumes de Adolfo Domínguez, la sostenibilidad se expresa en el "clean beauty" o "belleza limpia", que supone utilizar un 88% de ingredientes naturales; no contener parabenos ni organismos genéticamente modificados; ser cruelty free, es decir, no ser probados en animales; ser dermatológicamente probados; y tener el certificado Paper FSC en su packaging.

Todo lo anterior se traduce en fragancias, que buscan emular las sensaciones que provoca la naturaleza a través de dos líneas: la Bambú y la colección Aguas Frescas



Para comunicar lo anterior, no sólo han apelado al equilibrio con el medio ambiente, sino también a deconstruir las exigencias de la industria de la belleza, mediante campañas que apelan a "volver a la esencia, sin filtros ni aditivos"de la mano de la actriz María Pedraza



¿Conocías la ruta de la sostenibilidad de Adolfo Domínguez?

No te pierdas el live/vivo que sostendré con Revista Velvet y Adolfo Domínguez Perfumes, el miércoles 18 de noviembre 2020 a las 10.00 hrs en el IG de Revista Velvet, donde hablaremos más sobre la sostenibilidad de esta etiqueta y de mi compromiso con esta causa.


(Fotos y videos gentileza de Adolfo Domínguez)

Lupe Gajardo te invita a ser parte de su proyecto “Whomen”: resignificando el ciclo de la moda

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A la diseñadora chilena Lupe Gajardo (marca homónima) le gustan los desafíos, más aún cuando suponen deconstruir las lógicas tradicionales de la moda. Ese impulsó y la idea de lograr una verdadera democratización de la moda de autor, la motivó a levantar junto al estudio canadiense Derooted Immersive, un financiamiento colectivo o crowdfunding para materializar su proyecto “Whomen”, que promete no sólo una experiencia inmersiva de diseño, sino también cambiar los paradigmas de la producción y comercialización de la moda a través del "código abierto" y la "franquicia libre". Todo ello en el marco de la pasarela de febrero del London Fashion Week, donde podrá estrenar esta colaboración de la mano de su colección Lupe Gajardo "Pret a Porter 2021" collection X Derooted Immersive. Hoy nos contará más sobre ello y nos invitará a apoyarla en esta aventura. 

Lupe Gajardo y su “Whomen”


“Whomen” de Lupe Gajardo y Derooted Immersive es proyecto colaborativo que une la alta costura con las artes digitales para crear la colección Lupe Gajardo "Pret a Porter 2021" collection X Derooted Immersive. "Nuestro objetivo es crear una colección para ti, basada en un proceso creativo abierto que te sumerja en el diseño y la creación", explican.


Esta iniciativa permitirá a los creadores de todos los tipos y niveles tener acceso a 1/3 de los patrones que se utilizarán en la nueva colección de Lupe, pudiendo confeccionarlos con sus materias primas locales y dándoles el giro creativo que deseen.

En este sentido Lupe comenta que “Whomen” lo pensaron para acercar a la marca al consumidor final, ya que le entrega las herramientas para no sólo ser el receptor de la prenda, sino también su productor.

En esta línea, 8 de los patrones de prendas de Lupe se lanzarán bajo la licencia Attribution-NonCommercial-ShareAlike, que licencia permite que otros mezclen, adapten y construyan sobre el trabajo de Lupe sin fines comerciales, siempre que se acredite a Lupe Gajardo y se licencien las nuevas piezas bajo los mismos términos.

Asimismo, Lupe entrega la posibilidad, en las categorías más altas de contribución, de una especie de "franquicia abierta"para la venta al por menor de algunos de estos diseños, lo que supone un tremendo ejercicio de confianza no sólo respecto a sus creaciones, sino también al uso de su marca.



En ese marco, Lupe reconoce el hecho de que todos tenemos acceso a todo de manera legal e ilegal, por lo mismo con “Whomen” buscan facilitar la interacción entre marca y cliente. "Aunque entendemos que es probable que una persona lo tome y reproduzca en serie, pero no es donde apuntamos. Asumimos ese riego", confiesa.

Asimismo, cree que a través de este tipo de iniciativas se ataca el problema de raíz. "Si todos pudiésemos descargar los patrones o tenerlos en una 'nube" para hacerlos en una ocasión en particular, es una apuesta a cambiar la cadena de producción del vestuario y transformarla en algo absolutamente local, eliminando la cadena de transporte de frentón, fomento el uso de materiales locales. Es cambiar el proceso de cómo te llega un diseño, en este caso uno de lujo o alta gama, de manera mucho más accesible y también customizable, involucrando al consumidor". afirma

En esta línea, en Kickstarter, donde se aloja su crowdfunding, señalan que la unión de Lupe y Derooted es una oda a la democratización del proceso de diseño de moda, ampliando el alcance para permitir que los creadores de todo el mundo participen en él desde una colaboración abierta y cimentada en la confianza.



¿Te sumas a ella? Yo ya lo hice.

¿Dónde contribuir a “Whomen”? En el sitio de Kickstarter desde CA$20 ($11.600 app)

¿Hasta cuándo puedes contribuir? Hasta el jueves 17 de diciembre 2020.


Instagram de Lupe Gajardo

(Fotos y video gentileza de Lupe Gajardo)

El backstage de Pasarela Valparaíso 2020 en modo online

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(Equipo QT) A pocas horas de su estreno digital, Pasarela Valparaíso, logró sortear las dificultades derivadas de la pandemia para crear una nueva forma de presentar a las marcas y la selección de estudiantes, que serán parte de su versión 2020, en la que cumple 10 años. Como equipo QT tuvimos la oportunidad de asistir a uno de los días de grabación en los que también nuestro querido Cristian González de Sr. González, le tocó grabar su presentación para esta edición. Lo que vimos, percibimos y sentimos en esas horas, te lo contamos en las próximas líneas.

El lado B de Pasarela Valparaíso 2020


Para el Equipo QT, que Pasarela Valparaíso se llevara a cabo a pesar de las circunstancias en un formato inexplorado para la organización, es un aspecto que destacamos y aplaudimos. No sólo porque demuestra el posicionamiento que han logrado a lo largo de los años en la escena de la moda de autor nacional, sino también confirma su capacidad de adaptación y resilencia. 

En esta oportunidad, nos encontramos en el mismo "escenario" de siempre: el Parque Cultural Valparaíso, pero en un contexto completamente distinto debido a la pandemia. Todo el mundo se movía con mascarillas, la producción tenía además escudos faciales y trajes blancos (tipo Breaking Bad),  y los tiempos eran extremadamente acotados para entrevistas, sacar fotos y grabar. Todo ello porque el producto final o la pasarela sería, este año, un video.





Es más, producto de la nueva hora de cierre del Parque (las 16:00 hrs, se pensó días antes que sería a las 19:00 hrs), hubo momentos en que el nerviosismo y la ansiedad se sentía en cada rincón, ya que bastaba que una marca/diseñadxr no respetara sus tiempos/horarios para que todo lo demás quedara patas para arriba.

