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Los relatos de la venta de vestuario del Teatro Municipal de Santiago

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(Por Sr. González y Lontano) En una ópera o un ballet, el vestuario es el encargado de identificar a los personajes, la época en que viven, su estatus, estado de ánimo e historia. Esos aspectos fueron los que nos atrajeron a recorrer la venta del Teatro Municipal de Santiago, que reunió desde tutús, armaduras de cota malla y cascos de guerreros que podrían haber sido parte del elenco de Game of Thrones, hasta vestidos de ballet inspirados en el campo chileno, además de variados accesorios. ¿Qué relato había detrás de cada pieza? Hoy lo sintetizamos, aprovechando la extensión de la venta hasta el miércoles 29 de noviembre.

Los relatos del vestuario del Teatro Municipal de Santiago


Cada prenda de la venta perteneció a alguna producción del Municipal de Santiago y refleja la apuesta estética de su diseñador; las técnicas empleadas para llevar a cabo esas ideas, y el dedicado trabajo manual del Taller de vestuario del Municipal, responsable de confeccionar cada pieza.








Todo el vestuario llevaba una etiqueta con su clasificación completa: nombre del personaje, nombre de la obra, nombre del cantante, y de quien elaboró el traje. Cabe mencionar que muchos trajes denotaban un delicado trabajo de sastrería, con una confección impecable.



Monserrat Catalá, diseñadora teatral y coordinadora del departamento de vestuario del Teatro, nos explicó que toda la ropa de la venta se había producido en el taller, donde trabajan alrededor de 20 a 25 personas, más el personal que labora por llamado. Nos cuenta que hay proyectos que comienzan con seis meses de anticipación.

“La selección para la venta se hizo a partir de que tenemos muchas cajas de vestuario en bodega y hay que llegar en algún momento  a deshacerse de algo, ya que a veces se repiten algunos títulos. Por ejemplo, el año pasado dimos una Traviata, y ya teníamos una Traviata antigua. Entonces esa Traviata antigua salió (a la venta) y se guardó la del año pasado", comenta.








Si bien se reciclan algunas telas, un título completo como la Traviata no se recicla. No es que no se quieran ocupar los mismos, sino que el vestuario aparece a raíz de un concepto, un diseño de la puesta en escena, donde hay un director, diseñadores, coreógrafos, que determinan la forma de lo que presentará. Entonces a partir de eso se planifica quien será el diseñador", complementa.

Sobre la selección de telas nos cuenta que hay un equipo encargado de buscar muestras. Se va a probar y comprar con el diseñador. Todo ello es parte de la producción. En el taller se borda, se tiñe, depende de lo que se requiera. Y para poner los precios de la venta se toma en cuenta el diseñador, la cantidad y calidad de los materiales.







Entre los diseñadores nacionales, que trabajaron con el equipo estable del teatro, encontramos a Pablo Nuñez y German Droghetti.

Nosotros nos probamos varias piezas y quedamos maravillados con cada uno de sus relatos y la inspiración que puede derivar de ellos. Sin duda, un imperdible para los amantes del diseño y la moda.

¿Cuándo? Hasta el 29 de noviembre 2017

¿Horario? 10:00 a 20:00 horas.

¿Dónde? Sala La Capilla del Teatro Municipal. Ingreso por calle Tenderini (esquina Agustinas) - cerca de metro Santa Lucía

¿Precios? Desde $5.000.




(Fotos por Lontano)


El proceso creativo tras la Cápsula Inacap de El Tour en La Serena

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Cuando las pasarelas académicas se insertan en un evento de industria, el nivel de los alumnos crece de manera natural, producto de la exigencia del contexto. En la Región de Valparaíso tenemos ejemplos claro de ello, y de a poco también lo estamos observando en otras ciudades del país. Me tocó la suerte de asistir aldesfile de El Tour Inacap en La Serena que, por primer año, tuvouna cápsula de alumnos de esa sede.  Para saber más detalles del proceso, conversé con Consuelo Parot, docente de la asignatura de textiles tecnológicos, quien guió el trabajo de los alumnos.

El proceso tras la Cápsula Inacap La Serena en El Tour


“Una vez que supimos que participaríamos de la pasarela de El Tour comenzamos a revisar los trabajos desarrollados por los alumnos durante el año. Sin embargo, me costó lograr cohesión entre ellos.

Por eso decidimos, junto a la otra docente de la asignatura de textiles tecnológicos, confeccionar basados en los criterios de la pasarela ModaLab de Inacap, que tiene una connotación nacional y reúne el trabajo de todas las sedes.




Para contextualizarla con El Tour 2017 tomamos la tendencia propuesta por la WGSN, psicotropical, que también se usaría para ModaLab. Nos enfocamos en los conceptos básicos y la perfilamos hacia la temática del fondo marino para que todos los alumnos de la asignatura pudieran realizar una misma conceptualización y lograr un hilo conductor.

Trabajamos técnicas de intervención textil como decolorado, razgado, deshilado, sobreposición, etc, sobre denim, ya que es una tela dúctil, barata, fácil de manipular. A partir de este criterio elegimos un molde base, algo simple, porque estábamos contra el tiempo –por eso decidimos hacer vestidos- aplicamos los criterios antes mencionados, unificamos hilo conductor con la tela y elegimos las intervenciones textiles. Para ello creamos primero un muestrario de las intervenciones textiles y elegimos en conjunto lo que íbamos a utilizar y comenzamos a confeccionar”.




La valoración de lo presentado en El Tour y los aprendizajes del proceso


Mi valoración es súper positiva, ya que trabajamos enfocadas en diseños para la pasarela, lo que no habíamos hecho antes, porque no habíamos tenido la oportunidad de tener una pasarela académica de esta magnitud. Entonces los alumnos estaban súper entusiasmados.

Para no ser arbitraria y elegir sólo nosotras los mejores trabajos o que fuera por nota; expusimos los trabajos en maniquíes en el pasillo y se sometieron a votación de los alumnos. Ganaron los 8 con más votos, que fueron los que se mostraron en la pasarela.

Estaban todos muy emocionados de poder estar en una pasarela importantes, con modelos Elite. Haber trabajo en equipo en una sola colección; alrededor de 23 pensantes con 23 diseños distintos para lograr una sola colección, con una misma conceptualización, fue importante para los alumnos.

Nos dejó a todos muy contentos”.


Los alumnos que participaron en el proceso de la Cápsula Inacap


Javiera Leyton / Barbara Labarca / Valentina Honores / Mayra Ramires / Mauricio Ruiz / Sofia Rojas / Florencia lanas / Tamara Bakulic / Valentina Bañados / Alejandro Ardiles / M.Victoria Pino / Rosita Araya / Daniela Alvarado / Marcela Diaz / Claudia Carrasco / Camila Cantuarias.

(Fotos gentileza de El Tour Inacap)


Antónima presenta sus zapatos verano 2018 de la mano de Camila Puyol

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La mujer versátil y que quiere vestir distinta, a la que apunta la marca de calzado de autor, Antónima, hoy tendrá una doble noticia: se acaba de estrenar su colección verano 2018 de zapatos clásicos reinventados, de la mano de quien fuera la diseñadora de la recordada etiqueta Mala racha, Camila Puyol. En las próximas líneas nos contará más detalles sobre su nuevo rol  y los detalles de esta propuesta de temporada.


Motivos para incursionar en el mundo de los zapatos


"Siempre me han interesado los accesorios de cuero. Desde que salí de la universidad  y estudié diseño de zapatos y marroquinería en Buenos Aires. Con mi (ex) marca Mala racha, lo que más me gustaba trabajar, por un tema de materialidad y perdurabilidad, era el cuero.

Estaba en mis planes crear una marca propia de zapatos y accesorios, pero llegué a trabajar para Antónima cuando la Fran Torres me ofreció el puesto de diseñadora en este proyecto y acepté  feliz, porque se ajusta a lo que me interesaba hacer y sobre todo aprender del oficio".



La experiencia de Camila Puyol como diseñadora de Antónima


"Siempre un desafío nuevo es bueno. Me gusta incursionar en cosas que me sirvan de aprendizaje para más adelante y que mejor forma de hacerlo que con la práctica. Además la marca se adapta totalmente a mis gustos y al ser la clienta de Antónima similar a la que yo trabajaba con mi marca, el proceso de creación y búsqueda de inspiración son muy naturales".



La inspiración tras el verano 2018 de Antónima


"Antónima está siempre inspirado por mujeres, dirigido a una mujer versátil, que en su vestir quiere  ser distinta entre sus pares sin llamar la atención por lo extravagante. Siempre un zapato de Antónima va a ser un clásico, que toma de las tendencias de temporada solo lo que se ajusta a nuestra clientas, sin perder la feminidad ni la originalidad, que son nuestros conceptos base a la hora de diseñar".





¿Dónde comprarlas? En en Surtown, Dafiti, Mercado Ripley, Tienda Mestizas (Vitacura 3850, local 2); y Tienda Porquetevistes (Gertrudiz Echeñique 360, Las Condes)


(Fotos gentileza de Antonima)

Carolina Lemus: vestidos de novia slow

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Mi experiencia como novia es muy atípica. No me casé de manera tradicional, ni tampoco tuve vestido de novia. Pero si tuviera que realizar el rito clásico, sin duda, que optaría por una alternativa de moda consciente y slow. En esta línea nos encontramos a la diseñadora Carolina Lemus (marca homónima), que desde el rescate de oficios tan delicados como el bordado de alta costura da vida a verdaderas historias de amor convertidas en vestido. Te invito a conocer su propuesta en primera persona.