En el primer día de grabación (al que asistimos), de hecho, se notaba que se estaban trabajando con un nuevo formato, cuya marcha blanca nunca existió, por lo que todos los ajustes e imprevistos se tuvieron que resolver en el momento, apelando a la paciencia y comprensión de todos (obvio que siempre hay unxs que tienen que ser más comprensivxs que otrxs, pero esa es otra historia...).





Por lo mismo, no todas las imágenes que algunos creativxs tenían en la cabeza para el video de presentación pudieron plasmarse 100%, lo que generó un dejo de "tristeza" en algunxs, pero que dió cuenta de lo raro, extraordinario y complejo del momento presente.

En ese sentido, este Pasarela Valparaíso fue un tremendo ejercicio de flexibilizar, "soltar", y acomodarse, no desde la resignación, sino desde las opciones que entrega una contingencia tan dramática como la pandemia.







Ese espíritu fue vital para que las cosas fluyeran y se resolvieran los desajustes, que podían ocurrir por distracciones, apuros, y sobre todo atrasos, dado los escasos margenes de error, que permitía la hora de cierre del Parque.

Pero más allá de ello, escuchamos muchas risas, muchas conversaciones entusiastas, fuimos testigxs de reecuentros y de momentos realmente emotivos, que reflejan la pasión y profesionalismo del equipo multidisciplinario -proveniente de la sede Viña del Mar de Duoc-UC- que está tras Pasarela Valparaíso. El liderazgo de Tere Fernández fue crucial en ese sentido, y su preocupación por los detalles se agradecieron y plasmaron en gestos tan simples como que hubiera una buena colación para todxs.




¿Hay márgenes de mejora? Sin duda. Pero sin tener una mirada condescendiente creemos que el trabajo llevado a cabo en este contexto fue de alto nivel, lo que permitirá no sólo una serie de aprendizajes en cuanto a producción y edición, sino también abrirán nuevas posibilidades de mostrar Pasarela Valparaíso al país y el mundo. 

Esta cita demostró que cuando se unen las voluntades y las personas, todo es posible, incluso con una pandemia mortal rondando en escena.


¿Dónde ver el estreno digital de Pasarela Valparaíso?  El estreno digital de las propuesta de la 10º versión de aniversario, puede verlo hoy jueves 19 de noviembre a las 21 hrs en la cuenta de Pasarela Valparaíso en YouTube.

Revisa la versión digital de Pasarela Valparaíso 2020: 10 años promoviendo la moda con identidad local

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Los 10 años de Pasarela Valparaíso se celebraron en medio de una pandemia que paralizó al mundo. Sin embargo, la contingencia no detuvo los festejos, que si bien no pudieron realizarse a la antigua usanza, si se llevaron a cabo acorde con las tendencias de la industria de la moda a nivel internacional: a través del formato digital. En ese contexto, el jueves 19 de noviembre a las 21.00 hrs pudimos ser testigos del estreno digital de la versión 10del eventoque contó con destacadxs creativxs nacionales, además de una selección de estudiantes de diseño de vestuario de Duoc-UC sede Viña del Mar y Apoquindo. Mis impresiones de esta cita, las puedes revisar en las próximas líneas.

Pasarela Valparaíso 2020 en formato online


Si se pudiera resumir en una palabra lo que fue esta versión con aires distópicos de Pasarela Valparaíso 2020 elegiría: resilencia.

Para quienes no lo saben, resilencia es la capacidad que tiene una persona para superar circunstancias traumáticas. Recapitulemos. El 2019 lo terminamos con un estallido social que impactó los cimientos de nuestra idiosincracia, y en marzo 2020 nos quedamos en una pieza con el anuncio de la pandemia del Covid-19, que aún no tiene fecha de término.

Sin duda estos contextos de incertidumbre y turbulencia pueden provocar paralización y miedo. No obstante, para Pasarela Valparaíso en sus 10 años de vida y para todxs los diseñadorxs que participaron de esta edición fue todo lo contrario. La 10º edición se transformó en un ejercicio de reinvención y catarsis, donde las emociones brotaron sin temor. Así también como el deseo de crear un relato con identidad local, un sello de moda país, que pudiera llevarse por el mundo.

Lo anterior, se plasmó no sólo en la "puesta en escena" virtual de la colecciones, sino también en las entrevistas previas a cada unx de los participantes -de contextualización de las colecciones- que estaban subtituladas en inglés, dando la opción de cruzar fronteras física e idiomáticas.

De hecho, eso fue uno de los factores más interesantes de esta cita virtual. La posibilidad de que casi 500 personas pudieran ver en simultáneo el estreno, sin importar donde se encontraran, así también pudieran escribir sus comentarios de lo que observaban.


La propuesta de Sr. Gonzalez en Pasarela Valparaíso 2020

En términos de colecciones los temas más recurrentes, en cuanto a inspiración, fueron el impacto del estallido social de 2019 y la pandemia, lo que se tradujo en diseños que invitaban a reflexionar y a habitar las diversas emociones sin perder la esperanza.

Destaco en esta versión la equilabrada curatoría de las marcas participantes y de los trabajados de lxs alumnxs del DUOC-UC tanto en su sede Viña del Mar como Apoquindo, que nos permitieron transitar no sólo por diferentes estilos y estéticas, sino también técnicas y tendencias constructivas junto a materialidades.


La propuesta de Sr. Gonzalez en Pasarela Valparaíso 2020

En esta edición, la muestra estuvo conformada por marcas muy significativas y referentes dentro del panorama de la moda de autor nacional tales como Ignacio Lechuga, Juana Díaz, Paulo Méndez, Wendy Pozo, Mónica Navarro con su marca Puntada Austral, y Cristián González con su marca Sr. González. Cada unx de ellxs nos recordó su sello y nos demostró que el relato conceptual y el oficio son una potente herramienta para construir una marca rememorable y sostenible.

Por otra parte, las etiquetas más jóvenes como Javiera Rocco y Gustavo Urquieta con su marca Pelff, Sebastián Román con su marca Ente Upcycling, Francisca Pinto y Valentía Montenegro con su marca Costura Local x Nunka Inalien, y Christián Palacios con su marca Ceremonia, nos invitaron a explorar las nuevas técnicas constructivas de la moda, así también como la resignificación de estéticas que hablaban del inicio de una nueva décadaSin duda, una brisa de optimismo en todo sentido.

A este grupo, se sumaron los zapatos y accesorios de diseño, representados Loreto Gaytan con su marca Gaytán y Sebastián Marino, quienes se la jugaron por propuesta que reivindican el protagonismo de los complementos.

Asimismo, pudimos apreciar la colaboración de otras marcas de diseño en vestuario, calzado y accesorios, como Juan el Daltónico, Tada, La Horma, NS, The Rockers, Gatx Nirankar y Siberia, quienes completaron el estilismo de manera equilibrada y armónica, generando una conversación entre los relatos.

La transición entre todas estas propuestas fue liderada por la selección de trabajos de estudiantes de diseño de vestuario de Duoc-UC sede Viña del Mar y Apoquindo, quienes nos enseñaron, que ninguna pandemia les impediría soñar y crear sin miedo desde la incertidumbre.


Prenda de estudiante de diseño de vestuario de Duoc-UC sede Viña del Mar

A modo de conclusión: más allá de los detalles que podrían mejorarse (siempre hay espacio para seguir creciendo), hoy me quedo con la satisfacción de que los 10 años de Pasarela Valparaíso quedarán en nuestra retina por mucho tiempo.




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(Fotos por Lontano / Foto principal colección de Juana Díaz / Video gentileza de Pasarela Valparaíso)

Froens estrena nueva línea de bikinis y trajes de baño de poliéster reciclado de botellas plásticas

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El plástico y sus derivados, se han convertido en uno de los grandes karmas del planeta. Por lo mismo, buscar maneras de eliminarlo y/o minimizarlo (hasta su desaparición), no sólo me parece destacable, sino también aplaudible. En esa línea la marca de indumentaria, Froens, ha apostado por su reciclaje mediante su línea de traje baños Reborn. En el verano 2021, este compromiso se renueva, gracias a una nueva colección de trajes de baño y bikinis de mujer fabricados en Colombia utilizando poliéster reciclado proveniente de botellas plásticas. Te invito a conocerla.

Los bikinis y trajes de baño Reborn de Froens

Los bikinis y trajes de baño de mujer Reborn de Froens son elaborados con una fibra reciclada llamada ECCO, que produce un 72% menos de CO2 en su fabricación (versus el poliéster tradicional), ahorra 50% de agua en su proceso de teñido y estampado y beneficia a más de 50.000 familias recicladoras. En cada bikini, se utilizaron 4 botellas plásticas recicladas

Lo anterior va de la mano con un diseño realizado en Chile, que destaca por un calce que da firmeza y comodidad. Son 7 modelos con estampados de inspiración tropical que puedes comprar en su tienda online.











¿Dónde comprarlos? En la tienda online Froens, así también sus tiendas en Luis Pasteur 6411, Vitacura; Paseo los Dominicos, Las Condes; y Vivo Los Trapenses.


(Fotos gentileza de Frøens)

El manual de patronaje no binario de Ignacio Lechuga: una herramienta para el aprendizaje de la moda

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Hace dos años, que El Taller Lechuga del diseñador Ignacio Lechuga, se fue enfocando fuertemente en la investigación y las clases, dejando de lado a los clientes. Esa opción -que se hizo aún más evidente post estallido social-, los transformó en un centro de investigación, experimentación y educación de patronaje y confección, motivándolos a mejorar las guías de apoyo para las clases y dar vida a un "manual de patronaje no binario", que Ignacio define como "una guía técnica para sus clases de patronaje donde no existe una diferencia de género para construir el molde de una prenda de vestir". Hoy nos contará qué supone el "no género" en el moldaje.

Los motivos para crear un manual de patronaje no binario


Ignacio relata que durante sus estudios de diseño siempre le remarcaban las diferencias entre el patronaje masculino y el femenino. "Me decían: 'eso no se hace, lo hacen las modistas', 'el patronaje masculino es este, las medidas son estas' y me obligaban a no cuestionarme o poner en duda la teoría clásica", afirma.

Sin embargo, con el tiempo empezó a poner en dudas esas sentencias, entendiendo que no existe un tallaje universal (es muy difícil unificar por medidas los diferentes cuerpos), así también como no existen cuerpos femeninos ni masculinos que sigan un patrón dentro de su categoría. "Es por esto que me dediqué a observar, por separado, los cuerpos de hombre y mujer para entender las teorías y actualizarlas, mejorando así el calce de las prendas, ya que la mayoría de los sistemas de patronaje son muy rígidos y orientados hacia un solo tipo de cuerpo 'ficticio', obligando al diseñador a realizar muchas pruebas y modificando siempre las prendas sobre el maniquí para acercarse al diseño deseado", explica.

Este convencimiento lo llevó a emprender esta tarea titánica, que busca entregar con bases sólidas un análisis crítico de diversos sistemas a sus alumnxs, otorgando flexibilidad a la rígida teoría.

"En este proceso he podido observar que muchas mujeres tienen formas corporales similares o iguales a los estándares establecidos como formas masculinas, al igual que hay hombres con cadera, un desarrollo pectoral igual al desarrollo mamario femenino, el abdomen se repetía, los rollos se ubicaban en las mismas partes. En este proceso entendí que para hacer un análisis del cuerpo con el fin de generar un molde no es fundamental el género (masculino/femenino), enfocándonos solo en volúmenes, curvas, adiposidades, problemas posturales, y que finalmente la especificación de un género podría entrar, solo si uno quiere, en la etapa de diseño", insiste.


Los principales desafíos de la elaboración del manual de patronaje no binario


Ignacio se apresura en señalar que no se puede hablar de desafíos en pasado, ya que la investigación recién "está en pañales" y en constante mejora.

"Básicamente, lo más complejo es la recopilación y análisis de medidas. Yo vivo en la playa y viajo todos los días a mi pega en Santiago, por lo que no me puedo mover y todos los que están dispuestos a colaborar no siempre tienen el tiempo para ir al taller.

Además, cada toma de medidas es extensa, debo observar, fotografíar, analizar el cuerpo, tomar las medidas (con mascarilla, un buzo especial y una huincha de medir sanitizada), luego codificarlas y clasificarlas. Sé que una investigación así no demora días ni semanas. Con mi equipo, Paula y Sol, estamos trabajando desde principios del 2019 en la recopilación de datos, análisis de información, generación de material gráfico y rectificación de maquetas, medida que avanzamos, nos enfrentamos a nuevas preguntas que modifican nuestro camino obligándonos a volver atrás o cambiar drásticamente el rumbo de la investigación", confiesa.



¿Por qué es necesario contar con un patronaje no binario?


"Todas las teorías necesitan ser actualizadas, sin importar cuales sean, vivimos en una constante evolución. Si pensamos que para poder desarrollarnos y movernos en esta sociedad nos tenemos que vestir y estar cómodos, no hablamos solo de diseño.

Existe una evolución dentro del sistema moda que es netamente visual, pero también hay teorías constructivas que están casi obsoletas. Es cierto que hay muchos avances y máquinas que desarrollan hace mucho tiempo lo que estoy investigando (no pretendo descubrir la rueda, sino más bien hacerla girar), pero no todos tienen acceso a ellas, y además, que para poder aplicar sistemas computacionales es fundamental entender primero los procesos en forma analógica.