Los motivos para la creación de Carolina Lemus


"Definiría la creación de mi marca como un proceso de búsqueda, cuyo objetivo era encontrar lo que siempre anhelé en mi vida profesional: hacer algo que disfrutara el proceso, tanto o más, que el resultado final. Así fue como me enamoré de la alta costura. La especialización en novias fue algo muy intuitivo, una vez más seguí mis corazonadas (que es como he tomado muchas de las decisiones). Amaba la dedicación en una prenda, la construcción de detalles, la idea de crear una identidad de vestuario única, para alguien único también. Si a eso le agregamos el sentido que tiene para una novia está prenda, simplemente era todo lo que quería hacer".



La propuesta de Carolina Lemus


"Creo que la frase que más define mi propuesta es 'lo sublime está en la experiencia del proceso y no solo en el resultado final'. Una prenda, en mi caso un vestido de novia, debe ser bello, pero esa belleza debe estar incorporada en cada uno de sus elementos. No solo debe 'verse' bonito, sino que realmente serlo. Es por esto que el proceso de mis vestidos tienen un mínimo de seis meses de construcción, realizo prototipos para el molde, luego prototipos en cuerpo, y posteriormente vienen las 6 pruebas aproximadamente, que se necesitan para su confección. Me gusta mucho que mis diseños tengan una composición de estructura, cortes, bordado y telas. En el fondo es una suma de todo. Me encanta darle toques de color, el palo rosa es mi favorito. Siempre estoy innovando en cuento a materiales y técnicas artesanales para que sean parte de una nueva pieza".



La influencia de la sustentabilidad en el proceso creativo de Carolina Lemus


"La sustentabilidad es la base de mi marca, todo el modelo de negocios, el proceso creativo y la construcción de las prendas están basadas en una dinámica lo más sustentable posible, llegando al 90% y espero seguir subiendo el porcentaje. Hoy nos construimos a partir de un proceso que abarca desde una selecta elección del material hasta qué sucede posteriormente con la prenda. Nos preocupamos de que los materiales no usen pesticidas y sean orgánicos, que no exista la explotación con los agricultores y que tengan un trato justo, que la pedrería sea de vidrio y reutilizamos casi todos nuestros retazos. Además de tener obviamente confección nacional y preferir proveedores latinoamericanos".




La importancia de rescatar los oficios según Carolina Lemus


"Me parece que los oficios van acompañados de una manera de hacer las cosas, que a mí me interesa rescatar, ya que por un lado está la identidad que representan, y que se plasma en un producto u objeto, pero por otro está la persona que lo hace. Para mí ese es el punto fundamental. En este sentido he sido una afortunada de tener a dos grandes maestros, Ignacio Lechuga en moldaje y Elisabeth Roulleau en bordado de alta costura. En mi marca utilizo como técnicas principales las dos anteriores, pero he incorporado recientemente también el encaje rumano y el frivolité. Creo que tratamos de aportar al hacer de nuestras telas, algo totalmente creado por estas técnicas artesanales, quiero que se luzcan, que vuelvan a tener vida, y es por esto que no compro ninguna tela de pedrería ya hecha".



El principal desafío al que se enfrenta Carolina Lemus


"Creo que simplemente como dijo Gandhi, 'debes ser el cambio que quieres ver en el mundo'. Por eso me he puesto como desafío mostrarle al mundo de la industria textil, que es posible construir una marca sólida, con diseño y que funcione efectivamente, de una forma sostenible.

Realmente no podría haber creado una marca que no tuviera este principio como base. No ha sido fácil, me he demorado en construirla más y sigo en ello. Los proveedores son muy difíciles de encontrar y poder explicar al consumidor la diferencia tampoco es sencillo, pero cada vez me encuentro con más y más gente que quiere hacer el mismo cambio que yo. De hecho, recientemente me uní a una agrupación de Argentina llamada 'Positive Labels' a cargo de Vanina Chiappino y Santiago Bouquet, que busca reunir marcas latinoamericanas con principios sustentables.

El desafío es enorme, pero estoy segura que no es imposible". 



El futuro de Carolina Lemus


"Quiero, junto con mi equipo, seguir disfrutando el día a día, hacer el trabajo que amamos. Eso es fundamental para mí. Me encantaría poder tener un taller en donde existan áreas de diseño, confección, sustentabilidad, técnicas artesanales y espacios de creación. Quiero que mi marca pueda mostrarse al ámbito nacional e internacional, y hablar por sí sola, como una muestra de que se pueden lograr grandes cosas por un camino que desde mi punto de vista no podemos seguir obviando".

¿Dónde contactarla? calemus@uc.cl


(Fotos gentileza de Carolina Lemus)

Libre estrena nuevas camisas veraniegas

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He tenido la suerte de conversar con varios fanáticos de la marca de camisasLibre, que me han entregado una lista de atributos, entre los que destaco el diseño, la comodidad y frescura. De hecho, este último aspecto es muy valorado por quienes desean capear el calor sin perder el estilo. En este contexto, Libre resulta un buen regalo de Navidad, más aún cuando de tanto en tanto, nos sorprenden con nuevos modelos como los que hoy te presento, donde la versatilidad es el lema. ¿Te gustaría ser un hombre Libre? Acá te doy varias alternativas.

Nuevas camisas Libre: Bombay, Nilo, Paraíso, Picnic y Póker







¿Dónde comprarlas? En Santiago en Espacio Guerrero (Drugstore local 9G, Providencia) y Snog (Tegualda 1509, Ñuñoa). En Valparaíso en El Internado (Paseo Dimalow 167, Cerro Alegre) y Chatarra Lab (Urriola 564, Cerro Alegre). Para todo Chile en tienda virtual Libre.



Créditos producción
PH: Maximiliano Ollarzú / Make up: Lorena Burgos / Style: Cristóbal Oyarzun Arenas / Modelo: Cristian Canals


Aprendizajes y proyecciones del Desafío Epson - Inacap

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Las mil posibilidades que brinda la sublimación digital pudieron evidenciarse en el Desafío Epson - Inacap, iniciativa inédita entre la compañía japonesa y la Carrera de Diseño de Moda de Inacap, donde siete estudiantes y ex alumnos de las sedes de La Serena, Temuco y Santiago pudieron echar volar su imaginación en pos de crear una colección cápsula con esta técnica. De los siete, se seleccionaron tres, que pudieron presentar su propuesta en El Tour Inacap en La Serena y en el cierre en Santiago. Hoy Diego Cajas (sede Pérez Rosales), Diego Pizarro (sede La Serena) y María Jesús Jofré (ex alumna) nos contarán los aprendizajes, desafíos y proyecciones tras este interesante desafío creativo.

Diego Cajas 


"Siento que el aprendizaje clave fue entender que hay grandes marcas que se fusionan con la moda y apuestan por propuestas de diseñadores emergentes. La confianza, tiempo e inversión que realizan para llevar a cabo proyectos con jóvenes creativos. Sin duda, el mayor desafío para mi es enfrentarme a realizar múltiples proyectos paralelamente; cada uno con un gran significado y demandantes de tiempos. Cada proyecto y trabajo juega un rol importante en la construcción de una carrera si es tomado con ese peso".



"Este desafío me abre a técnicas que nunca quise tomar como bases para crear. El hecho de haber trabajado una colección 100% sublimada te hace tener en mente la sublimación como algo más fluido y trabajable para una futura colección o proyecto. Sin duda, hay mucho que aprovechar de la sublimación y de desafíos como éste".




Diego Pizarro


"Mi principal desafío fue utilizar una amplia gama de colores dentro de la colección. No suelo usar muchos colores en mi paleta, por lo que tuve que expandir mi visión creativa para utilizar al máximo los equipos tecnológicos de Epson, extrayendo un nuevo amor por los estampados digitales".



"Posterior a este desafío proyecto mi marca 'Piscis' con un pilar fundamental: los estampados creados en una nube tecnológica, sublimando fondos marinos contaminados de tecnología".




María Jesús Jofré


"Ya había utilizado la sublimación en telas de trajes baños y algunos vestidos. Pero esta vez fui mucho más allá con la sublimación, utilicé telas poco convencionales, jugué con las capas y efectos ópticos asociados a la mezcla de colores y texturas.

Mi propuesta se basó en todo lo que había hecho a mano en otras colecciones. Escanear, trabajarlas digitalmente y traspasarlo a la sublimación fue una manera de llevar lo artesanal a la tecnología. Así en el futuro también podría hacerlo de manera más rápida. La gran diferencia fue las telas que tuvimos que usar con, al menos, 70% de poliéster, para que quedaran los colores exactos.



Unos de los grandes desafíos fue que nos dieron muy poco tiempo para realizar todo. Primero la propuesta de diseños, mientras estaba con otros proyectos y el trabajo con mis clientas. Luego nos dieron una semana para realizar la colección, para comprar telas, sublimar y confeccionar los cuatro outfits. Fue una colección al límite".