El diseño ha ido evolucionando, las personas cambiamos y no queremos ser calificados ni clasificados bajo ningún estereotipo. Es increíble que en el 2020 aún existan estructuras establecidas en el vestir, casi dogmáticas diría yo. Así como va cambiando y evolucionando la sociedad también debería haber una desestructuración en los estereotipos del vestir. Poco a poco van cayendo los paradigmas en lo que a vestuario se refiere y técnicamente no hay un soporte para sostener estos cambios y, finalmente, en muchos casos se termina recurriendo al oversize como una tabla de salvación.

Los manuales son el resultado de mi investigación, pero nunca he querido ser escritor, lo que me mueve y me inspira es la docencia, toda esta información la realizo para mejorar mis clases, es por esto que hablo de un 'centro de investigación, experimentación y educación'.

Constantemente me piden los manuales, pero para mí, son solo guías de apoyo para mis clases. Mi norte está dirigido a la relación profesor-alumno o, como me gusta más decirlo, la relación maestro-aprendiz. Tengo muchos libros, que a pesar de mi conocimiento, no logro descifrar y terminan adornando estantes. Mi satisfacción está en enseñar y hacer clases, no en escribir manuales, que sin una explicación, no sirven de nada". 


Los beneficios de contar y utilizar un manual de patronaje no binario para un creativx


Ignacio es enfático al comentar que más que hablar del beneficio para un creativo es necesario hablar del beneficio que podría tener para un creativo contar con un equipo de trabajo educado con este sistema, capaz de observar el cuerpo, su kinética y sus volúmenes, dejando de lado el género y rígidas teorías para poder traspasar todo su imaginario  y plasmarlo en un plano bidimensional que se transforme en una estructura que cubre un cuerpo en movimiento.

En esa línea, su deseo por apoyar la formación de los y las diseñadoras, lo ha llevado a estar en constante actualización de sus materiales docentes. De hecho ahora está trabajando los contenidos para un nuevo curso enfocado en el tallaje y escalado de patrones.



Las enseñanzas de la pandemia para El Taller Lechuga


Ignacio relata que estuvo 6 meses sin trabajar, preocupado del bienestar de su equipo y familia. Al reintegrarse a sus labores, la mayoría de su "tiempo muerto" de taller lo utiliza en sanitizar, ya que ha apostado por mantener la educación presencial. "Siempre he visto el taller como una casa-escuela, muchos de los alumnos almorzaban con nosotros, y se quedaban trabajando todo el día, al igual como algunos ex alumnos venían de visita o a trabajar en sus proyectos personales, lo que ahora es complicado y se ha perdido un poco ese espíritu de camaradería", narra.

A lo anterior, se suma una gran incertidumbre en cuanto a la posibilidades reales que tendrá el 2021 para seguir impertiendo clases en el taller. "Por primera vez tengo muchos alumnos matriculados para el 2021 y una lista de espera sin calendarización. He suprimido los cursos cortos y este año, así como van las cosas, no habrán cursos de verano por la recalendarización de fechas", concluye.

+ información a eltallerlechuga@gmail.com o ignaciolechuga@gmail.com



(Fotos gentileza de Ignacio Lechuga)

Nunka inalien presenta Fuego: indumentaria en transformación

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La necesidad de comunicar y compartir su postura frente al estallido social de 2019-2020 -tanto desde el punto de vista creativo como parte de la comunidad LGBTQIA+-, llevó a Valentía Montenegro Castro junto a su marca de indumentaria, Nunka Inalien, a desarrollar "Fuego", su última colección. "Deseaba con muchas ganas dirigir mi energía, en un poder transformador, así como mostrar las injusticias, violencias, exclusión e invisibilización a la que hemos estado expuestos desde siempre", afirma.  Hoy revisaremos la materialización de esta reflexión a pocos días de su paso por Pasarela Valparaíso 2020 junto a Costura Local.

Sobre Fuego: la colección de Nunka inalien


Valentia explica que "Fuego" es una colección muy especial, ya que trabajaron con un equipo, tanto de modelos, diseñadores de accesesorios y equipo audiovisual, en su mayoría trans No binario, quienes por lo general no tienen espacios de visibilización en la moda, ni cupo laboral en general. 

En esta línea, Valentía señala que esta opción no es una casualidad, sino responde a su deseo de ser  coherente con lo que siente, piensa y es. "Para mí es muy importante generar espacios de visibilización, que sean seguros, cálidos y que nos permitan crear redes entre nosotrxs. Es importante recalcar también, que en Chile el cupo laboral es muy escaso, por no decir nulo. La fotografía se ha vuelto una herramienta fundamental para llevar a cabo estas ideas. Si bien en la colección anterior ya habíamos colaborado con modelos trans no binarios, en esta ocasión gran parte del equipo también lo era. 

Fue un momento de encuentro único y muy enérgico para todxs. Estoy muy agradecido de quienes colaboraron, tanto en la sesión fotográfica de Fuego, como en la producción y el proceso creativo de esta misma", insiste.








En término de proceso creativo, ¿cuáles son los principales rasgos diferenciadores de esta nueva colección respecto a las anteriores que has desarrollado?


"Creo que lo que hace a esta colección especial, es la energía que carga cada prenda. Todos los diseños fueron creados como un medio canalizador muy personal, de lo que yo necesitaba comunicar y de mis deseos más profundos, pero al mismo tiempo inspirado en la impotencia colectiva, en lo que podíamos ver rayado en las calles y en lo que estábamos respirando bajo el contexto de la 'revuelta popular'.

Así también algunos diseños nacieron colaborativamente con mis amigxs, con quienes comparto tanto reflexiones, como sentires. Razones suficientes para decidir concretar nuestras ideas a través de un trabajo análogo, digital y posteriormente en serigrafía textil. También hay algunos diseños que partieron como un esténcil y que luego decidí convertirlos en serigrafía, agregándole algunos símbolos esotéricos de protección. Los imaginaba como si fueran ingredientes de un hechizo y el diseño final se convirtiera en un amuleto que alguien decidiría cargar".















Los desafíos de Nunka inalien en pandemia


Valentía narra que se han enfrentado a tres grandes desafíos durante esta pandemia. En el ámbito personal, relata que le costó mucho sobrellevar el desgaste emocional, ya que al principio se mantuvo solo y encerrado durante mucho tiempo. "Esto claramente también afectó directamente a mi productividad. Con el pasar de los meses, esta situación se ha convertido en un gran aprendizaje de organización, límites y búsquedas constantes de equilibrio", afirma.

Por otro lado, respecto al oficio comenta  que le ha sido muy difícil conseguir los insumos necesarios para poder seguir trabajando con normalidad: "en ocasiones he tenido que pagar extra y en otras simplemente no he podido encontrar lo que necesito, por lo que hay prendas que no he vuelto a  tener disponibles".

A lo anterior, se ha agregado la dificultad para comercializar sus prendas debido a la ausencia vitrinas físicas. Sin embargo, a través de internet y redes sociales ha podido continuar movilizando su trabajo y manteniendo activa su marca.  





¿Dónde comprarla? En la cuenta Instagram de la marca.


Créditos producción
Modelos: Demian, Tahiel, Morgan, Simón / Ilustraciones colaborativas: @etatsecond, @ruina.ttttt y @plantasica / Make up: @carolinaancres / Accesorios: @gatx.nirankar y @999.virus / Producción: @costuralocal y @rinocriptido / Video Hi8: @xxcxcxcxxc @piezasucia666 


Lady Mushroom: indumentaria para brillar sin límites

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La historia de la diseñadora María Jesús Infante y su marca de indumentaria,  Lady Mushroom, parte en 2006 cuando confeccionaba polerones, que luego vendía en festivales e incluso en la calle. Posteriomente fue parte del catálogo de Monjitas Alamoda y tuvo un perchero en el rincón de esa plataforma en Paris Alto Las Condes y Parque Arauco. Esa vitrina le proporcionó visibilidad y le permitó ganar experiencia para postular a fondos concursables y amar su taller. Hoy, parada en la vereda de la moda lenta, nos cuenta sobre su propuesta y su opción por la "basura cero" o zero waste.

La propuesta de Lady Mushroom


María Jesús señala que Lady Mushroom tiene un sello muy marcado, que le permite que ser reconocida y recordada. Ello se debe a que está inspirada en la década de los 70s, su sicodelía, música, colores y libertad. Sin embargo, ese sello se mezcla también con una línea más "neutra" de colores tierras y naturales.

De hecho, en su colección María Silvestre 20/21 todo es combinable entre sí, con telas orgánicas, naturales, amables con nuestra piel y nuestro entorno. "Diseñada para diferentes tipos de cuerpos, desde una XS hasta una embarazada, con mucha comodidad y funcionalidad en cada prenda", afirma.


Por otra parte, su opción por el "basura cero" dentro de su proceso creativo, la ha llevado a tener un gran cuidado en la selección de su textiles, tanto desde el punto de vista material como de su origen. "En la temporada de verano es más fácil trabajar con textiles 100% naturales, ya que son telas más frescas  y ligeras. En invierno ocupamos un 60% de telas sintéticas y térmicas. Pero en Lady Mushroom ya manejamos nuestros residuos y sabemos que hacer, acá se reutiliza todo", insiste.

Lo anterior es consecuencia de su crianza en Cajón del Maipo y Pirque, en la que su familia abogaba por el respeto y cuidado de todos los seres vivos, independiente de su tamaño. "Mi mamá siempre fue consciente con el entorno y nos inculcó mucho eso, vivir entremedio de montañas y naturaleza te hace amarla y valorarla aún más", relata.

En esa línea, con los descartes de telas hacen rellenos de camas para perros, que no venden sino donan a fundaciones, los entregan a marcas que se los piden, hacen accesorios, mascarillas, colet, cuellos térmicos, ropa para muñecas, entre otros. "La idea es reutilizar, reciclar y apañar al planeta", reafirma.





¿Crees que la moda debería mutar hacia un paradigma de sostenibilidad?


"Para ya vamos. Y los que no, se quedarán en Mordor. Si bien creamos todos los diseños Lady Mushroom, lo que no hacemos, ni fomentamos es la producción del jeans o mezclilla, porque es muy contaminante y se necesita una cantidad de agua para la producción que es una locura inconsciente.

Por eso nuestras chaquetas de jeans son reutilizadas y refaccionadas a nuestros estilo con un textil de mezclilla como base, pero reciclado
. Y después hacemos la magia sobre ellas. Apañamos 100% la ropa reciclada. Por ejemplo, si bien ocupo mi ropa para vestirme también, mi segunda opción siempre es comprar en la ropa usada o a marcas amigas que venden ropa reutilizada y tienen su pyme".



Los desafíos de Lady Mushroom en pandemia


María Jesús narra que en marzo estuvieron a punto de ser parte de Lollapalooza, y que todos los otros eventos y espacios en los que participarían se cancelaron.

"Al principio me angustie, me deprimí, pero me di cuenta que tenía mi sitio web ya armado hace años, y  empecé a ponerle mucha energía a eso. Esta pandemia no iba a derribar a Lady Mushroom y el esfuerzo de 15 años. Es mi fuente de ingreso y la de varias familias, ya que tenemos diferentes talleres y personas en el equipo que trabajan con nosotros y detrás de ellas están sus familias", explica.

Este sentido le gusta crear comunidad y potenciar sus redes, lo que supuso trabajar con una agencia de marketing de unos amigos, que le ayudaron a mover fuertemente el canal online de ventas, partiendo por las mascarillas. Luego siguieron con ropa cómoda y funcional. "Así fuimos adécuanos a las necesidades de nuestros clientes, que también fueron un gran aporte por preferir nuestros diseños. Y nos fue increíble, no lo esperábamos, fue como 'Bendita Pandemia del terror'", confiesa.





Imaginando el futuro de Lady Mushroom


"Siempre estoy pensando en el futuro, me cuesta estar en el presente y eso, a veces, te juega en contra o a favor. Antes de la pandemia teníamos planes de irnos a Australia con mi familia y abrir nuevas franquicias allá sin dejar de lado a nuestr@s clientes en Chile, que gracias a ellos hoy tenemos un gran crecimiento.

Quiero viajar y mostrar el arte, los diseños Lady Mushroom a diferentes personas y culturas, diseñar con los diferentes textiles del mundo.

Siempre me ha llamado la atención trabajar con textiles ancestrales, fue así como en mis inicios agregaba textiles andinos a las prendas. Siempre volviendo a las raíces.

No soy de esas personas que quiere ser millonaria y tener un monopolio puerco o el mejor auto. Me gusta lo que hago, lo disfruto y me gusta estar presente en cada proceso de producción, entregar mi energía en cada prenda, preocuparme desde el hilo hasta el olor de esa prenda y que el cliente abra su paquete y se sienta feliz de llevar un Lady Mushroom.

Ser consciente de lo qué haces, de las tendencias que creas, romper con lo que está de moda, no seguimos modas, creamos y hacemos magia para que otr@s  brillen. Siempre natural... Eso es Lady Mushroom, atreverse a brillar sin límites de diseño", concluye.



¿Dónde comprarla? En su tienda online o en sus espacios físicos en 


(Fotos gentileza de Lady Mushroom)

Nieves Marin: moda transversal con aroma glam

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La decisión de bautizar su marca de indumentaria con su nombre, no fue casualidad para la diseñadora Nieves Marin. "Todo lo que representa Nieves es lo que quiero entregar como diseñadora, por tanto, estar detrás de mi nombre me da la libertad de ser yo misma", afirma. Ese convencimiento la llevó a crear una propuesta que define como "transversal con aroma glam". Hoy nos mostrará el resultado de su apuesta creativa y sus desafíos en pandemia.

Nieves Marín: su inspiración y los desafíos en pandemia


Nieves relata que en su proceso creativo las ideas chocan entre la exploración de volúmenes y la búsqueda del color en las siluetas, lo que redunda en diseños con aires nostálgicos, que han sabido sortear la nueva realidad del vestir en pandemia.