"Unos de mis mayores aprendizajes fue optimizar el tiempo. Hacer una colección integral en tiempos límites, lograr compatibilizar todo lo que estaba haciendo".


"En términos de proceso creativo, gracias a este desafío, pude hacer una colección lo más creativa posible y aproveché al máximo lo que es la sublimación, logrando ampliar mi mente. Tomé lo hecho a mano, lo digitalicé siguiendo siempre mi sello. Fue tan satisfactorio lo que logré, que integraré la sublimación cómo parte de mi próxima colección, que ya está en proceso".



Diego Pizarro, Diego Cajas y María Jesús Jofré



(Fotos gentileza de Inacap | Foto principal: Propuesta de Diego Cajas, María Jesús Jofré y Diego Pizarro)

Alejandro Alberto: moda vibrante desde La Serena

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La necesidad de expresar y compartir su visión y sentir respecto a la moda, llevaron al estudiante de la carrera de Moda de Inacap - La Serena, Alejandro Jorquera, a crear su marca de indumentaria, Alejandro Alberto. Tuve la oportunidad de conocer su propuesta dentro del desfile de ModaLab de El Tour Inacap, donde fue reconocido por su interesante desarrollo creativo. Hoy nos contará cómo, a pesar de su corta experiencia, ha logrado construir una etiqueta con una clara identidad.

La propuesta de Alejandro Alberto


"Describo a Alejandro Alberto como una propuesta dirigida para todo aquel que vibre, con una confianza descarada, buscando versatilidad, ocupando su estilo como medio de auto descubrimiento, donde la identidad sustituye las nociones de la rapidez".




La influencia de  ModaLab en el  proceso creativo de Alejandro Alberto


"Fue un enorme impulso creativo para mí participar en ModaLab, al darme cuenta de todo lo que soy capaz de lograr, gracias al gran apoyo que recibí de Consuelo Parot, Daniel Olguín, Rodolfo Coronado, Catalina Petric, como de toda el área de diseño de Inacap".


Crear moda con identidad local para Alejandro Alberto


"La moda local es plana y sin innovación creativa. Esa fue una de las razones que me impulsó a crear mi marca, para lograr expresar lo obsoleto de la idea que la identidad de género y la moda están correlacionadas. Además donde la edad es un estado mental antes que un número, celebrando un intercambio libre de ideas e identidades".



Los desafíos de crear moda desde La Serena 


"El mayor desafío es la poca variedad en telas y avíos. Lo que obliga a dejar varias propuestas fuera por su alto valor al ejecutarlas, teniendo que replantear los limites creativos".


Imaginando el futuro de Alejandro Alberto


"Me lo imagino sin límites de ningún tipo, pero con una visión consciente y sostenible, donde el descubrimiento será la nueva exclusividad".


(Fotos gentileza de Alejandro Alberto y El Tour Inacap) 

Señorito: moda masculina que apela al género fluido

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Hablar de una sola masculinidad en el siglo XXI es completamente anacrónico. La moda de autor nacional es prueba de ello, con propuestas que expresan las diferentes realidades del hombre chileno. En este contexto, la marca de indumentaria masculina, Señorito, del diseñador Simón Lorca, no puede ser más oportuna. En ella no sólo quiere entregar una nueva alternativa de vestir, sino también generar una crítica a la llamada masculinidad hegemónica. Te invito a conocerla, a través de su relato, en primera persona.


Los motivos para crear Señorito


"Me motivaron varias cosas. Primero siempre he sentido que los hombres chilenos estamos muy limitados por las normas de género, sobre todo cuando se trata de vestirnos. En la investigación para el proyecto me topé con el término masculinidad hegemónica, que describe el tipo de masculinidad dominante en una sociedad, a la que todos los hombres deben aspirar. En Chile tenemos varios tipos, que a veces rayan en lo machista, así que también hay una motivación a criticar esas cosas, a salirnos de la caja y ampliar las tipologías de indumentaria a las que podemos acceder los hombres".


La propuesta de Señorito


"Es una plataforma de creación critica, con foco en la subversión de las masculinidades estereotipadas chilenas. Genera piezas novedosas que intentan acercar la variedad de la moda femenina hacia la masculina, adoptando materialidades, cortes o texturas de la primera y apropiándoselos para crear un cruce único que desestabiliza los preceptos tan arraigados en la masculinidad actual".


La inspiración de Señorito


"De partida me inspiro como te había contado en las masculinidades hegemónicas de Chile. En ese sentido, el proyecto tiene aristas muy sociológicas, casi antropológicas, pues siempre hay un estudio previo del estereotipo que deseo poner en crisis. En el caso de la primera colección -titulada Hijito de Papá- fue el 'zorrón', para lo que tuve que acercarme a ellos, a través de una investigación web, entrevistas y en terreno.

Por otro lado, siempre están las limitantes materiales. Creo que en Chile es difícil diseñar indumentaria porque el tipo de telas a las que podemos acceder es muy reducido, sobre todo en lugares como Independencia. Todo es sintético, hay que tener buen ojo para encontrar las 'picadas' donde venden las telas que a uno le sirven, lo demás es siempre muy de cotillón".


La evolución del vestir masculino en Chile según Señorito


"Hace un tiempo lo conversaba con un primo que vive en Francia y vino de visita. Según él, no hay diferencia entre como se visten los hombres allá y como se visten acá, o por lo menos se ha vuelto más semejante. Creo lo mismo, definitivamente la moda masculina de ahora no tiene nada que ver con la de veinte o diez años atrás, hay muchas cosas que están permitidas, en términos de colores, estampados, etc.

No es raro ver un hombre con una camisa floreada o una guayabera de muchos colores. En Chile ha pegado fuerte el tema de la fluidez de género, se conversa harto. Creo que hay varias propuestas que hacen que vaya avanzando. Sin ir más lejos hay una exhibición en el Centro Cultural de España en Santiago sobre moda y género, que me pareció muy interesante y propositiva. Eso y las propuestas de varios diseñadores emergentes van haciendo que la moda masculina vaya progresando hacia un lugar de mayor apertura.

Lo que si creo –y acá comienza el aporte que quiero hacer con Señorito– es que nos hemos quedado en las mismas tipologías. Siempre es camisa y pantalón, o polera y short. No tenemos una versión de vestido o kilt, por ejemplo. Las formas siempre son las mismas, los largos también. Señorito aporta a abrir un poco más esta noción, a darnos cuenta de que dividir la ropa por género es un aspecto social, que nosotros determinamos y podemos decidir como sociedad abolirlo. Tengo muchos amigos, heterosexuales que les encantaría poder usar vestido con el calor que está haciendo ahora, pero saben que de hacerlo les gritarían mil cosas en la calle, y al final la cosa se convierte en una decisión de autopreservación.

Lo que quiero es invitar a reflexionar, abrir un poco la mirada y ojalá empezar a acostumbrarnos a estas nuevas tipologías, a sumarlas al imaginario y que así como el estampado floral se conviertan en permitidas".


El principal desafío de Señorito


"Creo que Señorito tiene dos grandes desafíos: el primero es conseguir la aprobación del público al que va dirigido, y eso es lo difícil, cambiar la perspectiva de los hombres respecto a la ropa que pueden usar. Por el momento la audiencia de las redes sociales de la marca es mayoritariamente femenina, lo cual agradezco mucho, pero me gustaría llegar a los hombres, hacerlos reaccionar a la campaña, y que vean esta nueva propuesta.

El segundo es encontrar financiamiento para poder desarrollar mínimo una colección cápsula anual. Por el momento el proyecto está planteado más desde una perspectiva del ejercicio de aporte cultural más que como un lugar de compra-venta de productos, y no se si el mercado chileno está preparado para eso. Sé que hay hombres que podrían querer adquirir las piezas hechas para Señorito, pero lo difícil es llegar a ellos, encontrar un nicho que se atreva a derribar los preceptos de género en su día a día, pero es lo que quiero. Sé que existen.

Es algo que recién estoy enfrentando, por el momento estoy intentando difundir lo mejor que puedo el proyecto, lanzando la campaña en las redes sociales. En cuanto al financiamiento creo que pueden haber varios fondos concursables, que podrían calzar, ojalá salga alguno".


El futuro de Señorito


"Aquí creo que puedo pecar de optimista, pero me imagino un futuro donde Señorito genera un impacto de verdad, ojalá que contribuya como te decía anteriormente a ampliar el imaginario. Sería increíble para mi que a raíz de esto se empiecen a ver más hombres con vestido en la calle, o con croptops, usando telas transparentes o encaje, cosas más jugadas en una línea de 'género fluido' como se conoce en los estudios de identidad de género.

También me imagino que pueda lograr despegar del ejercicio a ser una marca instalada a nivel local, que aparezcan clientes que se sientan representados por su perspectiva. Creo que hay miles de señoritos ahí afuera para los que no se está diseñando, gente con un espíritu libre y subversivo que quiera llevar a diario ropa como ésta para hacer su propio statement. No se trata necesariamente de ir de activista en todo momento, sino encontrar el espacio para vestirse como uno quiera, sin que el resto tenga que meterse a opinar si esto es permitido socialmente o no".

¿Dónde comprarla? A través de las redes sociales de la marca y el correo senorito.cl@gmail.com


Créditos producción
Fotografía: Pablo O`Ryan /  Modelos: Octavio Neira, Santiago Álvarez y Paul Sargent.

Apropiación cultural en la moda: qué hacer para no caer en ella

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La globalización de la información y las comunicaciones nos ha permitido "adentrarnos" en diversas culturas y saberes ancestrales, sin salir de nuestra casa. Si bien, ello puede ser positivo desde el punto de vista del conocimiento de la diversidad, se torna una nebulosa cuando ese "conocimiento" es sacado de contexto. Ese fenómeno también conocido como "apropiación cultural"se ha transformado en una constante en la moda. En este lado del planeta no estamos libres de él, por lo mismo resulta urgente preguntarse: ¿qué hacer para no caer en ella? Hoy le doy una vuelta.

Cómo no caer en la apropiación cultural en la moda


La apropiación cultural ocurre cuando una marca toma un elemento, saber o expresión de una étnica, grupo social y/o movimiento y los hace propios, sin ni siquiera tener un contacto con ese "otro".

Para que se hagan una idea muy gráfica y que raya lo vintage, es similar a tomar un libro y reinterpretar en código propio lo que se lee en él, sin ni siquiera tomarse el tiempo de investigar más y contactarse con el autor para entender con claridad qué, cómo y por qué dice lo que dice.

Esa acción silenciosa y que podría pasar desapercibida, hoy ha logrado ser desenmascarada gracias a las redes sociales, que han encendido las alertas y han puesto el tema en la palestra.

Nadie dice que sea negativo mirar otras culturas y empaparse de ellas dentro de un proceso creativo (en la moda de autor la identidad local es la fuente base de inspiración). Pero ese actuar no puede ser vía "laboratorio", descontextualizando y cosificando ese saber o manifestación cultural. Borrando su relato.


Para no caer en lo anterior es necesario:


  1. Tomar contacto con aquel que representa ese aspecto que se quiere resignificar para poder lograr comprender la cosmovisión y/o mirada de mundo detrás de ese "algo" que cautiva a la marca.

  2. Trabajar colaborativamente. Es decir, transformar el proceso en un intercambio activo, donde a quien se tributa sea parte y entienda el significado de aquello. Por ejemplo: si se quiere trabajar con técnicas ancestrales se aspiraría que ese trabajo fuera realizado también con artesanos especializados.

  3. Crear comunidad. La cultura está cimentada en comunidades, por lo mismo, si se toma un elemento de ella es necesario honrar esa comunidad, hacerla parte, no sólo en el proceso creativo, sino también en la comunicación de marca y en la distribución retribuyendo de alguna manera ese "préstamo cultural".

La marca de indumentaria chilena - estadounidense, VOZ, es un muy buen ejemplo de cómo trabajar de manera respetuosa con el saber de culturas ancestrales 

Hoy no existen excusas para crear desde la opacidad. Las mismas herramientas que nos permiten conocer y enamorarnos de ese "otro", también nos servirán para ponernos en contacto con él y demostrarle que nos importa, lo respetamos y queremos -junto a él- crear nuevos mundos desde su mundo.

En Voices 2017 de BOF se analizó el tema de la apropiación cultural, a través del caso de Gucci y Dapper Dan 


Foto principal: Desfile de septiembre 2016 de Marc Jacobs, en el que fue acusado de apropiación cultural por el uso de las rastas o dreadlocks en las modelos, que en su mayoría eran blancas. Foto por ANGELA WEISS/AFP/Getty para Us Magazine

Lupe Gajardo evalúa su primer año como directora de la carrera de diseño de vestuario en Aiep

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A casi un año (académico) de asumir como directora de la carrera de diseño de vestuario de Aiep, la diseñadora Lupe Gajardo reflexiona como esta nueva posición ha "afectado" a su marca homónima, junto a los desafíos y proyecciones de esta nueva etapa. Asimismo explica el sello que espera ir imprimiéndole a su gestión de la mano de estudiantes involucrados con el medio y con discurso propio. En las próximas líneas su análisis.

Directora de carrera versus el desarrollo de la marca Lupe Gajardo


"En mi primer año en el cargo de directora de carrera, no le he podido dedicar el 100% del tiempo al taller como era habitual hasta marzo y he tomado la decisión de repartirme 50 y 50. Eso significa que el taller está bastante más lento. Decidí hacer solo una colección este año, en vez de dos.

Seguramente el próximo año va a ser el mismo ritmo. Estoy tomando menos clientes y eso se nota en el ritmo. Y esta decisión fue porque estoy aprendiendo, estoy metiéndome en el mundo académico, que totalmente nuevo para mí. Yo había hecho clases, pero ser directora de carrera es bastante más.

No creo que esta decisión tenga consecuencias, ni inmediatas, ni a futuro en la marca. Creo que ser independiente da esos espacios de libertad. Me siento más cómoda entregando lo que más puedo en el Aiep y dejando la marca un poquito de lado".

Lupe Gajardo en su desfile AW2017

Las expectativas como directora de carrera 


"Mis expectativas están puestas, principalmente,  en crear propuestas de valor, que los estudiantes salgan con un discurso propio. Creo que ese es el mayor valor que tiene el vestuario, más allá de ser un medio en el cual uno se puede desarrollar, ganar plata y vivir de él. Me interesa como directora una reflexión un poco más profunda. Sacar diseñadores con voz propia, y no sólo máquinas de hacer ropa".

Traspasar la experiencia de crear marca desde su rol de directora de carrera 


"La manera más adecuada de traspasar esta experiencia es teniendo profesores muy vinculados al medio. Es decir, que los estudiantes tengan de primera fuente la información de lo que está pasando, cómo está pasando y además teniendo una relación muy cercana, que ha sido un poco la tónica de este año.

Conocer a mis alumnos, conversar. Ellos me piden consejos no sólo en términos académicos, sino también como diseñadora. Creo que esa ha sido la manera de traspasar esta experiencia, además de algunos workshops. Tenemos  planificado un 2018 intensivo en workshops de las distintas materias y dictado por gente que es muy partícipe y que está muy vinculada en el medio. Entonces eso hace que la carrera, la escuela se integre en el medio, en este circuito pequeño, pero bastante dinámico".

Desfile 2017 de Lupe Gajardo

El sello de la dirección de Lupe Gajardo en Aiep


"Quiero que mi sello sea la calidad. Siento, que en este año de diagnóstico, ha sido el punto más difícil. Buenas ideas, pero no muy buena factura. También quiero que haya calidad en las propuestas, que haya una reflexión más profunda, porque así se enriquece no sólo la escuela, sino también lo que podemos aportar a la sociedad.

El vestuario para mí es una herramienta bastante útil y directa, cuando se trata de enviar mensajes, y que mejor que la juventud para hacerlo. Es cuando uno más tiene que decir. Es el momento para hacer una introspección y una propuesta; porque cuando uno es estudiante, no hay mucho que perder".


El futuro de los estudiantes de diseño de vestuario en Chile según Lupe Gajardo y su aporte en este escenario


"Veo bastante campo. Un diseñador de vestuario se puede desempeñar en un área muy amplia. Hay un abanico gigante en que se puede especializar, no sólo en el vestuario, y hay un futuro positivo sobre todo por la autogestión, que va muy de la mano con las nuevas expectativas que tienen los jóvenes. Son tantas las herramientas que te permiten mostrar tu trabajo, sin necesitar una inversión gigantesca, hay tantos concursos y becas, que el futuro se ve bastante positivo. Me encantaría que de la escuela salieran con ganas de vincularse y participar activamente en el medio.

Me gustaría sacar estudiantes reflexivos, que tengan esta capacidad de reflexionar, proponer, gestionar. Creo que hay un foco súper potente puesto en todo lo que es gestión, tanto en las colaboraciones, como independiente y también en el trabajo en equipo para quien se quiera emplear en una empresa o no quieran ser independiente. Ese lado no lo dejamos botado.

El Aiep tiene un sello distintivo como institución, que es un sello técnico, que me hace mucho sentido. Eso significa un foco puesto en los procesos operacionales, y eso aporta mucho al futuro, porque se ha dejado mucho de lado en la industria nacional últimamente. Se ha reemplazado por Asia y creo que desde ahí podemos ser un gran aporte, con operarios de primera calidad y que en un futuro podamos ser un país como Perú que recibe pedidos desde el extranjero en el área de confección".







Simiente: piezas de ornamentos coporales desde el cuesco de la palta

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Conocer el movimiento de slow fashion marcó un antes y después en la carrera profesional de la diseñadora de muebles y objetos, Carla Anaís, ya que la motivó a desarrollar una propuesta donde el hacer y el creer iban de la mano. El resultado de ese proceso fue Simiente, marca de joyería contemporánea, especializada en ornamentos corporales provenientes del cuesco de la palta. Hoy nos contará qué la llevó a transformar ese desecho orgánico es una pieza cargadas de relatos.

Las motivaciones para usar el cuesco de palta en Simiente



"Decidí trabajar con el cuesco de palta debido al resultado de un estudio sobre el mal tratamiento de los residuos en Chile. Allí se analizaron cuales eran los más contaminantes y para mi sorpresa, los 'desechos orgánicos' estaban en los primeros lugares debido a que emiten mayores cantidades de gas metano en los basurales (uno de los principales gases del efecto invernadero).