En ese sentido, Nieves cree que cambió la manera en que consumimos moda, ya que no es necesario ir a una tienda para poder vestirnos. De hecho, en su caso, pudo seguir funcionando onliney ahora su reto es lograr que se entienda -en estas plataformas- el concepto que representa la marca.

En cuanto a los desafíos que ha enfrentado en este periodo, no duda en señalar la escasez de materiales,  los procesos de distribución y la producción de fotografía. "Lo primero lo pude sortear con ayuda de mis pares, entre diseñadores nos apoyamos con información al respecto. En cuanto a la distribución en Santigo con repartidores locales, a regiones a través de empresas de envíos y la fotografía fui modelo y fotógrafa a la vez", confiesa.



¿El futuro de Nieves Marin?


"Con una línea de ropa para hombre, es todo un desafío que me motiva mucho", concluye.





¿Dónde comprarla? En su cuenta en Instagram.


(Fotos gentileza de Nieves Marin)

Juan de la Paz: indumentaria de elegancia andina atemporal y sustentable

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A pesar de que somos vecinos, conocemos poco y nada de la moda de autor boliviana. Sin embargo, cada vez que logro acercame a alguna de sus etiquetas, no sólo me sorprendo, sino también me emociono de la forma en la que conciben sus propuestas. ¿Un ejemplo? La marca de indumentaria Juan de la Paz de Juan Carlos Pereira y Andrés Jordán, quienes además son los promotores del evento Diseño y Autores Bolivianos (DAB). Hoy nos contarás más detalles sobre su apuesta por la sustentabilidad y la moda deportiva, su plataforma de creativos locales y su participación en BRIFW.

Los motivos para crear Juan de la Paz


La primera motivación que llevó a Juan y Andrés a crear Juan de la Paz fue desarrollar un producto de lujo con los recursos que tenían inmediatos. "Ahí surje abordar un concepto de lujo en el que los atributos están en la sustentabilidad detrás de la materia prima y las manos artesanas que lo producen. Con la intención de revalorizar saberes y prácticas propias de nuestra región, a través del eje del diseño", explican. 

Esa apuesta creativa dio origina a una propuesta que definen como "elegancia andina atemporal y sustentable, en clave sportswear y unisex", donde el territorio es parte fundamental de su proceso creativo. "Nos mueven la historia y cultura de nuestra región. Al producir las colecciones en Arequipa, Perú, piensas en esa cultura más amplia, milenaria y originaria del continente, como lo es la cultura andina", afirman.

En esa línea señalan que Juan de La Paz es Bolivia y Perú porque Los Andes los conectan, y de ahí se sienten conectados con la región. 

"No existen las tradicionales fronteras. Cuando trabajas el tejido es algo que está presente en las manos de la mujeres latinoamericanas, el arte textil es cultura viva", insisten.







La importancia de generar plataformas como Diseño y Autores Bolivianos (DAB)


Juan y Andrés relatan que antes de Diseño y Autores Bolivianos (DAB) no existía ni un abordaje institucional ni privado, que sustentara la moda local, la que se relacionaba con la industria del show y entretenimiento. "Para nosotros era fundamental poder contar nuestro trabajo desde una plataforma cultural, donde la institución cultural respalde al diseño boliviano y asi tenga la calidad para trascender con una narrativa a un plano internacional. Esa carencia nos llevó a generar DAB, una gran respuesta a muchas preguntas", confiesan. 

Reflexiones de Juan de la Paz en BRIFW


Juan de la Paz fue parte del Brazil Immersive Fashion Week (BRIFW), lo que puso muy contentos a Juan y Andrés. De hecho, les pareció muy interesante poder conectarse con Brasil y ser parte de una line up donde participaron grandes talentos de la región que admiran y quieren mucho. 

"La selección y los materiales fue de primera. La implementación de la tecnología en la moda es algo que no va a parar y que nos genera a los diseñadores una gran oportunidad. Tecnología y moda son grandes aliados, eso está demostrando el 2020", señalan.



¿Qué camino creen que debería tomar la moda latina para lograr ser vista por el mundo?


"Creemos que el camino que la moda latinoamericana está recorriendo es el adecuado. Hay una sintonía y armonía en todas las cosas buenas que nos están pasando como diseñadores hace un par de años. Las diferencias culturales enriquecen el trabajo creativo y hay un gran talento aún por descubrir.

De alguna manera el futuro de la moda y el lujo puede estar en Latinoamérica. Hay todo para que así sea. El talento en diseño y los recursos de lujo sustentable para una industria que requiere cambiar en muchos aspectos. Puede que la respuesta a la moda está y sea Latinoamérica". 





¿El futuro de Juan de la Paz?


Juan y Andrés lo resumen: "imaginamos a Juan de la Paz desarrollando productos artesanales sustentables e innovadores, apoyándonos en la tecnología para llegar con nuestro mensaje al mundo".



¿Dónde comprarla? En sus redes sociales y al correo juandelapazoficial@gmail.com 


(Fotos gentileza de Juan de la Paz)

El Made in Italy y los desafíos de la industria de la moda según Pauli Tapia

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Aunque en tiempos de pandemia estudiar moda fuera de Chile parece una realidad improbable, resulta interesante conocer la experiencia de quienes si han podido hacerlo, no sólo para aprender de sus vivencias, sino también para entender cuál es la "ganancia" de mirar la industria desde otras fronteras. En esa línea, hoy revisaremos el testimonio de la diseñadora Pauli Tapia, quien arribó hace poco al país luego de estudiar un Master in Fashion Direction, Brand & Business Management en el Politecnico di Milano a través de Milano Fashion Institute, con el objetivo de "aportar con ese conocimiento a las marcas de moda local y contribuir a poner en valor el diseño chileno". Lo que vió, experimentó y reflexionó en ese periodo muy ilustrador para realidad de la moda latina, nos lo cuenta en las próximas líneas. 


Tu admiración por la moda italiana y su sistema moda te llevó a realizar tu posgrado allá. ¿Cómo fue enfrentarse con esa realidad? ¿Era como te lo imaginabas?


"En realidad era un sistema mucho más completo de lo que imaginaba, porque esperaba aprender de la gestión detrás del Made in Italy y su alta calidad artesanal. Pero me sorprendió aprender también sobre la estructura de distritos industriales que tiene Italia, su cultura colaborativa, y la capacidad de realizar toda la cadena productiva dentro del país. Es un sistema que permite ser 100% nacional, y por ello es muy valorado y protegido. Cada etapa de la cadena productiva es cuidada y respetada, los artesanos son muy valorados, y se trabaja ampliamente con cooperativas formadas por pequeñas y medianas empresas, siendo muchos de ellos negocios familiares, incluso las grandes empresas. Es este gran trabajo colaborativo es lo que da el valor de sus productos.