Como no esperaba esa respuesta, me introduje aún más en el tema, con el fin de buscar nuevas posibilidades de materiales. Excluí los residuos de origen animal, por un tema ético personal y los vegetales, dado que se degradan muy rápido. Por lo tanto, seleccioné entre las frutas más consumidas en Chile: plátanos, manzanas, uvas y paltas. Se desglosaron sus residuos en tipologías y posterior a eso, se hizo una selección, donde el cuesco de la palta fue el material más conveniente para trabajar, ya que se encuentra disponible todo el año, es duradero, y tras varias experimentaciones, se logró fabricar las piezas del proyecto Simiente".



La propuesta de Simiente


"Mi propuesta la definiría como una manera de concientizar por medio de la duda y también una manera de manifestarse. Me refiero a que si alguien que no tiene idea lo que es el proyecto y ve una pieza de Simiente preguntará, ¿qué es? y al recibir la respuesta, se podría generar todo un feedback al respecto. También el portador de una de estas piezas, es un usuario que tiene interés en temas ecologistas o de mano de obra local. Por lo tanto, la lleva como parte de su manifiesto personal".


La influencia de la materialidad en el proceso creativo de Simiente


"La materialidad ha sido toda una odisea, desde descubrir como trabajarla, hasta el manejo de los resultados. Si bien ya logré generar un proceso productivo, el solo hecho de que es un materia orgánica hace que todos los resultados sean diferentes, aunque los trabaje con moldes. Aún así, pienso que eso le da aún más valor, las variantes de color, tamaños, dureza, etc. Cabe mencionar que el material es muy plástico y resistente, quizás no para hacer piezas demasiado grandes pero del tamaño de la joyería funciona perfecto. Respecto a la forma de las piezas, el contorno es una abstracción de la forma de un cuesco y las facetas son una analogía de los cortesque se realizan a las piedras preciosas para darles brillo y valor. Es una manera de brindarle importancia a algo que se suele desechar, contextualizandolo y llevándolo a un lenguaje propio de las joyas".


Crear moda con identidad local para Simiente


"No me había planteado mucho ese tema, siento que el proyecto se desenvolvió así desde el inicio. Cuando se quiere hacer algo sustentable que genere algo en las personas, se debe tener una base de desarrollo local, producir dentro del contexto y hacer a otros participes de él. Para mí significa la manera en que se deben hacer las cosas. En cuanto a la comunicación el proyecto es bastante reciente en las redes sociales, así que no tiene mucha popularidad ni contenido aún, pero lo esencial es mostrarlo tal cual es, desde su inicio conceptual, explicando las formas, el por qué del material, procesos hecho a mano, etc. En resumen mostrar el proyecto con la mayor honestidad posible".


El principal desafío para Simiente 


"El principal desafío de Simiente es que no solo sea un proyecto sustentable como proceso y producto, sino que también se sustente en el tiempo. Creo que la clave para poder lograrlo sería ir mutando, haciendo cosas distintas, mejorando procesos, colaborando con otros diseñadores o marcas. De todos modos pienso que eso es algo que iré aprendiendo a medida que vaya avanzando con el proyecto".


¿El futuro de Simiente?


"Deseo poder expandir la marca, lograr tener un equipo de trabajo amplio para poder producir más piezas, ya que el proceso es muy artesanal. Creo que podría enseñarlo a quien quisiera aprender, dueñas de casa, abuelitos, estudiantes, cualquier persona que quiera trabajar desde la casa o en un taller. También sería necesario un equipo de orfebres para realizar las uniones de las piezas, eso es indispensable y, por último, poder vender en tiendas que fomenten el comercio local".

¿Dónde comprarla? A través de su Instagram o al correo carla.anais.c@gmail.com


(Fotos gentileza de Simiente) 

Regala una experiencia de belleza en Claro Studio

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Para no transformar la Navidad en un periodo de agobio y/o de regalar "obligado" o "sin inspiración", no sólo hay que ser más consciente y responsable en el consumo, sino también hay que pensar en obsequios que puedan transformarse en experiencias de disfrute y relajo, sobre todo luego de un año intenso. En esta línea encontramos las tarjetas de regalo y clases de automaquillaje que nos ofrece Claro Studio de la maquilladora, productora de moda y colaboradora de QT, Mackarenna Claro. Hoy nos contará más detalles sobre ellas para que las consideren como una alternativa de regalo o autoregaloneo de fiestas.


Gift cards y clases de automaquillaje en Claro Studio


Un regalo realmente atesorable en este periodo de "amigos secretos", Navidad y otros festejos es el relajo. Si bien no se puede entregar en caja o en un sobre, si se puede transmitir a través de una experiencia como las que ofrece Claro Studio, en pleno corazón de Providencia, Santiago.


Desde $10.000 puedes elegir entre maquillaje social, esmalte permanente manicure simple o pedicure esmaltado permanente simple, todas opciones "condensadas" en una tarjetas de regalo, que le permitirán a tu regalado o a ti -si es que quieres autoregalarte- pasar un momento agradable, de calma y desconexión.

Por otra parte, para quienes desean partir el 2018 con un aspecto renovado, también hay posibilidad de comprar las gift card o tarjeta de regalo  de clases de Automaquillaje 2x1, cuyo valor es de $45.000.

Macka Claro maquillando en Claro Studio

En ellas podrás ir tú con una amiga, tu mamá, hermana o quien se te ocurra (también se lo puedes regalar a dos personas que vayan juntas) a una clase de tres horas prácticas, con materiales incluidos, donde aprenderás sobre cuidado e hidratación de tu tipo de piel; maquillaje día a noche; smokey eyes y contorno.

Lo mejor de estos servicios es que Macka cuenta con horarios flexibles para que los puedas utilizar de lunes a sábado, sin tener problemas ni topes con tu trabajo u oficina.

¿Dónde comprarla? A través del correo clarostudioinfo@gmail.com o al fono +56 9 56576597. También puedes visitar el estudio ubicado en Padre Mariano 210, oficina 906, Providencia (Metro Pedro de Valdivia), y comprarla con redcompra.


¿Te animas a regalar una experiencia de belleza en Claro Studio?

(Fotos gentileza de Claro Studio)

Matías Hernán x Epson: trazando relatos desde la sublimación digital

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Desafiar las pasarelas tradicionales no es una tarea fácil. Sin embargo, el diseñador Matías Hernán, hace rato que nos viene demostrando que se puede innovar, sin perder el foco en el vestuario, más aún cuando se desafían los propios límites creativos de la mano de la sublimación digital. En su Matías Hernán Fashion Show x Epson,  realizado el 6 de diciembre en Centro Nave, reafirmamos que la pasarela puede ser un espectáculo de moda. Acá los detalles.

Matías Hernán x Epson


Matías Hernán ha focalizado su carrera en tres marcas, que desde diferentes horizontes y énfasis tienen a la sublimación digital y la experimentación tecnológica como técnicas conductora: The Remix (junto al diseñador gráfico multimedia Carlos Palma); su marca homónima y Doble Tag.



Cada una de ellas posee una identidad y relato. En su fashion show no sólo enfatizó estos aspectos, a través de 4 colecciones cápsulas, sino también hizo honor al espacio donde lo montó - Centro Nave-, creando una atmósfera y puesta en escena que mezcló las artes escénicas, el performace y el desfile convencional.










El resultado de esta apuesta fue un espectáculo de moda, que despertó el entusiasmo de todos los asistentes y que asimismo, permitió ver la funcionalidad de las prendas en " situación de estrés", es decir, en movimiento intensivo, que desafiaba costuras y terminaciones.







Por supuesto, cada una de las piezas pasaron la prueba y nos permitieron apreciar el tremendo abanico de posibilidades que ofrece la sublimación digital de la mano de Epson. Asimismo, nos enfrentaron a un universo creativo, que navega desde la "simpleza" comercial a la complejidad artística.

Esta colección es el resultado de la colaboración con el arquitecto Gonzalo Espinoza Mera









¿Dónde comprarlas? En el showroom de Matías Hernán en Barrio Bellas Artes, agendando cita al correo contacto@matiashernan.com


Fotos por Lontano


#MHxEpson #MatiasHernan #EpsonDigitalCouture

Hombres Tejedores: construyendo una mejor sociedad desde el tejido

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Vivimos en una sociedad que aún nos encasilla según nuestro género. No obstante, existen muchas formas de romper esos estereotipos. Tejer es una de ella. Así lo pensaron un grupo de hombres, que vieron en este oficio una forma de deconstruir la masculinidad tradicional y construir comunidad sin etiquetas. El colectivoHombres Tejedores nace el 18 de junio de 2016, en el contexto del Día Internacional del Tejido Al Aire Libre. ¿Qué ha pasado posterior a ese hito? Ad portas de realizar su taller mensual de tejido al aire libre, Claudio Castillo Malebrán, nos los devela.

El hito que da vida a Hombres Tejedores


"Hombres Tejedores comenzó con talleres de tejido en el verano de 2016 y a partir de ahí comenzó a tejerse una historia que hoy reúne muchas voluntades, muchas miradas e intenciones de crear una mejor sociedad en donde los estereotipos de género no sea lo que nos define. En términos formales, el 18 de junio de 2016 es la fecha que nosotros reconocemos como el inicio del colectivo. En el contexto del Día Internacional del Tejido al Aire Libre, hicimos una convocatoria a través de Facebook (ya habíamos creado un Fanpage que estaba teniendo alta recepción por parte de la gente) y a ese encuentro, que realizamos en las afueras del Museo de Bellas Artes, llegó gran parte de quienes conformamos Hombres Tejedores hoy. En ese momento, nos dimos cuenta que podíamos comenzar a trabajar más allá de aprender nuevos puntos y técnicas, sino que había historias profundas que nos entrelazaban y que podríamos destejer y volver a tejer para un trabajo más consciente y focalizado esta vez como un colectivo".


Qué se requiere para ser parte de Hombres Tejedores


"El trabajo de Hombres Tejedores se focaliza en levantar la problemática de los estereotipos de género y cómo somos capaces de deconstruir la masculinidad tradicional para dar paso a nuevas maneras de vivirla. Son temas profundos que no necesariamente resuenan en todos los hombres que se acercan a nosotros. Por esta razón, hemos creado distintas instancias de trabajo y relación con la comunidad: talleres para quienes quieren aprender a tejer, encuentros mensuales en espacios públicos, charlas en colegios, instituciones y organizaciones que están en sintonía con lo que hacemos, además de intervenciones urbanas u otro tipo de medio por el cual buscamos visibilizar y sensibilizar. Para los objetivos específicos del grupo, las puertas están siempre abiertas a quien sienta que estas problemáticas son importantes de seguir trabajando y que quiera aportar en esta línea".



Acciones y talleres de Hombres Tejedores


"El trabajo de Hombres Tejedores se lleva a cabo a través de distintas hebras. Por un lado, los talleres de tejido básico están dirigidos a hombres que tienen interés a conocer más sobre esta práctica ancestral y cómo pueden utilizarla según sus intereses personales. Recientemente formamos una alianza con Mundobelli, un hermoso lugar en donde realizaremos talleres de forma permanente durante 2018 y continuamos con nuestros encuentros mensuales de tejido al aire libre. El próximo será el 16 de diciembre en el Parque Bicentenario (detrás de la Municipalidad de Vitacura).

También, estamos evaluando otras actividades para el próximo año y dos de los desafíos importantes es apoyar el trabajo que está comenzando en Hombres Tejedores Argentina y lo que esperamos sea Hombres Tejedores Portugal, en donde actualmente viven dos integrantes del colectivo.

Lo que buscamos con estas acciones es seguir abriendo espacios, reuniéndonos en torno al tejido y ver de qué manera más y más personas se suman a este interés de tejer una nueva y mejor sociedad".




La importancia de rescatar y revalorizar los oficios según Hombres Tejedores


"La memoria es lo que nos permite mirar hacia el pasado, honrar a quienes comenzaron con oficios tan bellos como el tejido, y mantenerlo vivo a través de una práctica contemporánea a la que se le pueden añadir nuevos significados para que nuestra forma de interpretar el mundo se enriquezca cada día. A nosotros nos gusta tejer no sólo porque mejoramos nuestra motricidad, mantenemos nuestro cerebro activo o podemos transformar materias en ropa u otro tipo de prendas. Nos gusta tejer porque también a través de la práctica, en especial en espacios públicos, logramos remecer conciencias y formas de pensamiento para abrirlas y, juntos, generar mejores espacios de convivencia. Es ahí donde está el aporte del trabajo que realizamos: en la convocatoria a hombres y mujeres, en la conversación que instalamos, en el cuestionamiento que hacemos a las masculinidades tradicionales, al surgimiento de otras más diversas y también al mantener viva una práctica de tanto valor para la humanidad como es el tejido".



Los  principales aprendizajes del primer año de vida de Hombres Tejedores


"Desde la creación del primer taller hasta cómo unir voluntades en realidades diversas como Argentina o Portugal, cada día en Hombres Tejedores es un aprendizaje que agradecemos y recibimos con apertura. Dentro del grupo hay una diversidad tan rica, tan estimulante y complementaria, que nos permite abordar cada uno de los proyectos y decisiones que tomamos de una manera lo más integral posible.

En términos específicos, estamos siempre aprendiendo a organizar el grupo, a canalizar inquietudes, a dividir tareas, a confiar en la capacidad de nuestros compañeros, a cómo establecer lazos y conversaciones con otras organizaciones, distinguir, reconocer y agradecer el trabajo que decenas de otros colectivos realizan, desde sus trincheras, para vivir en una mejor sociedad. También, aprender a recibir lo que aún desconocemos, pero que queremos saber, a que hay compañeros que luego de trabajar con amor y compromiso, y a raíz de lo que ha sido Hombres Tejedores en su vida, hoy tienen sus propios emprendimientos, ver cómo el trabajo del colectivo ha resonado en tantas personas, en Chile y en el mundo entero, y que nos piden consejos para crear espacios similares en sus ciudades, entre tantas otras cosas. Sabemos que cada día y cada decisión para cada proyecto es un aprendizaje y desde ahí seguimos trabajando".



Proyectando la labor de Hombres Tejedores


"Además de la sistematización de los talleres que realizaremos durante 2018, queremos seguir estableciendo lazos con otras organizaciones para trabajar juntos por una mejor sociedad. Esto implica colegios, universidades, instituciones en general que cuenten con algún grado de sensibilización sobre la problemática de los estereotipos de género y las nuevas masculinidades. También, vamos a seguir realizando nuestros encuentros mensuales y nos gustaría visitar algunas ciudades de Chile, porque hay muchas personas que tienen inquietudes y quieren conocer de cerca nuestra labor.

De la misma manera, impulsar el trabajo de Hombres Tejedores en Argentina y Portugal, además de establecer alguna forma de colaboración a distancia con personas que también quieren iniciar un trabajo más sistemático, como ocurre en México actualmente, además de los contenidos que compartimos a través de nuestras redes sociales (Facebook e Instagram). Todo esto en el ámbito operativo. Desde una perspectiva más amplia, queremos seguir abriendo espacios y conversaciones de los temas que convocan nuestro trabajo como colectivo, seguir aprendiendo y contribuyendo a la construcción de una sociedad más respetuosa de las diferencias, diversa e inclusiva".


¿El próximo encuentro de Hombres Tejedores? El 16 de diciembre 2017 de 10.00 a 14.00 hrs en el Parque Bicentenario, detrás de la Municipalidad de Vitacura.


(Fotos gentileza de Hombres Tejedores)

Mâu: indumentaria femenina con bordados de tribus asiáticas

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En enero de 2017, Pilar Duque se fue a vivir a Singapur por el trabajo de su marido. Aprovechando esta instancia, decidió crear junto a su suegra y su cuñada  -Susana Mandry y Susana Nahum respectivamente- una marca de indumentaria, que llamaron Mâu (color en vietnamita). En ella los bordados de tribus asiáticas como los Hmong y las telas de rincones tan diversos como Tailandia, Vietnam, Indonesia, Sri Lanka son el hilo conductor. Hoy Pilar nos contará cómo han logrado desarrollar una propuesta de diseños únicos y comercio justo.

La propuesta de Mâu


"Definimos nuestra propuesta en cuatro palabras: tendencia, color, diseño y exclusividad. Buscamos ofrecer productos únicos, originales y personalizados. Por ejemplo, diseñamos chaquetas con distintos parches bordados de las tribus asiáticas, para que así sean todas diferentes. No hay una igual que la otra, ni existe otra igual en el mundo. Y eso hace que las clientas se vayan felices con su chaqueta, y que tengan la seguridad que no hay otra igual. También, hay algunas clientes que han elegido los parches para su chaqueta y se la diseñan ellas mismas".



La influencia de los textiles de la tribu Hmong en el proceso creativo de Mâu


"Los diferentes textiles que adquirimos en nuestro viaje por Asia, nos inspiraron para diseñar las chaquetas, carteras y accesorios, debido a sus impresionantes coloridos, mezcla de telas, espejos, borlas, pompones. Es muy enriquecedor e inspirador para nosotras estar diseñando con estos parches elaborados por las tribus asiáticas, todo hecho a mano. Es increíble todo el trabajo que hay detrás de estos parches, por lo que le buscamos dar el mejor provecho".


La relación de Mâu con la tribu Hmong


"En nuestro viaje por Tailandia, buscamos a la tribu Hmong. Ya habíamos investigado antes su trabajo, sus bordados y fuimos directo a hablar con una señora de más de 80 años. Ahí estaba ella bordando. En todo el tiempo que estuvimos en el lugar con ella (cinco horas), no paró de bordar. Nosotros nos comunicamos con su sobrina, ya que la señora no hablaba inglés. Tenemos hasta el día de hoy una relación de comercio justo, aceptamos los precios que nos dan, ya que es todo hecho a mano, de generación en generación y sabemos el valor.

Para ellos como tribu es muy importante que no se pierda la tradición de bordar y se pase de generación en generación, y para nosotras es enriquecedor e inspirador adquirir estos bordados handmade para crear diseños con impresionantes y llamativas mezcla de colores".


El principal desafío de Mâu


"El principal desafío a largo plazo es perdurar en el tiempo, seguir creciendo y que la marca se haga conocida, y el día de mañana poder tener nuestra tienda física. Pero vamos paso a paso, no nos queremos saltar ninguna etapa, y creemos que vamos por el mejor camino para cumplir la gran meta.