En Milán, tuve la oportunidad de realizar una pasantía de Product Development & Merchandising en Chitè Lingerie, una marca de lencería slow couture fuertemente arraigada en el Made in Italy, donde trabajé directamente con proveedores; aprendiendo de su cadena productiva a escala nacional y del trabajo con artesanos independientes que mantienen viva la producción textil como herencia cultural.



También tuve la oportunidad de ir a la feria de textiles Milano Unica (foto inferior), donde descubrí la profundidad de la producción nacional italiana, tanto en textiles como en accesorios y packaging. Permitiendo trabajar la producción nacional desde el textil mismo, algo que realmente es un gran contraste desde el punto de partida entre el diseño de moda italiano y chileno".



Los principales aprendizaje de la experiencia de Pauli Tapia en el Master in Fashion Brand & Business Management


Pauli confiesa que sus principales aprendizajes en el Master in Fashion Brand & Business Management parten en entender la noción del sistema de moda italiano. "Aprendí sobre gestión de negocios de moda considerando toda la cadena de valor. Modelos de negocios enfocados en la calidad, desde marcas de lujo al retail, gestión omnicanal (integración de canales online y offline) y también la calidad de experiencia al consumidor. Pero para mi sorpresa aprendí mucho sobre sostenibilidad en la gestión de marcas de moda", afirma.

De hecho comenta que tuvo la fortuna de aprender de la directora de su Master, Francesca Romana Rinaldi, quien es especialista en gestión de moda sostenible y le enseñó qué realmente implica la sostenibilidad en la moda con todo lo que abarca en la cadena de valor. "Enfocando mis estudios en proyectos de sostenibilidad, aprendí de modelos de negocio sostenibles, estrategias de Responsabilidad Social Corporativa, del trabajo de Kering respecto a la trazabilidad e innovación en materiales, desarrollé un proyecto de campo sobre circularidad y zero waste para Salvatore Ferragamo, y luego mi tesis sobre la integración de iniciativas de sostenibilidad dentro de la gestión omnicanal de Mango", complementa.





¿Por qué crees que es importante para alguien que quiere dedicarse a la moda una especialización como la tuya?

"Porque en Chile se capacita al diseñador para realizar productos de calidad, respondiendo a un usuario real, con una narrativa potente, expertos en presentar su proyecto; pero falta capacitar a los diseñadores con conocimientos concretos para rentabilizar su emprendimiento. Tenemos excelentes diseñadores independientes, con productos muy valiosos, pero con poco conocimiento de modelos de negocios que permitan a estas marcas ser rentables, y terminan aprendiendo sobre la marcha. Para solucionar esto se requiere entender no sólo de costos y negocios, sino también de modelos de negocios que funcionen en moda, y del valor del producto de moda como elemento cultural.

Generalmente se confía mucho esta labor a los ingenieros comerciales, pero es importante que el diseñador de moda conozca de estas materias y viceversa por dos motivos: primero por la importancia de que el encargado de la gestión de negocio entienda y conozca el producto de moda, no como un sistema de ingresos sino que como un producto que se crea para ser parte de la identidad de un usuario, para resolver problemas del usuario; materia en la que el diseñador es experto. Y segundo porque muchas veces el diseñador local no tiene la capacidad económica de contratar a un ingeniero comercial para estas materias, por lo que es importante que él mismo, al emprender, maneje estas herramientas.

De todas maneras, ya sea viniendo del área del diseño o del área comercial, una especialización en gestión de negocios y marcas de moda permite a ambos rubros aprender del valor del trabajo del otro, por lo que también capacita en la importancia del trabajo multidisciplinario.

Luego es muy importante el tema de la sostenibilidad, ya es de público conocimiento que la producción a gran escala, en países como China y Bangladesh, es tremendamente dañina para el ecosistema y las personas que lo trabajan, causando un gran desequilibrio económico, social y ambiental. El desarrollo de la moda local es un tema que me parece tremendamente importante para redireccionar hacia una moda más sostenible, al tener escalas más humanas, mayor trazabilidad y conocimiento de quiénes forman la cadena productiva. Y también porque se suele ver a la moda como algo banal, pero es importante entender que la moda, el vestuario, nuestros accesorios; son parte de nuestra identidad y cómo decidimos comunicar nuestra persona al entorno. Entonces la moda es también expresión cultural, y el trabajo de la moda local, es el que mantiene vivos los oficios que son parte de nuestra propia herencia cultural, que en Chile hemos dejado tanto de lado y está en nuestras manos revalorizar".
 


Comparadndo la  realidad de la moda chilena y la italiana. ¿Cuál crees que es nuestro punto crítico como país que nos impide lograr el nivel del sistema moda italiano?


"Hay dos grandes puntos críticos vinculados. Por una parte, la falta de una cadena productiva a nivel país. Actualmente es muy difícil armar un producto 100% Hecho en Chile, dado que el Made in China desplazó la producción local de textiles y de manufactura local. Se ha perdido y mucho trabajo de los oficios, por ejemplo ya quedan pocos maestros del cuero y calzado, a pesar de que sabemos que el calzado producido de manera artesanal es un producto de alta calidad. Respecto al textil, la producción y manufactura es aún más escasa, porque la producción en China ofrece precios con los que la industria nacional no puede competir.

Entonces lleva al punto crítico de origen, la falta de apoyo por parte del Estado a la industria nacional. Porque al abrirse la entrada de productos de menor costo (y menor calidad) desde el exterior, no se protegió al producto nacional y nuestras cadenas productivas. Para poder aspirar a un sistema de moda como el italiano sería necesario revertir esto. Por un lado, que el Estado apoye a la industria de la moda y la ayude a reactivarse, algo que ocurre en Italia y en Europa en general; y por otro lado revertirlo desde dentro de la industria.



Las autoridades italianas entienden que la moda es un producto de posicionamiento del país, porque cuando el extranjero compra un producto Made in Italy (tanto en Italia como en el extranjero) está comprando una cultura, un estilo de vida. En palabras de su propio Ministro de Cultura y Turismo, Dario Franceschini: “cada producto de Italia evoca aquello que hay detrás”, entonces desde el Estado italiano se entiende que es su labor colaborar para mantener la industria local.

Pero no basta con la participación del Estado, es necesario también organizar un sistema de trabajo colaborativo, tanto dentro de la industria de la moda nacional, como con otras industrias y el gobierno. Construir de manera multidisciplinaria y no ser celosos con el conocimiento ni con los equipos.

Si bien nuestra realidad nacional es distinta a la italiana, me parece importante aprender del sistema italiano para el desarrollo de la moda chilena. Su ejemplo de agrupar a pequeños y medianos productores y manufactureros a lo largo de la cadena productiva organizados en cooperativas, nos ayudaría a fortalecer la producción local, rentabilizar y accesibilizar nuestros oficios, y a su vez, formar una comunidad colaborativa. Para lograr un sistema de moda que nos represente como país nos falta que tanto quienes gobiernan como quienes diseñan, producen, gestionan y consumen las marcas de moda, entendamos que la moda local es parte de nuestra cultura, que el producto local es nuestro propio valor".