Por otro lado, nuestro principal desafío a corto plazo es pensar en nuestra colección otoño/invierno. Todo lo que trajimos ahora es temporada primavera/verano, con mucho color. Pero tenemos muy claro que en invierno se usa menos color y hay que buscar nuevas telas, nuevos productos para nuestras clientas. Así que ahora estamos enfocadas en idear nuestra colección de inverno".


El futuro de Mâu


"Queremos ser una reconocida marca a nivel nacional, participar en las más importantes ferias de diseño y moda, y tener nuestra tienda física. Buscaremos otros mercados de Asia para seguir ofreciendo productos únicos y originales. Vamos por buen camino".

¿Dónde comprarla? A través del correo mautiendachile@gmail.com y whatsapp +56998376390


(Fotos gentileza de Mâu)


Pasarela Desafío Alta Moda: la tecnología como aliado creativo

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La tecnología puede ser un excelente aliado en el proceso creativo de los diseñadores de moda. Así también lo cree la Carrera de Diseño de Vestuario de DUOC-UC, sede Viña del Mar, que este año llevó a cabo el Desafío Alta Moda, donde invitó a estudiantes, titulados y profesores a participar en forma abierta y voluntaria en este programa, que tenía como premisa la experimentación con nuevos materiales y tecnologías digitales aplicadas al diseño. A días de conocer el resultado de este proceso en una bella pasarela en el Palacio Rioja conversé con Vivian Urmeneta, directora de la carrera, quien me entregó detalles de este proceso del que también fue partícipe.

Los motivos para realizar entre cruce con la tecnología


"Creemos que las tecnologías digitales abren perspectivas formales muy interesantes para el vestuario, sobre todo desde una perspectiva complementaria al trabajo manual. Como Escuela de Diseño hemos ido incorporando distintas herramientas tecnológicas en  nuestros laboratorios de desarrollo de productos, con las que se torna necesario experimentar para extender sus opciones de uso y potenciar así la innovación en productos de Diseño.



Por supuesto que también nos inspiró profundamente la Exposición Manus x Machina, Fashion in the Age of Technology, montada en el MET Museum de New York el 2016, así como lo planteado por Thomas P. Campbell, director del Museo Metropolitano de Nueva York:  'La moda y la tecnología están conectadas más que nunca. Es el momento ideal para examinar los roles que lo hecho a mano y lo hecho a máquina han tenido en el proceso creativo. Esta exhibición propone un nuevo punto de vista en el que lo hecho a mano y lo hecho a máquina, que usualmente se presentan como opuestos, son protagonistas por igual'.


Nuestro Desafío Alta Moda propone, sin dejar de lado el trabajo manual minucioso y experto, sumar la experimentación con nuevos materiales y tecnologías digitales aplicadas al diseño, integrándolas con técnicas textiles y de alta costura para el desarrollo de propuestas de indumentaria editorial icónica.  Las tecnologías a explorar fueron estampado digital por sublimación y/o transfer, bordado computacional, corte láser, impresión 2 y 3D, entre otras. También se sumó el reto de desarrollar propuestas de alto valor de diseño a partir del menor costo posible, considerando reciclaje, reutilización y/o resignificación de materiales.

A través del respeto por la técnica, los materiales y el tiempo dedicado, este reposado proceso se traduce en vestuarios  realizados uno a uno, y a través de los que se manifiesta un nuevo concepto de lujo, aquel que da lugar también a la experiencia emocional del creador y al orgullo por el trabajo bien hecho".



Los principales aprendizajes de Desafío Alta Moda


"Uno de los ejes de este desafío fue invitar a alumnos, titulados y profesores a participar en forma abierta y voluntaria en este programa.

El hecho de plantearlo como un reto respondió al objetivo de motivar una participación que naciera desde el encantamiento y la voluntad de cada uno, entregando lo mejor de sí en este proceso. No fue una actividad curricular formal, sino una invitación a dar curso el propio entusiasmo, a disfrutar de la experimentación con materiales y técnicas, y del proceso creativo de diseño.




El plan de trabajo, de 10 semanas de duración, estuvo guiado por el diseñador de vestuario Rodolfo Veracomo experto en técnicas y confección, coordinado por Pitti Palacios y apoyado por un staff conformado por profesionales de distintas áreas, los que acompañaron a los participantes y facilitaron el desarrollo de los proyectos.

Quisimos  cultivar buenas prácticas y apelar a la alegría de crear e innovar, aspectos muy relevante  por tratarse de un proyecto  inserto dentro de un marco académico.



Con el fin de motivar a los jóvenes de hoy, nos pareció que un sistema de selección que incluía dinámicas asociadas a la tecnología actual y las redes sociales era interesante de explorar. Es así como un jurado conformado por especialistas definirá a los 3 finalistas, de los cuales resultará ganador el que obtenga mayor votación en redes sociales.

Yo misma participé en este desafío solo por el placer de hacerlo.

Dedique mucho trabajo y tiempo, y disfruté plenamente  construyendo un vestuario que diera cuenta de un manifiesto. 'Capa Razón'  es un vestuario realizado 100% con reciclaje de bolsas plásticas, basado en armaduras de protección, cortezas y  texturas orgánicas que acompañan el movimiento del cuerpo. Quise poner en valor el hecho de que se puede hacer más con menos, rescatando a través de la técnica y el diseño, la nobleza de un material de desecho".

Diseño de Vivian Urmeneta, directora de la carrera de diseño de vestuario DUOC-UC sede Viña del Mar


Jurado y premio del Desafío Alta Moda


 El jurado de Desafio Alta Moda está confirmado por directora de Escuelas de Diseño y Comunicación Duoc UC, Angelina Vacarella Abiuso; el subdirector del Museo de la Moda, Alexandros Apostolakis; el coordinador de Chile de Fashion Revolution, Pablo Galaz Esquivel; la asesora Editorial Revista Casa Etc. El Mercurio de Valparaíso, Marisol Ortiz Elfeldt; y la diseñadora y docente DUOC-UC, Viviana Dinamarca Soza.




Diseño del docente Rodolfo Vera

Los ganadores obtendrán como incentivo un premio donado por Maniquíes Ortega, además de una visita exclusiva a los laboratorios de conservación del Museo de la Moda, para ver vestuario histórico original.

Rodolfo Vera y Vivian Urmeneta no entran en competencia por este premio por su calidad de docentes DUOC-UC. Si lo hacen Rafael Delgado, Lisette Godoy, Javiera Stuardo, María Ester Guzmán, Marcela Muñoz, Carolina Rebolledo, Valentina Bórquez, Karin Morales, Karina Calisto, Javiera Pérez, Rocío Cadiz, Johannes Prado y Macarena Ruz.



(Fotos gentileza de Carrera de Diseño de Vestuario de DUOC-UC, sede Viña del Mar)

Copper: joyas textiles en cobre

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Una antigua máquina de tejer de su abuela fue una de las primeras señales que llevaron a la diseñadora, Fernanda Musalem, a perfilar lo que luego sería su marca de joyería, Copper diseño. A este hallazgo se sumó su trabajo como asistente de una diseñadora que estaba trabajando el cobre en prendas de vestir y un curso de joyas textiles, que terminó siendo el último impulso para dejar su trabajo en retail y dedicarse de lleno a su etiqueta, especializada en el metal rojo. Hoy nos contará más detalles de esta propuesta, donde la identidad chilena es clave.

La propuesta de Copper 


"Busco crear piezas modernas y elegantes que destaquen las características naturales de este material como su brillo, textura y color. Me motiva crear piezas que contengan la identidad chilena utilizando este material icónico de nuestro país".


La influencia de la materialidad en el proceso creativo de Copper 


"El cobre es el guía del proyecto y va a estar siempre presente, el proceso creativo está basado en su experimentación y mezcla con distintos materiales y técnicas textiles. La primera colección está hecha en base al tejido del alambre de cobre con hilos de colores y la aplicación de piezas de tuberías y fittings de cobre usados originalmente en cañerías. Es interesante dentro de la experimentación, aplicar materiales industriales que fueron pensados para otro uso y ver como estos elementos funcionales y toscos, se transforman en piezas delicadas entregando una estética única a cada diseño".


Crear moda con identidad local para Copper


"Por la importancia que tiene la explotación del cobre en nuestro país, este material siempre se ha considerado como un elemento muy chileno. Uno de mis objetivos es transformar este metal que no es de mucho valor en joyas modernas y elegantes. El proceso creativo va a estar siempre basado en elementos locales, inspiración de colores, materiales y técnicas, quiero pronto comenzar a experimentar con otras técnicas a demás del tejido de punto, el telar, los teñidos y la cordonería pueden entregar resultados interesantes. Finalmente creo que es importante comunicar los procesos, para que la gente conozca la historia detrás de cada pieza y así aumente el valor de lo local".


El principal desafío de Copper 


"Creo que mi principal desafío es la producción. Hoy lo hago todo yo y cada pieza tiene mucho trabajo detrás. Tengo la limitante de tener sólo una máquina y que su uso no es muy común, pero a la vez eso es lo que lo hace tan especial. Quiero ir etapa a etapa pero debo comenzar a pensar en como poder aumentar la producción, conseguir financiamiento para poder comprar más máquinas y capacitar personas en el proceso y armado de cada pieza".


Imaginando el futuro de Copper 


"Quiero seguir explotando el cobre como material y ver a donde me lleva la experimentación. Estoy recién empezando y quiero vivir cada etapa para poder disfrutarla al máximo. Estoy produciendo a una escala que me permite manejar todo por mi cuenta, pero en el futuro me gustaría poder llegar a más lugares. Hoy vendo a través de redes sociales y en la tienda Mercado de oficios -en el Drugstore de Providencia). Imagino mis joyas en tiendas situadas en un circuito más turístico, tiendas que tengan productos chilenos, hoteles en Santiago y ciudades turísticas como San Pedro de Atacama o Puerto Natales. Eventualmente me encantaría poder mostrar mi trabajo en el extranjero en representando el diseño chileno".


¿Dónde comprarlo? En las redes sociales de la marca, tienda Mercado de oficios en el Drugstore - Providencia, y en e-commerce de moda sustentable, Franca.


(Fotos gentileza de Copper)

Polic: carteras donde los materiales del norte y el sur se conectan

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Aportar a la diversificación de la canasta exportadora de Chile con un producto con materiales que hablen de nuestra identidad local llevaron a Nicolás Poliche y Catalina Ramirez de Arellano a crear Polic, una marca de carteras y complementos que transforman la “basura” de la industria de la carne de cordero sureña en objetos del deseo, que tiene al cobre como conector. Te invito a conocer su propuesta de la mano de sus creativos.


La propuesta de Polic


“Polic es una marca de carteras y accesorios de moda de alta calidad, tanto por sus materiales como por la confección y que, junto al diseño, crean una propuesta representativa de la identidad nacional. Queremos exponer las potencialidades y la historia de nuestros materiales, aprovechar la nobleza y durabilidad del cuero, la versatilidad y elegancia del cobre y que sea visible en un producto único, de finas terminaciones que se luzca junto a las mujeres de nuestro país”.



La influencia de la materialidad en el proceso creativo de Polic


“La materialidad es nuestra convicción. Creamos nuevos diseños a través de la conjugación de estos componentes tan opuestos, materiales que provienen de extremos de nuestro país, que no tienen relación aparente, pero que nos representan.

El diseño es construido en base al cuero ovino que posee cualidades diferentes (pelo) por lo que el diseño está adaptado al comportamiento de este material. Mientras que el cobre, a través de su brillo y color, realza el producto. Logrando un diseño sofisticado que potencia este nuevo diálogo entre la
nobleza del cuero y la elegancia del cobre”.



Crear moda con identidad local para Polic


“Para nosotros es moda que logra crear sentido de pertenencia y orgullo a un grupo localo global respecto a similitudes, atributos o ideas que las representan.

Creamos productos a través del rescate de conceptos característicos del país como la materialidad que usamos, y que junto al diseño, logra una mezcla armoniosa de los materiales y de lo que representan. El cobre ha sido por mucho tiempo la piedra angular de nuestra economía y posee una historia muy potente ligada al esfuerzo de los trabajadores mineros y el crecimiento que ha logrado el país. Lo mismo con los cueros y la historia de la industria ganadera. Nosotros intentamos hacerle un guiño a la historia desarrollando estas materias primas para llevarlas a la calidad que anhelamos en productos únicos”.



Los principales desafíos que enfrenta Polic


“Aún estamos en el desarrollo de procesos que nos permitan lograr nuestros propios cierres. Hoy usamos cierres de cobre provenientes del exterior, lo que es irónicamente paradójico para nosotros, pero esperamos resolverlo pronto.

Como productores nacionales sabemos que nuestro mayor desafío es lograr el mix de atributos que cautiven a la mujer chilena. Estamos convencidos de que vamos por buen camino con nuestros materiales, diseños y elaborando nuestros productos en el país. El desafío está en ser competitivos en precios y lograr que las mujeres valoren nuestra propuesta. Que nos identifiquen como producto chileno y de alta calidad, y que perciban el potencial de nuestros materiales. El cuero es un material magnifico y el cobre puede transformarse incluso en una joya, existe una infinidad de posibilidades para estos productos en vez de ser exportados en grandes volúmenes y volver a importarlos como productos finales. Con el reconocimiento de los materiales como propios, se crea identidad y sentido de pertenencia. Factores claves para impulsar el desarrollo de la industria nacional”.



¿El futuro de Polic?


“Sabemos que no somos pioneros en buscar el desarrollo de la industria nacional, ya que otros han servido de ejemplo para nosotros. Aun así, esperamos ser un gran aporte en esta materia. Buscamos el reconocimiento, queremos lograr fidelidad por parte de las mujeres del país, que se sientan orgullosas y se reconozcan en nuestra marca y representarlas en el mundo con nuestros productos”.

¿Dónde comprarlas? En Boutique Di Trevi en 9 Norte 907, Viña del Mar, y en las redes sociales de la marca (despacho a todo Chile).


(Fotos gentileza de Polic)

Yo lo probé perfumes: Sexy Ruby de Michael Kors

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Regalar un perfume en Navidad no sólo es un gesto de amor, sino también de conocimiento del otro, ya que obliga a entender sus gustos e incluso su ph. En este sentido, quise destacar un perfume que conocí hace unas semanas gracias a la invitación que mi hizo la marca Michael Kors. Yo probé su Sexy Ruby, y hoy te cuento qué me pareció.

Sexy Ruby de Michael Kors


El perfume Sexy Ruby de Michael Kors es floral. No obstante, yo que no soy muy hincha de este tipo de aroma, lo encontré agradable y de gran fijación, sin marear.

Según leí está compuesto por frambuesa y damasco, jazmín sambac (que se percibe fácilmente) y pétalos de rosas, además madera de cachemira.


Me pareció una excelente opción para quienes buscan una alternativa floral fresca, que no se diluya en la piel, sino que vaya suavizándose con el paso de las horas, sin perder su esencia.

Respecto a su botella, tiene forma de rubí, es muy ergonómica y cuenta con un spray que dosifica cada uso. Según leí su versión de 100 ml cuesta $69.990 (US$109.6) en el sitio de una multitienda nacional, por lo que asumo que no existe mayores variaciones en los otros retailers que lo distribuyen o en la tienda Michael Kors en el Distrito del Lujo en Parque Arauco, Santiago.

¿Te gustan este tipo de fragancias? ¿lo probarías? ¿lo regalarías?


Delourdes: indumentaria atemporal y nostálgica

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La pasión por la moda y el vestuario, muchas veces, es heredada. En el caso de la actriz y diseñadora de oficio, Vesna Beros, fue transmitida por su madre y abuela, quien en su Punta Arenas de infancia, se rodeaban de modistas, que les ayudaban a solucionar sus necesidades fashionistas. Con la adultez ese gusto se consolidó al entrar a la escuela de teatro, donde impulsada por profesores y amigos decidió dar vida en 2012 a su marca de indumentaria,Delourdes. Hoy nos contará sobre esta apuesta creativa.

La propuesta de Delourdes


"Siempre la he sentido atemporal y nostálgica. Un poco evocadora de épocas pasadas, con fuerte influencia en la escena musical y la teatralidad, con guiños claros de la estética punk y gótica. Pienso que cada prenda debe tener personalidad propia y destacar lo mejor de quien la lleva. Para mi el vestuario tiene un fuerte discurso político inserto".



Los factores que influyen en el proceso creativo de Delourdes


"Es muy sensorial, creo que ahí me juega a favor y en contra mis procesos creativos que vienen del teatro. Realmente veo la realización de una colección cápsula como una herramienta de lucha visual. Me inspiran las personas que por años han creído en mi imaginario, la mayoría con estéticas super definidas y empoderadas".



La importancia del relato de marca para Delourdes


"Para mí es muy importante este punto, de hecho creo que es trascendental. Tratar de generar conciencia de que el vestuario es parte importante de una identidad y de un discurso personal. Hace un par de años realicé un manifiesto basado en la frase de Roland Barthes: 'Nadie se viste inocentemente'con la firme convicción que el vestuario es política e identidad, lo que vestimos es un reflejo de quienes somos, más allá de la moda y las tendencias que son un asunto pasajero".


El principal desafío de Delourdes


"Desde los comienzos de la marca he tratado de vestir a todos y todas. Cada pieza es única y confeccionada a medida, lo que que se traduce en un objeto de colección especial para quien la adquiere. No se hacen más de cinco reproducciones. El desafío de una marca pequeña es siempre la constante lucha contra el retail y la facilidad que hay de adquirir prendas de mala confección y menor precio. También ha sido un desafío incursionar en diseño para novias y zapatería. No soy diseñadora, entré desde otra área y con mucho respeto, así que todo ha sido un gran aprendizaje".



El futuro de Delourdes


"Esa es una pregunta importante. Actualmente estoy en una reevaluación exhaustiva de lo que será el futuro de la marca. Sin lugar a dudas el 2018 debe ser un año de renovación. Actualmente estoy fuera del país y llegaré a mitad del verano con muchas ganas de crear piezas nuevas y llenas de carácter para quienes quieran hacer del vestir parte importante de su política de vida".

¿Dónde comprarla? En sus redes sociales y el correo vesnaberos@gmail.com



(Fotos gentileza de Delourdes)

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