¿Cómo te gustaría poder aplicar tu conocimientos en Chile?

"Me gustaría contribuir al desarrollo de la moda sostenible en el país y la valorización de la moda nacional. Compartiendo estos conocimientos dentro de la industria de moda chilena, tanto desde la academia para que los futuros diseñadores o ingenieros comerciales interesados en el área tengan la sostenibilidad en cuenta, sepan lo que realmente involucra, y que también conozcan el potencial de un producto nacional. Como realizando consultorías a las actuales marcas de moda local, sobre todo de cara a la crisis de la pandemia; tanto en analizar, gestionar y reconfigurar los modelos de negocios hacia modelos sostenibles, sobre el uso de materiales y tecnologías sostenibles, sobre trazabilidad y circularidad, implementando estrategias de Responsabilidad Social Corporativa y fortaleciendo sus estrategias de llegada al consumidor a través de una gestión omnicanal. Parte de ello es también ayudar en la comunicación de las estrategias de sostenibilidad de la marca, ya que actualmente es esencial que las marcas sean transparentes con sus consumidores respecto a los procesos detrás del producto.

También me encantaría ayudar a posicionar la moda chilena en el extranjero, es importante abrir nuestros productos al mercado internacional, tenemos excelentes productos que ofrecer, y valiosos oficios locales. La exportación permitiría a nuestra industria crecer y a la vez posicionar a Chile como cultura en el extranjero".


La moda se ha enfrentado a una serie de disyuntivas en el último tiempo. ¿Crees que se configurará un nuevo paradigma del hacer y consumir la moda? ¿por qué?


"De todas maneras, creo que este nuevo paradigma está en proceso y se está trabajando. Parte de ello es la propuesta #rewiringfashion de la agrupación de diseñadores independientes creada a partir de la pandemia, y The Fashion Pact, coalición de empresas de textil y moda con objetivos comunes para reducir el impacto ambiental y restaurar la biodiversidad.

La clave para este cambio que va hacia una moda sostenible es el trabajo colaborativo, la construcción en conjunto de un nuevo sistema. Tenemos estas dos crisis mundiales con un impacto social, ambiental y económico que ya no se puede ignorar, y para lo cual ya estamos reaccionando tarde. Necesitamos cambios con urgencia y somos conscientes de ello, gobiernos, industrias y consumidores, todos necesitamos hacer cambios.

Por el lado del consumo, tenemos a la Generación Z, quienes se ven directamente afectados por estas crisis y están exigiendo cambios en la industria de la moda, y así las marcas están trabajando en consecuencia de ello.

Ahora lo ideal sería que las marcas de moda comiencen a anticiparse al consumidor, no reaccionar ante sus demandas sino ofrecer propuestas innovadoras que se presenten como soluciones, porque la belleza de la moda está en interpretar y anticiparse a las emociones de su consumidor. Ya no basta simplemente con entregar un producto y una experiencia, sino que entregar valores, compartir propósitos. Los consumidores se están volviendo colaboradores de las marcas, dando feedback directo en las redes, y para aprovechar esto es importante que el consumidor comparta los valores de la marca.

El siguiente paso de este paradigma es que más marcas de moda se vayan sumando a cambiar sus sistemas, a responder ante las necesidades actuales, entre ellas, generar un menor volumen de prendas, ofrecer mayor calidad y durabilidad, hacerse responsables de sus residuos y el desecho de las prendas a través de modelos circulares, y en general, que tengan un proceso responsable detrás tanto social, ambiental y económicamente.

En Chile incentivado por el estallido social y la pandemia, se ha comenzado a poner en valor los emprendimientos y el generar redes para apoyarlos, en ese aspecto estamos un paso adelante, el consumidor ya está comenzando a entender que un producto local es mayor calidad y que hay personas detrás de él. Ahora necesitamos comunicar la moda local de la misma manera, tenemos excelentes diseñadores con excelentes productos realizados bajo producción local, empleando a la comunidad; sólo necesitamos impulsarlos".



Para conocer más de la experiencia de Pauli Tapia o contactarse para asesorías puedes escribirle a: paulitapia@uc.cl


(Fotos gentileza de Pauli Tapia)

Sr Gonzalez estrena tiraje 13: "Los héroes del pueblo son inmortales" con el pueblo como protagonista

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La moda es política. Así también lo cree el diseñador y colaborador de QT, Cristian González, quien a través de su marca de indumentaria no género, Sr Gonzalez, estrenó en Pasarela Valparaíso 2020, su tiraje 13 cuyo mensaje nos interpela con fuerza: "en medio de la incertidumbre provocada por la crisis social, sanitaria, económica y ambiental que vive Chile y el mundo, la única certeza que nos queda somos nosotrxs, el pueblo". Un pueblo entendido como comunidad, que hoy se trasforma en protagonista. Muy orgullosos de Cristian, lxs invitamos a revisar esta nueva apuesta creativa de su etiqueta. 

Tiraje 13 de Sr. Gonzalez: el pueblo


En el Tiraje 13 de Sr. González, Cristian retoma la serie cápsula "Los héroes del pueblo son inmortales" desarrollada en 2015 junto a mí -Sofía Calvo, directora de QT-, para centrar el relato en un héroe colectivo, "el pueblo", que mostró su voz y deseos de cambios en octubre de 2019 y hoy no baja sus brazos ante la adversidad, sino que resiste y se reinventa en pos de construir un nuevo paradigma de sociedad inclusiva, feminista, diversa y colaborativa.








Al igual que en la propuesta de 2015, este pueblo se conecta con la historia de otro pueblo, que ha estado en la noticia producto de la pandemia: China, con quien Chile celebra 50 años de relaciones bilaterales en 2020. Esta conexión espacial e histórica, se traduce en la elección de las siluetas que rememoran el vestuario tradicional chino tal como el qipao y el cuello Mao, que se mezclan con tipologías clásicas como las poleras, pantalones, faldas en tonos tierra. Todo con una visión no género.

 




Este pueblo, que unido e interconectado, quiere construir una sociedad comprometida con su entorno, llevó a Cristian a tomar la opción de utilizar telas que ya estuvieran en su taller, lo que además de evitar el sobreconsumo, también lo ayudó a sortear la escasez de insumos textiles derivada de la pandemia. Además decidió optar por el suprareciclaje (upcycling) con prendas vintage de colección personal de la creadora de Slow Pieces, Fran Torres.









El resultado es emocionante no sólo en su apuesta estética, sino también gráfica y editorial, lo que puedan aprenciar en las imágenes tomadas por nuestro querido Lontano y el video producido por Francisca Mollo, donde el relato de la colección es bellamente interpretado en la conversación entre Kmila Manson, Clara Garriga, Jorge Andrés, Jaime Andrés, Aliwen y Ethan Sword.




¿Dónde comprarla? La colección está disponible a través de las redes sociales de la marca.



Créditos imágenes


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